Cristina Serrato: “Un actor posee las herramientas necesarias para crear su propio espectaculo”

Su personalidad destila entusiasmo, energía y un optimismo arrollador pero han sido el esfuerzo y la constancia que pone a cada proyecto los que la han llevado a saborear las mieles del teatro, el cine y la televisión. Cristina Serrato (Soria) ha participado en series tan conocidas como: Hospital Central, El síndrome de Ulíses, El Comisario o Yo soy Bea y hace seis meses, se marchó a EE.UU donde trabajó en tres películas (The walk with the darkness, A girl named Clyde y El sueño americano) Acaba de volver a España y en breve comenzará el rodaje de la ópera prima de Andrés Díaz Salazar.

Mira a cámara: ¿Cuál es tu primer recuerdo como actriz?
Cristina Serrato: No sabría decirte cual es el primero porque estoy enamorada de este mundo desde que era una niña. Recuerdo la ilusión que tenía cuando, en el colegio, interpreté La ratita presumida, y es la misma con la que me enfrento hoy, a cada proyecto.
M.a.c: ¿Cómo te recibió Madrid cuando te marchaste de Soria?
C.S: Fue un encuentro muy dulce. Me vine para estudiar periodismo y canto, y aprendí y disfruté mucho de aquella etapa, supongo que por el entusiasmo y las ganas que pones cuando te gusta algo.
M.a.c: ¿Cuándo fue la primera vez que te pusiste delante de una cámara?
C.S: Mis primeros trabajos en televisión fueron como periodista trabajando de reportera y presentadora. Me di cuenta de que era un medio que me apetecía seguir explorando como actriz e hice un curso en la Central de cine con Victor G. León. Trabajar con Víctor fue como una varita mágica porque después de hacer ese curso no paré de trabajar.
M.a.c: Acabas de protagonizar una película en EE.UU, ¿Cómo ha sido la experiencia?
C.S: Irrepetible por muchas cosas: mi primer papel protagonista, mi primera película, rodar en el extranjero, un guión maravilloso… ya te puedes imaginar. La película se titula Sueño Americano y yo interpreto a una latina que pone su vida en juego para ayudar a los espaldas mojadas a pasar la frontera.
M.a.c: ¿Tienes algún nuevo proyecto sobre la mesa?
C.S: Estaré en el primer largo de Andrés Díaz Salazar con el que ya trabajé en un corto. Es un thriller que va a dar mucho que hablar por el guión y la forma en que va a estar rodada la película. Eso es todo lo que puedo contar, por ahora.
M.a.c: ¿Ayuda tener un perfil tan característico como el tuyo?
C.S: En España, a diferencia de EEUU, donde hay más variedad de personajes, se trabaja mucho con estereotipos y es complicado que una actriz gordita inteprete un papel con una trama que no tenga algo que ver con los kilos. Una de las cosas que más ilusión me hace de trabajar en esta película es que me han llamado para dar vida a un personaje que no depende de mi físico.
M.a.c: ¿Cómo te ves a ti misma?
C.S: Como una persona luchadora, trabajadora y vehemente que intenta poner un poco de color y positivismo a cada proyecto que le llega. Tenemos que trabajar con todas nuestras ganas y energía porque estamos en un barco en el que, a veces, la mar está calmada y otras repletas de oleaje.
M.a.c: En esta profesión, ¿Se puede separar la vida personal de la profesional?
C.S: Se puede y se debe porque sería una autentica locura llevarte todos los personajes a casa.
M.a.c: ¿Eres de las que solo se rodea de gente de la profesión?
C.S: No, porque he hecho tantas cosas en mi vida… que he tenido la suerte de conocer a mucha gente y hacer buenos amigos en ámbitos muy diferentes. Además, creo que es bueno para un actor rodearse de personas distintas porque cada una de ellas te aporta algo nuevo.
M.a.c: ¿Algún sueño por cumplir?
C.S: Me gustaría que hubiera trabajo para todos y que no tuviéramos que estar, constantemente, esperando que suene el teléfono.
M.a.c: ¿Cuándo podremos volver a disfrutar de tu faceta de monologuista?
C.S: En breve. Estoy escribiendo un monologo nuevo que pondré en las tablas dentro de poco. Siempre he pensado que si no tienes trabajo te lo tienes que buscar y un actor posee suficientes herramientas como para montarse su propio espectáculo.

Antonio Barroso: “No creo en la crisis artística”

Ángel Caballero/Mira a cámara
Después de más de diez años actuando en teatro, cine y televisión, Antonio Barroso (No digas nada, Novios, Besos de gato, Al salir de clase) asegura seguir trabajando con la misma ilusión que tenía el primer día pero con la confianza y seguridad que dan el tiempo y las tablas. Este actor madrileño de treinta y un años es el protagonista Lo siento, te quiero, el primer corto de Leticia Dolera como directora y producido por Paco Plaza, que se estrena en la Semana Internacional de Cine de Valladolid.

Mira a cámara: ¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste hablar de Lo siento, Te quiero?
Antonio Barroso: Hace tiempo. Leticia Dolera me habló de una idea bastante general sobre un proyecto que tenía en mente. Poco a poco, siguió contándome cosas acerca del corto, me preguntó si quería formar parte y acepté sin pensármelo dos veces.
M.a.c: ¿Qué fue lo primero que se te pasó por la cabeza cuando leíste el guión?
A.B: Me quedé asombrado de la capacidad que tiene Leticia para poner en pie un proyecto de este tipo. Es una idea muy original, que me enganchó desde el primer momento, y en esta profesión es muy difícil encontrar un guión que te apasione al cien por cien. Reconozco, que estoy enamorado de este corto porque es uno de los trabajos más bonitos que he hecho.
M.a.c: ¿Qué podemos esperar de este cortometraje?
A.B: Es una fábula en forma de cuento que habla de las consecuencias que tienen los actos que no hacemos desde el corazón: como afectan a las personas que nos rodean y a nosotros mismos.
M.a.c: ¿Para que actor escribirías una historia?
A.B: No sé si tengo el talento y el valor necesario para escribir un guión pero tuviera que hacerlo, lo escribiría para Leticia (Dolera) porque tiene una sensibilidad increíble, se implica al máximo en cada uno de sus trabajos, se lo facilita a los demás y, además sabe trasladar eso al terreno de la dirección.
M.a.c: ¿Un personaje que siempre has querido interpretar?
A.B: Cualquiera sacado de alguna de las películas de Clint Eastwood. Ya he perdido la cuenta de todas las veces que he visto Mystic River o El Gran Torino.
M.a.c: ¿Tu mayor fan?
A.B: Mi familia. Siempre me han apoyado en todo y están muy orgullosos aunque también son muy críticos y si ven algún trabajo mío que no les gusta me lo dicen.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas tu primer beso delante de la cámara?
A.B: Fue con Alba Alonso en la película No digas nada. El director, Fernando Jiménez Luna, hizo que todo fluyera en un tono muy liviano y bastante divertido. En general, no me cuesta rodar escenas de sexo, de desnudos o en las que hay que besarse.
M.a.c: ¿De qué hablan los actores cuando se van a tomar unas cañas?
A.B: De muchos temas pero sobretodo de la profesión, los castings y los compañeros. Una de las primeras preguntas que nos hacemos siempre, suele ser: ¿Qué estás haciendo ahora?
M.a.c: ¿Crees en la crisis artística?
A.B: No. Pienso que en España tenemos profesionales muy preparados que están continuamente creando pero no todos pueden mostrar sus trabajos o sacarlos adelante por el momento de crisis económica que estamos atravesando.
M.a.c: ¿Cuál ha sido el momento más difícil que has vivido como actor?
A.B: La serie Al salir de clase. Fue muy complicado y por ello admiro a mis compañeros que pasaron por la serie y a los que hacen una serie diaria porque es muy difícil sacarla adelante. Son muchas horas de trabajo y esfuerzo en las que no tienes tiempo para preparar bien un personaje. Ha sido el trabajo que más me ha costado y del que estoy menos orgulloso.
M.a.c: ¿Vas más al cine o al teatro?
A.B: Al cine.
M.a.c: ¿Y cuál es la película que has visto más veces?
A.B: En su época llegué a saberme de memoria los diálogos de Belle Epoque de Fernando Trueba. Recuerdo que me gustaba mucho el tono alegre y desenfadado que tenía la película a pesar del marco histórico en el que se encontraba situada.
M.a.c: Tengo entendido que estás grabando una serie para internet…
A.B: Estamos terminado de grabar la segunda temporada. La serie se titula Con pelos en la lengua y se emitirá en breve en Telecinco.es

Jaime Palacios: “El truco está en no acomodarse y apostar por un sueño nuevo”

Ángel Caballero/Mira a cámara
De su imaginación han nacido tramas y situaciones inolvidables en series tan conocidas como: Tio Willy, Pepa y Pepe, Al salir de clase, Paco y Veva o Ellas son así. Jaime Palacios, nos descubre como funciona la mente de un guionista, los riesgos en la profesión y sus coqueteos con el mundo del teatro.

Mira a cámara: ¿Qué sientes cuando un actor cambia una de tus frases?
Jaime Palacios: Cuando el grueso de tu carrera como guionista se desarrolla en televisión, recibes un rápido y contundente baño de humildad, y aprendes a desvincularte emocionalmente y no sufrir como algo personal los cambios impuestos por la productora, por la cadena, por el productor ejecutivo, el coordinador, por el director de turno (que se siente autor esa mañana o, por el contrario, asume con desgana su funcionariado), por las prisas, las limitaciones presupuestarias… Llegados a ese punto, que los actores no quieran o, pobres, no puedan aprenderse el guión a tiempo y ofrezcan su personal y alternativa versión, es un entrañable mal menor. 
M.a.c: ¿Fue arriesgado incluir una trama abiertamente gay en una serie juvenil?
J.P: Cuando me hice cargo del argumento de Al salir de Clase, me pareció prioritario introducir un personaje gay. Quería hacerlo con naturalidad, dar a los potenciales espectadores adolescentes gays un referente positivo. Para mi sorpresa, la cadena no puso objeción alguna… siempre y cuando Santi careciese de vida afectiva o sexual. Se le permitía ser gay, siempre que no “ejerciera”. Por supuesto, cambiar eso se convirtió, ahora sí, en una cuestión personal. Fue lento, y desalentador a veces. Cada tres meses presentábamos a la cadena una biblia de tramas y, en cada una de ellas, había una historia de amor para Santi (que luego tenía que reciclar apresuradamente y “trasladársela” a otro personaje, incluso cambiarle el sexo a alguno que otro). 
Entonces, de nuevo para mi sorpresa… un buen día me aprobaron una de esas tramas. Santi ya no era homosexual sólo de nombre. Por fin era, verdaderamente, uno más de la pandilla, con el mismo derecho a enamorarse que cualquiera. Y nunca me canso de repetir la inmensa emoción que supuso constatar (a través de cartas, en los foros de internet…) que realmente sirvió para algo. Que toda una generación de chavales, desde cualquier oscuro pueblo de España, sintió por primera vez el alivio, la alegría de sentirse “normales”, de tener con quién identificarse, a quién admirar, con quién soñar.
M.a.c: ¿Cuantos guiones tienes guardados en el cajón?
J.P: Más de los que me gustaría. Proyectos que, por circunstancias diversas, no salieron adelante. De algunos te olvidas. Y con otros, te reencuentras antes  o después.
M.a.c: ¿Por qué es tan difícil mantener una serie en la parrilla?
J.P: No me lo preguntes a mí. La dictadura de las audiencias se ha descontrolado. Vivimos una especie de desenfreno histérico e implacable en el que las cadenas necesitan un resultado instantáneo. Cuesta creer que no sea rentable apostar por una serie, darle el tiempo necesario para asentarse, para encontrar su público, para fidelizarlo. La realidad demuestra que las series que se consolidaron como éxitos a largo plazo, las más longevas, esas sin las que cuesta concebir la parrilla de hoy o la historia reciente de nuestra televisión, tardaron meses, años en alcanzar ese estatus. Ninguna de ellas habría sobrevivido de haberse estrenado hoy, las retirarían a las dos, tres, cuatro semanas, previo destierro al late nigth, la madrugada del domingo o la cadena de TDT de turno.
M.a.c: ¿La mente de un guionista puede parar de crear?
J.P: A todos nos asalta el pánico a la página en blanco, una sensación de saturación, de “ya no se me ocurre nada más”. A mi padre le hace mucha gracia mi habitual ataque de pánico al hacerme cargo de un nuevo proyecto, mi recurrente “no puedo hacerlo”. Después, el momento pasa, el trabajo sale adelante, el resultado es (casi siempre) satisfactorio… Lo que nunca pasa ni se calma es la ansiedad, la sensación de que el bloqueo volverá. 
M.a.c: ¿Tienes pensado volver a dirigir teatro?
J.P: Fue una experiencia gratificante, sobre todo porque me embarqué en la aventura de la producción teatral con buenos amigos tan vírgenes como yo en ese campo. Lo poco que aprendimos fue a base de cabezazos, patadas y zancadillas. Valió la pena, cada vez que se levantaba el telón. Pero es improbable que se repita, a corto plazo.
M.a.c: ¿Un sueño por cumplir.
J.P: Me van a odiar por decir esto, pero mi vida se parece tanto a lo que había soñado de pequeño que asusta. El truco está en no acomodarse, en desear siempre un poco más, elevar el listón, apostar por un nuevo sueño. Aún me queda todo por hacer. Estoy en ello…

Neus Sanz: “Soy una actriz momentánea”

Ángel Caballero/Mira a cámara
Nunca estudió interpretación pero su trabajo con la compañía teatral La Cubana, le aportó lo necesario para subirse a las tablas. Con trabajos como: Cómeme el coco negro, Asesinas o 5 mujeres.com, se metió al público en el bolsillo, antes de trabajar con Almodóvar y darse a conocer en la pequeña pantalla como Rita, personaje que lleva interpretando desde hace seis años en Los hombres de Paco. Neus Sanz, afronta con el optimismo y energía que la caracteriza, un nuevo reto profesional en la obra Sexos, junto a Anabel Alonso, Adriana Ozores, Pepón Nieto y Federico Celada.

Mira a cámara: ¿Es necesario el optimismo en la carrera de una actriz?
Neus Sanz: El optimismo y la felicidad, son necesarios pero no solo para los actores, si no, para todo el mundo. Me veo como una actriz momentánea, que hace un ejercicio de optimismo diario que todos deberíamos hacer y que creo que tendrían que enseñar en las escuelas.
M.a.c: ¿A qué te refieres cuando dices que eres actriz momentánea?
N.S: Cuando era pequeña, quería ser enfermera pero de las que no pinchan. Más adelante quise ser monja y ahora me veo trabajando como actriz. No he ido nunca a una escuela de interpretación pero llevo desde los diecisiete años trabajando en esto porque un amigo pensó que tenía que entrar en la compañía de teatro La Cubana. Cuando digo que soy actriz momentánea es porque en estos momentos me gano la vida así, pero no sería menos feliz si tuviera que dedicarme a otra cosa.
M.a.c: ¿Qué te ha enseñado esta profesión?
N.S: El valor del compañerismo. He tenido la suerte de trabajar con actores como Laura Sánchez o Pepón Nieto, que son personas que te lo dan todo, sin pedirte nada a cambio. A lo largo de estos años he conocido a gente muy buena y he hecho grandes amigos como mis compañeras de La Cubana, con las que me escapo cada año para pasar mis vacaciones de verano.
M.a.c: Después de seis años en Los hombres de Paco, ¿Cómo haces para que tu personaje siga resultando novedoso e interesante para el público?
N.S: No es un mérito mío. Es el resultado del fantástico trabajo que realiza el equipo de guionistas que tenemos en la serie y el público, que sin ser conscientes, son los que deciden que sigamos estando ahí una semana más.
M.a.c: ¿Cómo son los personajes que te hacen soñar?
N.S: Disfruto mucho, con los malos que le dan a la peli un giro inesperado, sorprendiendo y provocando interés en el espectador. También me gusta mucho Rita, mi personaje en Los hombres de Paco, aunque ella es un trozo de pan y se la ve venir a una legua.
M.a.c: Acabas de volver al teatro, después de muchos años. ¿Qué te ha animado a aceptar este proyecto?
N.S: El culpable de todo esto es Pepón Nieto. Me insistió mucho en que yo tenía que estar en esta obra y, como nos queremos tanto y se puso muy pesado, acepté sin leer el guión.
M.a.c: Y una vez con el guión leído… ¿Cómo elaboraste el personaje?        
N.S: Con la ayuda de Pep Antón y de mis compañeros de reparto. Además tengo un personaje muy agradecido con el que me lo paso genial, y eso te ayuda mucho para jugarlo.
M.a.c: ¿Eres perezosa para estudiar un guión?
N.S: Mucho. Este año solo he tenido nueve días de vacaciones en los que me he ido de viaje y me llevé el guión de la obra para estudiármela, cada vez que lo abría para empezar… a los diez minutos acababa cerrándolo. Me cuesta mucho ponerme a estudiar algo con semanas de antelación porque me parece una pérdida de tiempo, así que, no empiezo hasta un día u horas antes de empezar a rodar, cuando ya no tengo más remedio.
M.a.c: ¿Añoras los personajes extremos como los que interpretabas en La Cubana?
N.S: Me he criado en La Cubana, es una época de mi vida que ya pasó pero guardo unos recuerdos maravillosos y cada vez que hago algún personaje, intento acordarme y rescatar las cosas que aprendí con ellos.
M.a.c: ¿Cómo fue tu primer encuentro con la cámara?
N.S: Fue en Barcelona y era muy jovencita, tenía diecisiete años. Recuerdo que me parecía todo muy extraño, curioso y nuevo. Lo primero que hice fue en un programa, Els Grau, y luego llegó Teresines S.A, una serie de trece capítulos. Parece ser, que resultó bien porque me acabó gustando más, trabajar en la tele que en el teatro.
M.a.c: ¿Has aprendido más de la tele o del teatro?
N.S: Con La Cubana se aprende mucho y en televisión, si tienes buenos directores, técnicos que te dicen trucos, y compañeros de reparto, también. Lo más importante son las ganas que uno tenga de aprender, porque si quieres aprender… aprendes.
M.a.c: ¿Cuál es el personaje con el que más te has encariñado?
N.S: Son dos: Celsa, fue mi primer personaje en una obra titulada Parejas de baile y Rita, de Los hombres de Paco.
M.a.c: ¿Te gustaría dirigir?
N.S: Pienso que hay que ser muy valiente y no me considero tan sabia como para dirigir. Sé cuándo me ha gustado una interpretación y cuando no, pero no me veo diciéndole a ningún compañero lo que tiene que hacer.
M.a.c: ¿Qué tienen que hacer las personas que quieran verte?
N.S: Venir a ver Sexos al teatro La Latina y después nos iremos de gira por España. Y el día trece de octubre empezamos a grabar la nueva temporada de Los hombres de Paco, que viene cargada de sorpresas.

José Manuel Seda: “Cada vez, hay más actores y menos artistas”

Ángel Caballer/Mira a cámara
Muchos lo reconocerán por sus trabajos en series de televisión como Plaza Alta, Yo soy Bea o Física o Química. Pero pocos conocen su faceta como director, productor y actor de doblaje que ha prestado su voz a personajes tan importantes como Ryan O´neal. José Manuel Seda (Sevilla, 10/08/68) ha participado en más de quince montajes teatrales y en estos momentos se encuentra de gira por España con la obra La fierecilla domada que protagoniza junto a Alexandra Jiménez.

Mira a cámara: Después de años sin parar de trabajar, ¿Qué te queda por hacer?
José Manuel Seda: Todo. Estoy muy satisfecho de mi último trabajo en teatro, La fierecilla domada, pero mi gran personaje aun está por llegar. Y seguramente, cuando lo haga pensaré que es el próximo y no es por insatisfacción, si no, porque esta, es una profesión que te provoca hambre de seguir trabajando y probando cosas distintas.
M.a.c: ¿Se aprende más delante o detrás de la cámara?
J.M.S: En los dos sitios. Pienso, que los actores que nos ponemos detrás de la cámara tenemos que ser mucho más respetuoso con el que está delante para evitar dirigirlo como lo harías tú como actor.
M.a.c: ¿Tu faceta en la dirección te ha facilitado el trabajo como actor?
J.M.S: Mucho. Sobretodo en el trabajo con la cámara porque sé lo que se está haciendo en cada momento. He aprendido a controlar el eje, como tengo que colocarme, me hago una idea de cómo van a ir montados los planos… es interesante conocer estas cosas para facilitarte tu trabajo como actor y facilitarle el trabajo a los técnicos.
M.a.c: Has trabajado haciendo doblaje… ¿Qué has aprendido de ese mundo?
J.M.S: Soy andaluz y una de las cosas en las que me ayudó el doblaje fue a familiarizarme con la dicción castellana. También me enseñó a trabajar un texto con más rapidez, y siendo consciente donde están los puntos, las comas, cuando tienes que hacer las respiraciones… Es fundamental el trabajo de voz para un actor, sobretodo en teatro. Veo a muchos actores jóvenes que les dan más importancia al naturalismo que a la dicción y luego no se les entiende porque no vocalizan.
M.a.c: Últimamente, se valora mucho la naturalidad en un actor, ¿Cómo se consigue esa famosa “naturalidad”
J.M.S: Para mí, ser natural es estar conectado con uno mismo y cuando esto ocurre no es necesario impostar nada. Luego hay que tener claro lo que el personaje quiere contar, el conflicto que hay en la secuencia que vas a rodar y, sobretodo, escuchar a tu compañero.
M.a.c: Te confieso que para documentarme sobre tu trabajo, he sacado mucha información de tu página web. ¿Cómo surgió la idea de crear este espacio en internet?
J.M.S: Fue gracias a Ana y Laura, dos amigas maravillosas que me plantearon la posibilidad de crear una web. A mí nunca se me había ocurrido y me pareció una idea interesante. Además, en estos tiempos, todo lo que hagas para promocionar tu trabajo es poco.
M.a.c: ¿Cuánto tiempo empleas en preparar un personaje?
J.M.S: Depende del proyecto, cuando me llega un guión lo primero que hago es leérmelo y empiezo a imaginar cómo se mueve el personaje, su forma de hablar, cuáles son sus prioridades… Luego, escribo unas líneas sobre el personaje con las conclusiones que he sacado y por último, si puedo, hablo con el director y pactamos antecedentes y objetivos.
M.a.c: ¿Qué hace que una interpretación sea brillante?
J.M.S: Cada vez, hay menos artistas y más actores preocupados en dar un resultado, en lugar de investigar en el proceso que hay que llevar a cabo para obtenerlo. Los momentos brillantes de una interpretación nacen cuando no controlas al personaje porque los llenan de vida y verdad.
M.a.c: ¿Cuál es el personaje con el que más has llorado?
J.M.S: El primero que hice profesionalmente, Doña Rosita la soltera de Lorca. Los primeros personajes que trabajé en teatro han sido los más difíciles porque estaba empezando y en el teatro siempre estás desnudo y te sientes más vulnerable.
M.a.c: ¿Es más duro grabar una serie diaria o subirse a un escenario todas las noches?
J.M.S: Hacer una serie diaria es muy duro y te acaba dejando sin tiempo para ti. En el teatro, tienes más tiempo, pero te pasas todo el día con la energía puesta en la función de la noche. Y si haces las dos cosas a la vez… acabas sin aliento.
M.a.c: ¿Qué es lo que más te asusta de esta profesión?
J.M.S: No sabría decirte porque han sido muchos años juzgándome, pensando que no estaba a la altura, que no servía para dedicarme a esto… Ahora, intento disfrutar cada momento al máximo y no tengo miedo, cuando vengan los problemas iré resolviéndolos como pueda.
M.a.c: ¿Hay que saber confiar en uno mismo?
J.M.S: Es esencial porque esta es una profesión en la que estás siendo juzgado en todo momento, desde que empiezas en la escuela, pasando por los compañeros de profesión y acabando por el público. No puedes estar todo el tiempo pendiente de lo que piensan de ti porque acabas amargándote, por eso, tenemos que ser honestos y confiar en nosotros mismos.

Verónica Larios: “Hay que enamorarse de los personajes para poder defenderlos”

Ángel Caballero/Mira a cámara
Hace algunos años que Verónica Larios (Granada) decidió dar un giro a su vida al marcharse de España para hacer realidad su sueño de ser actriz. Consciente de la importancia de la formación en la carrera de un actor, estudió con profesores de la talla de John Strasberg, José Carlos Plaza o Victor G. León. En estos momentos se encuentra de gira por España con la obra Chat.

Mira a cámara: Realizaste la mayoría de tu formación fuera de España… ¿Qué te llevó a tomar esta decisión?
Verónica Larios: Trabajaba en Barcelona, en algo que no tenía nada que ver con la interpretación cuando decidí ir dos meses a Méjico para visitar a una amiga. Los dos meses se convirtieron en dos años en los que comencé a formarme en la escuela de Luis Felipe Tobar. Luego me fui a Nueva York donde estudié con John Strasberg.
M.a.c: ¿Es muy diferente la formación que se recibe fuera de España?
V.L: Es distinta. No tanto por las escuelas, como por los alumnos que dedican las veinticuatro horas del día a formarse y eso, luego se nota.
M.a.c: ¿Qué te enseñaron esos compañeros?
V.L: A tener disciplina. Ellos aunque no tengan trabajo siempre están formándose en distintos campos artísticos, no solo en la interpretación. Creo que en ese aspecto, nosotros somos más relajados.
M.a.c: ¿Llevas a cabo una formación continua?
V.L: Es imprescindible porque se te presenta una prueba y tienes que estar preparado como si fuera el primer día de rodaje. He aprendido mucho de los cursos monográficos que he hecho con Ramón Salazar o con Víctor G. León en La Central de cine.
M.a.c: ¿Ayuda estar en buena forma física?
V.L: Mucho. Yo llevaba años haciendo ballet clásico y contemporáneo, y ahora me he aficionado al flamenco que me gusta mucho porque te da una presencia, fuerza y peso que luego puedes aprovechar en el teatro.
M.a.c: ¿De quién has aprendido más?
V.L: De profesores como José Carlos Plaza, compañeros como Celia Rivas y sobre todo, de la experiencia propia y del día a día.
M.a.c: Tu nivel de implicación en un proyecto, ¿es siempre el mismo?
V.L: Sí, ya sea para una prueba, un episódico o una obra de teatro. Hay que enamorarse de cada personaje para poder defenderlo al máximo.
M.a.c: ¿Cómo te enamoras un personaje?
V.L: Lo primero que hago es leerme varias veces el texto para fijar antecedentes y objetivos. Luego, juego a improvisar con el personaje para que tenga vida propia y finalmente, le pido a algún amigo de confianza que lo supervise.
M.a.c: ¿Qué crees que puedes aportar al cine español?
V.L: Todos los que nos dedicamos a este mundo tenemos algo que aportar.  Lo más importante es ser auténticos, implicarse al máximo y saber que quieres contar.
M.a.c: En esta profesión… ¿Hay más aliados o enemigos?
V.L: Por ahora, he tenido suerte de encontrar muchos más aliados. Soy consciente de que aun me queda mucho camino por recorrer, que somos muchos en esta profesión, todos queremos trabajar y no siempre es fácil ayudarse los unos a los otros pero, por ahora, toco madera.
M.a.c: Si no fueras actriz… ¿A qué te dedicarías?
V.L: Me he planteado esta pregunta muchas veces y tengo que reconocerte que aun no tengo respuesta. No quiero tener que dedicarme a otra cosa y no sé qué sería de mí, si no me levantara cada día para luchar por esto.
M.a.c: ¿Dónde podemos encontrarte?
V.L: Ahora estoy de gira con una obra de teatro titulada Chat. El argumento gira en torno a un grupo de personas enganchadas al chat, a las que les cambia la vida cuando se conocen entre sí. También hay un proyecto, escrito por Javier Laguna del que aún no puedo hablar mucho.

Antonio Velázquez: “He intentado dejarme la piel interpretando a Paquirri”

Ángel Caballero/Mira a cámara
Con motivo del aniversario de la muerte de Paquirri, Telecinco emitirá una Tv movie sobre su vida, dirigida por Salvador Calvo. El biopic, está compuesto por dos capítulos y protagonizado por Antonio Velázquez (Granada, 06/12/81) que vuelve a mirar a cámara para hablar de este nuevo proyecto que supondrá un antes y un después en su carrera.

 
Mira a cámara: ¿Cómo preparaste el personaje de Paquirri?
Antonio Velázquez: Lo primero que hice fue documentarme. Salvador Calvo, el director, me ayudó mucho porque me proporcionó videos, artículos de prensa y un dossier sobre la personalidad y creación del personaje de Paco. Y luego, tuvimos la suerte de tener tres semanas de ensayos, a jornada completa con apenas tiempo para parar a comer.
M.a.c: ¿Te ayudó el proceso de caracterización?
A.V: Sí, de hecho fui al casting con lentillas verdes porque si me miraba al espejo y no me veía los ojos de ese color, no me sentía como Paquirri.
M.a.c: ¿Aprendiste a torear?
A.V: Tuve la suerte de tener a mi lado, en todo momento, a José Antonio Canales con el que hice un entrenamiento durísimo. La productora nos trasladó a Barbate durante una semana en la que Canales me enseñó a torear y a conocer el mundo del toreo.
M.a.c: ¿Qué tiene de especial para ti este personaje?
A.V: Era una persona constante, vital y con un afán por ser el número uno, que le hacía único. Paquirri siempre luchó por ser el mejor y eso es admirable. Además fue un personaje dentro y fuera de las plazas. Fuera, por los dos matrimonios que tuvo y dentro era conocido como El Tremendista, porque tenía una forma de torear que era única en aquel momento. Tengo que reconocer que es uno de los personajes más bonitos que he interpretado.
M.a.c: ¿Es un riesgo interpretar a un personaje que está tan cercano, en la memoria de la gente?
A.V: Es difícil, porque es una figura del toreo que aún está muy presente. Pero hay que conseguir dejar a un lado el fantasma de Paquirri y luchar por defender al personaje sin caer en lo obvio o en el cliqué, para obtener un trabajo que sea tuyo.
M.a.c: ¿Qué sentiste al ponerte delante del toro?
A.V: La verdad, es que en algunos momentos llegué a pasar miedo. Acompañé a Canales a muchos tentaderos y corridas e incluso llegué a verlas desde el callejón. Dicen que desde el callejón la vida se ve de otra manera… y es totalmente cierto.
M.a.c: ¿Qué se siente al llevar el traje de luces?
A.V: Es un traje muy incomodo y, al principio, me costaba mucho moverme con él. Pero luego, te das cuenta de que todo lo que lleva el traje tiene un significado y una importancia.
M.a.c: ¿Qué te ha enseñado Paquirri?
A.V: Que si eres perseverante, constante y luchas por lo que quieres… al final, puedes conseguirlo. Paquirri, se dejó la piel en ser en mejor torero, y yo, he intentado dejarme la piel interpretando a Paquirri.
M.a.c: ¿Cómo te preparaste para el casting?
A.V: Fue un casting duro porque fueron cuatro pruebas. Me informé, todo lo que pude sobre Paquirri, y no sé por qué pero desde primera hora, tenía la confianza de que podía interpretar a este personaje.
M.a.c: ¿Qué fue lo primero que hiciste cuando te dijeron que el papel era tuyo?
A.V: La primera llamada que recibí fue de mi representante. Luego, me llamó Antonio Hernández, el guionista y después Salvador Calvo, con quién me fui a celebrarlo.

Rosa Buendía: “Yo sería una buena chica Almodóvar”

Ángel Caballero/Mira a cámara
Después de trabajar durante años en los escenarios, Rosa Buendía, ha sabido trasladar la disciplina, el riesgo y la profesionalidad que aportan las tablas, a su nueva etapa en series de televisión como: Quédate conmigo, Yo soy Bea y más recientemente en Estados Alterados Maitena, donde daba vida a la alocada prima del personaje que interpreta Pepa Rus. Ahora, espera dar el salto a la gran pantalla y sueña con poder trabajar, algún día, con Pedro Almodóvar.

Mira a cámara: ¿Cuándo acaba la formación de un actor?
Rosa Buendía: Nunca. Todos aprendemos algo nuevo, cada día, en nuestro trabajo y si tienes un parón siempre es interesante hacerse cursos en diferentes escuelas para seguir formándote y conocer nuevos métodos con los que trabajar.
M.a.c: Y fuera de la escuela… ¿Cómo se puede complementar la formación?
R.B: Estamos en un momento en el que los musicales están a la orden del día, asistir a clases de canto o danza, puede ser un buen complemento.
M.a.c: ¿Es necesario conocerse a fondo para ser un buen actor?
R.B: Es vital, para saber hasta donde puedes llegar y, así, poder destacar tus cualidades como actor.
M.a.c: ¿Quién te dio tu primera oportunidad?
R.B: Gina Piccirilly, con la que hice varios espectáculos y que me enseñó todo lo que sé sobre el mundo del teatro.
M.a.c: Recientemente, te hemos visto en Estados Alterados, Maitena… ¿Qué has aprendido de tu paso por la serie?
R.B: Muchas cosas pero, sobre todo, a tener seguridad y confianza en mí misma.
M.a.c: ¿Cómo elaboraste el personaje?
R.B: Ya conocía la serie y sabía el estilo tan personal que tenía, así que me limité a respetarlo. Luego con ayuda de peluquería y vestuario, me tiré a la piscina y comencé a jugarlo, y sobre todo, a disfrutarlo. Fue fácil interpretar a Janet, porque era un personaje que estaba muy bien escrito y era muy cómico, que es un registro que manejo bastante bien.
M.a.c: ¿Qué tal con los compañeros?
R.B: Muy bien, había muy buen rollo, me ayudaron mucho y me hicieron sentirme muy cómoda. A Eva Lesmes, Elena Octavia y a Pepa Rus, que interpretaba a mi prima, ya las conocía porque habíamos coincidido en un curso de la Central de Cine, por lo que me sentí como en casa.
M.a.c: ¿Algún reto profesional?
R.B: Me gustaría que me dieran la oportunidad de interpretar un papel dramático. Creo que ya he demostrado, varias veces, que se me da bien la comedia pero no es lo único que sé hacer.
M.a.c: ¿Con quién te gustaría llegar a trabajar?
R.B: Con Almodóvar. Ojalá lea esta entrevista y me llame porque ya me han comentado, algunas personas, que sería una buena chica Almodóvar.
M.a.c: ¿Por qué crees que dicen eso?
R.B: Supongo que será porque el estilo y el ritmo que tengo, a la hora de trabajar, es parecido al suyo.
M.a.c: ¿Quién ha sido la persona que más ha confiado en ti?
R.B: Por ahora, Eva Lesmes. Me ha dado mi primera gran oportunidad en televisión y me descubrió todo lo que me podía aportar el mundo del cine.
M.a.c: ¿Recuerdas cual ha sido tu peor casting?
R.B: No lo olvidaré jamás. Fue la primera prueba que hice y estaba muy nerviosa. Era para un programa que buscaban reporteras. Espero que no lo cuelguen en Youtube o en algún sitio de internet.

Juan Carlos Rubio: “He tenido la suerte de trabajar con grandes actores”

Ángel Caballero/Mira a cámara
Aunque ha escrito y dirigido varias obras teatrales, Juan Carlos Rubio (Montilla, Córdoba) se enfrenta a una nueva experiencia profesional dirigiendo, por primera vez, un texto de otro autor. El pez gordo, ya ha llegado al teatro Arenal de Madrid con un reparto formado por Toni Cantó, Helio Pedregal y Bernabé Rico, con el que Rubio, ya trabajó en Humo. El director teatral y guionista de películas como Retorno a Hansala o El Calentito, comenzará en breve la producción de su próxima obra con Kiti Mánver, Nuria González, Aurora Sánchez y Octavi Pujades como protagonistas.

 
Mira a cámara: Tengo entendido que es la primera vez que diriges una obra con un texto de otro autor, ¿Cómo ha resultado la experiencia?
Juan Carlos Rubio: Ha sido diferente porque yo llegué a la dirección a través de mis obras. Dirigir un texto ajeno es un reto pero también te permite estar más relajado, solo tienes que asumir y entender el punto de vista del autor. De hecho, he tenido varias conversaciones con el autor en las que hemos hablado de la obra y de lo que quería contar con ella.
M.a.c: ¿Crees que eres más objetivo cuando no diriges una obra tuya?
J.C.R: Siempre he pensado que los que nos dedicamos a esta profesión nunca podemos ser objetivos con nuestro trabajo. Lo que me resulta más interesante de El pez gordo, es poder aparcar al autor y disfrutar como director de lo que proponen los actores.
M.a.c: ¿Qué proyectos tienes ahora sobre la mesa?
J.C.R: Estoy con un montaje que ya estrené en Costa Rica, Puerto Rico, Miami y Chile. Se titula Tres, es una comedia sin mensaje en la que reivindico el género.  El reparto está formado por Aurora Sánchez, Octavi Pujades, Kiti Mánver y Nuria González… son unos actores increíbles.
M.a.c: ¿Tienes actores fetiche?
J.C.R: No, lo que pasa es que he tenido la suerte de tropezar con actores muy buenos. Cuando trabajas varias veces con un  buen actor y ya lo conoces, puedes pedirle muchas más cosas porque se crea un lenguaje compartido que aporta bastante confianza. He trabajado con grandes actores pero también me gusta conocer a otros nuevos, como ha sido el caso de: Toni Cantó, Nuria González o Helio Pedregal.
M.a.c: ¿Cómo es el proceso de selección de los actores con los que trabajas?
J.C.R: En el caso de Humo, por ejemplo, fue Juan Luis Galiardo el que me seleccionó a mí para dirigir la obra.  Evidentemente, a una pedazo de actriz como Kiti Mánver no le vas a hacer un casting porque todos conocemos de sobra su trabajo. Faltaba por escoger a la pareja joven, y yo propuse a Bernabé Rico para el casting porque ya había trabajado con él. De todos los actores que vi él fue el que más me gustó y finalmente lo hizo.
M.a.c: ¿Te animarías a embarcarte en una novela?
J.C.R: No, porque a mí me gusta escribir textos para que sean representados por un actor ya sea en cine, teatro o televisión. Una novela es un soporte diferente que, a día de hoy, no me llama la atención porque me gusta trabajar con actores.
M.a.c: ¿Sobre qué personaje te gustaría escribir una obra de teatro?
J.C.R: Pues precisamente, tengo un proyecto de teatro sobre Pau Casals.
M.a.c: ¿Te pondrías detrás de la cámara para dirigir una película?
J.C.R: No lo descarto, pero por ahora no. Me gusta mucho escribir y creo que aun tengo muchas cosas que contar. Dirigir cine requiere mucho esfuerzo y una gran cantidad de tiempo del que no dispongo.
M.a.c: ¿Dónde nacen los personajes?
J.C.R: En los ensayos porque es donde se plantan las bases de lo que el espectador va a ver después. Disfruto mucho con el proceso de ensayos porque son como una montaña rusa emocional donde cada día experimentas y pruebas cosas distintas.
M.a.c: ¿Qué es lo peor que le has dicho a un actor?
J.C.R: Nunca le he dicho nada malo a un actor. Me gusta obtener lo que quiero de los actores desde el apoyo y el cariño. El primer día de trabajo, siempre les digo: Yo me tengo que enamorar de vosotros y vosotros de mí, para que de ese polvo nazca este niño.
M.a.c: Tus obras se caracterizan por hacer comedia de los momentos dramáticos…
J.C.R: Veo mi vida como una comedia con gotas de drama. Soy consciente de que no todo el mundo comparte mi género pero es como yo veo mi vida y, así, lo intento reflejar en mis obras.

Llegan los pájaros (muertos)

Eduardo Blanco, Silvia Marsó, Alberto Jiménez y Claudia Fontán encabezan el reparto de Pájaros muertos, una película lo más “rara y distinta posible”,  según sus directores Jorge y Guillermo Sempere.
La acción se desarrolla en una urbanización, Los Pájaros, donde la muerte de varias aves rompe la tranquilidad del vecindario formado por familias adineradas.
El guión, firmado por Gorka Esteban y Gisela Benenzon, es, a juicio de los directores, una pieza ”fuera de lo habitual” en el cine español.