Mira a cámara: ¿Qué podemos esperar de “Gavilanes”?
Fernando Andina: La historia de tres hermanos pobres que intentan esclarecer la muerte de su hermana pequeña, que murió junto al padre de las tres hermanas ricas. El punto de partida es muy parecido al de la serie original, pero conforme va avanzando la trama, podremos ver muchos cambios, porque está adaptado a la sociedad española. Otra de las novedades es que se va a emitir en prime time, y no como la colombiana que era diaria.
M.a.c:  Otras adaptaciones, como “Sin tetas no hay paraíso”, se desmarcaban mucho de la original. ¿En este caso ocurre lo mismo?
F.A: No te puedo decir porque aún no he visto material suficiente como para expresar una opinión, pero hay compañeros que han seguido la original y que han visto ésta, que me han dicho que no guardan demasiado parecido.
M.a.c: En esta serie  te reencuentras con algunos compañeros con los que ya has trabajado. ¿Es más agradecido cuando ocurre esto?
F.A: Por supuesto que si. Justo antes de esta serie inicié otro proyecto que se iba a llamar “Fuera de juego”. La protagonista era Diana Palazón, con la que ya había coincidido en “Al salir de clase”.  Entre los compañeros de “Al salir…” existe como un código o un buen rollo que imagino que será porque todos hemos salido de ahí. El hecho de que Rodolfo Sancho, con quien nunca llegué a coincidir pero nos conocíamos y nos llevábamos muy bien, y Diana Palazón, que es como mi hermana, aceptaran, influyó  mucho en mi decisión de formar parte del proyecto.
M.a.c: ¿Ese grado de amistad y confianza se nota en el trabajo?
F.A: Yo lo agradezco mucho porque sé que me puedo acercar más al otro actor, para proponer cosas juntos o pedirles consejos. Soy consciente de que trabajando puedo llegar a ser muy bruto, por eso, si tengo delante a un actor que no conozco, me cuido mucho con los comentarios que hago para no herir ninguna sensibilidad.
M.a.c: Has hablado de “Fuera de juego”, un proyecto que se cayó antes de estrenarse. ¿Qué elementos crees que pueden garantizar el éxito de una serie?
F.A: Absolutamente ninguno. Conozco algunas que tenían todo lo necesario para triunfar y no han llegado a emitir ni el tercer capitulo. Luego hay otras por las que nadie apostaba y han llegado a ser auténticos pelotazos.
M.a.c: ¿Alguna vez te has tomado el fracaso de un proyecto, del que formabas parte, como algo personal?
F.A: En “Fuera de juego” yo era el protagonista absoluto y estaba en el ochenta por ciento de las secuencias. Por eso, cuando no funcionó la serie fue inevitable mirarme al espejo y no preguntarme: “¿Qué he hecho mal?”. Luego hablas con la gente que está arriba y te dicen que todo ha sido por motivos empresariales o por que no confiaban en el proyecto en general, y te bajan, un poco,  el ego.
M.a.c: ¿Sueles ver mucho la televisión?
F.A: No mucho, la verdad. Seguir un programa significa tener estar a una hora determinada delante del televisor. Eso es  algo que por mi profesión y por mi manera de ver la vida, me es imposible.
M.a.c: ¿Preparas tus personajes leyendo biografías de otros actores?
F.A: Me gustan mucho las biografías en general, de gente a la que admiro. Las leo por curiosidad y como fuente de inspiración, pero no con la pretensión de intentar imitar o querer tener una carrera igual. Recuerdo que cuando entré en “Al salir…”, acababa de salir de la escuela de interpretación y era muy analítico y metódico. Han pasado once años en los que, sobre todo, he hecho mucha televisión y he aprendido a ser más intuitivo. Estudio y preparo la esencia del personaje en general, pero no en cada momento.
M.a.c: Cuando pasas muchos años en una serie, acabas conociendo muy bien al personaje. Mejor a ti mismo, ¿no?
F.A: Sí, eso me ha llegado a ocurrir en “El comisario” o en “Al salir…”. Los guionistas suelen tener la suficiente inteligencia como para llegar a escribirte el personaje para ti, por lo que ellos van viendo de tu trabajo. De estos casos hay ejemplos muy claros como el trabajo de Miguel Ángel Silvestre en “Sin tetas…”. En la novela su personaje no tenía tanto protagonismo y él llegó a convertirlo en un éxito, gracias al gran trabajo que hizo.
M.a.c: Llegaste a “Al salir…” para interpretar a un personaje malvado y, ahora, en “Gavilanes” te enfrentas a otro parecido. ¿Te sientes encasillado?
F.A: No. Cuando entré en “Al salir…” firmé solo por tres meses y pensé que mi personaje no tenía salvación, porque era el tipo que mataba al primer gran amor del personaje que interpretaba Alejo Sauras. Acabé haciendo cuatrocientos capítulos como el tío simpático al que los demás le hacían todas sus confesiones y me fui por la puerta grande. En “Gavilanes” interpreto a Fernando, un hombre que se deja llevar por su ambición desmesurada. No creo que existan personajes buenos, ni malos. Creo en los matices y en el motor que impulsa los conflictos.
M.a.c: ¿Te gustaría tener una carrera cinematográfica más amplia?
F.A: Te confieso que es un medio en el que me gustaría profundizar más, porque sólo he hecho dos películas. Espero poder desarrollar una carrera cinematográfica, pero es cierto que también soy tremendamente feliz en la televisión.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas tus comienzos?
F.A: Decidí ser actor con diecisiete años. Entré en una escuela de interpretación y cuando acabé años después, me ofrecieron entrar en “Al salir…”. En un principio rechacé la oferta porque me habían inculcado la idea de que tenía que aprovechar mi profesión para hacer algo por la sociedad. Carmen Utrilla me convenció de que tenía que aceptar el papel y, sin haberlo previsto, los guionistas acabaron brindándome uno de los personajes más bonitos que he tenido en mi carrera. Con los años he aprendido que no somos tan importantes y que los que realmente pueden hacer algo por la sociedad son gente como los abogados, los médicos o los políticos.
M.a.c: ¿Eres feliz en tu trabajo?
F.A: Soy un enamorado de mi trabajo. Por eso, siempre que me llaman para ofrecerme algo, soy incapaz de decir que no. Cuando he rechazado un proyecto, ha sido porque realmente no podía hacerlo. Vivo en Madrid y dejo mi casa, a mi pareja y a mis amigos, para irme a Barcelona a grabar. A vivir en un hotel y despertarme a las cinco de la mañana… pero es que eso me encanta, independientemente del sueldo y muchas otras ventajas.

Mira a cámara: Has realizado tus últimos trabajos en el extranjero. ¿Qué has encontrado allí que no tuvieras aquí?
Sergio Peris-Mencheta: Trabajo. Lo último que hice en España fue “Los Borgia” y, o muy mal lo hice -yo me doy mucha caña pero creo que no es el caso- o será que tengo un perfil físico que no encaja en las películas costumbristas, donde tenga que hacer del típico español medio. Gracias a compañeros como Javier Bardem, Penélope Cruz, Antonio Banderas, Elsa Pataky o Jordi Mollá, que han abierto un camino, he encontrado un hueco allí. En EE.UU he aprendido que el trabajo que estoy realizando, desde el principio, es un producto que combina a la perfección la parte artística con la comercial. Los americanos se juegan mucho dinero en cada proyecto y eso, inevitablemente, se nota en todos los aspectos.
M.a.c: ¿Cómo llegó tu primera oportunidad en EE.UU?
S.P.M: Estaba compaginando trabajos en Francia y en España cuando me llamó Taylor Hackford porque había visto una foto mía en internet y le encajaba en un perfil para una película tiulada “Love Ranch”, protagonizada por Helen Mirren y Joe Pesci. Me fui a su casa de Los Ángeles donde estuvimos tres días haciendo pruebas con él y con su mujer (Mirren). El momento más difícil y más arriesgado fue cuando tuvimos que ensayar una escena en la que mi personaje besaba al de  Helen. Yo sabía que en los castings americanos se hace como si se diera un beso pero no se llega a besar de verdad. Era una presión enorme porque estaba mi chica delante, el director detrás de la cámara y la actriz en mis brazos. La besé y con el tiempo me enteré que fue una de las cosas que determinaron hiciera yo la película.
M.a.c: ¿Qué sientes cuando estás allí?
S.P.M: Todos soñamos con ser como Marlon Brando o Paul Newman, pero yo nunca me planteé que eso pudiese pasar. No soy ese tipo de actor que haya triunfado en su país y que de ahí salte al extranjero. La mayoría de los actores españoles que trabajan allí son estrellas aquí y han recibido premios y tienen trabajos muy reconocidos. Yo tenía una carrera correcta y tuve la suerte de que un director viera una foto mía.
M.a.c: ¿Es más difícil enfrentarse al personaje en otro idioma?
S.P.M: Al principio fue complicado. Recuerdo cuando entre toma y toma estaban todos hablando y yo no me enteraba de nada. Pensaba que no podría hacerlo pero ya ves… Me pusieron un coach para trabajar el acento y así me fui aprendiendo el texto sin apenas darme cuenta. Al ser cine podíamos ir trabajando a escena por día y no es como en teatro que tienes que soltar todo el texto en lo que dure la función. Evidentemente lo que no podía hacer era improvisar e incorporar otros recursos como en España.
M.a.c: ¿Te molesta que la prensa española no se haya hecho tanto eco de tu carrera americana como de la de otros actores?
S.P.M: No, porque todavía no se han estrenado ninguna de las películas que he rodado y hasta que no se estrenan las cosas, no existen. Me hicieron un reportaje en El País Semanal y poco más. También es cierto, que los actores españoles trabajen en Hollywood ya no es noticia porque estamos acostumbrados.
M.a.c: ¿Por qué crees que se critica tanto a los actores cuando se marchan a otros países?
S.P.M: Porque en muchos casos para poder luchar contra lo que queremos, que otros han conseguido y que creemos que no vamos a poder tener, lo criticamos. Es muy fácil criticar, lo difícil es luchar por lo que quieres conseguir.
M.a.c: ¿Cuándo volveremos a verte dirigiendo teatro?
S.P.M: Es una asignatura que tengo pendiente. Llevo cuatro años sin dirigir y tengo muchos proyectos sobre la mesa que espero poder retomar algún día. Una de las cosas por las que dejé de dirigir es porque este es un país que lleva muy mal la polivalencia. Parece que si eres actor no puedes dedicarte o ser bueno en otra cosa. Mi pasión está más encaminada a dirigir que a interpretar, porque no considero que sea un actor estructural y que solo pueda dedicarme a eso. Ojo, admiro muchos a los actores estructurales, porque son gente lo suficientemente humilde para dejar entrar al personaje. Son ese tipo de actores como Sean Penn, Daniel Day-Lewis, Oscar Jaenada, Eduard Fernández o Víctor Clavijo, que los ves y piensas que no pueden hacer otra cosa porque han nacido para dedicarse a esto.
M.a.c: Tengo entendido que te has vuelto a reunir con Víctor Clavijo, después de “Al salir de clase”, en una película que está pendiente de estreno (Dieciocho Comidas). ¿Cómo ha resultado la experiencia?
S.P.M: Muy buena, porque Víctor y yo nos complementamos muy bien. Somos muy distintos. Él es ordenado, trabajador, muy estructural… y yo soy más impulsivo y más caótico por lo que a mí, trabajar con él, me gusta mucho. Me pone a leer y a currar, e imagino que yo le aporto más frescura e improvisación para romperle los esquemas. Hacemos un buen equipo.
M.a.c: ¿Te arrepientes de algunos de tus trabajos?
S.P.M: No, porque pienso que he tenido suerte en ese sentido. Siempre trato de mirar al pasado desde el punto de vista humano y no desde el profesional, por eso todos los trabajos que he hecho me han aportado algo y han ido sumando. La etapa de “Al salir de clase”, por ejemplo,  fue muy rica porque me enseñó muchas cosas que era capaz de hacer y otras que no me resultaban tan interesantes.
M.a.c: ¿Te consideras afortunado?
S.P.M: Sí. A nivel profesional, siempre he podido vivir de esta profesión y nunca me he tenido que dedicar a otra cosa para sacar dinero. Y a nivel personal tengo a mi chica e intento rodearme de la gente que quiero.

Mira a cámara: ¿De dónde nace tu inquietud como directora?
Leticia Dolera: Surgió dentro de mí la necesidad de establecer una relación más personal y de mayor responsabilidad con el cine, de implicarme más desde otro punto de vista y contar mis propias historias. También me ha servido mucho como actriz, se aprende bastante viéndolo todo desde el otro lado, y entiendes mejor a los directores.
M.a.c: ¿Qué podemos esperar de “Lo siento, te quiero”?
L.D: Una fábula romántico-naïf de ciencia ficción. Mi deseo sería dibujar una sonrisa tierna en el espectador.
M.a.c: ¿Es difícil para una actriz tener que decidir qué compañeros van a protagonizar tu historia?
L.D: La verdad es que no. El papel de Toni lo escribí pensando en que Antonio (Barroso) lo iba a interpretar y eso me ayudó mucho. Antonio ha hecho sobre todo papeles de macarrilla, tiene un lado macarra muy gracioso, pero también posee una mezcla de ternura sombría, fragilidad y misterio muy poco comunes que le convierten en un actor muy especial. Según como le caracterices parece salido directamente de una peli de Tim Burton, eso fue un lujo para mí.
Por otra parte, para el personaje de Bárbara, no fue hasta las últimas reescrituras de guión, cuando pensé que tenía que empezar a pensar en una actriz. Entonces vi “Camino” y lo tuve clarísimo, pensé que Manuela era una actriz con mucha sensibilidad y con la luz y dulzura idóneas para el papel.
Les estoy muy agradecida por haber confiado tanto en mí desde el primer día. Sin ellos este corto no hubiera sido posible.
No quiero olvidarme tampoco de Teresa Ortega, esa mujer que representa a todas las abuelas que van por la mañana a comprar pescado y de paso a charlar con el pescadero/a. Tiene una vis cómica brutal y la clava en cada frase. Y por supuesto los niños, Georgina, Mikel, Arnau, Berta y Martí  trabajar con ellos fue un gran reto y un gran aprendizaje, son todos la caña, ninguno se quejó por las lentillas negras (que son muy grandes y las llevaron puestas todo el día).
M.a.c: ¿Ha sido una tarea complicada?
L.D: Más que complicada diría que dirigir requiere mucho muchísimo esfuerzo y trabajo, pero he disfrutado  de cada proceso creativo. Te confieso que he pasado muchos nervios porque tenía miedo de defraudar a todo el equipo, que al fin y al cabo, me estaban regalando su tiempo y su talento y quería que se sintieran orgullosos de haber estado ahí.
M.a.c: ¿Volverás a repetir?
L.D: ¡Ya lo he hecho!  He dirigido otro corto que se le titula “AóB”, una comedia que gira en torno al mundo del cine, sobre una actriz en paro que va a ver a su representante para que la ayude a tomar una decisión de vital importancia para ella.
M.a.c: ¿Eres muy cinéfila?
L.D: Sí. Me encanta ir al cine. Me hace ilusión cada vez que se apagan las luces. Me da mucha pena que cada vez sea más difícil que lleguen películas más variadas a las salas españolas. Tal y como está la ley, es imposible competir con los grandes estudios que cada vez que estrenan una peli inundan las ciudades, revistas y televisiones con sus anuncios; no cambiar eso nos perjudica, nos perdemos otras visiones, otras formas de ver el mundo que nos pueden enriquecer como personas.
M.a.c: ¿Qué es para ti un “Freaky”?
L.D: Es ser auténtico, aceptarse a uno mismo y no tener miedo a ser lo que uno es. Creo que todos somos freaks, cada uno a su manera, y descubrir tu freakismo y amarlo forma parte del camino a la felicidad.
En parte, “Lo siento te quiero” es también un canto al freakismo, a ser libre para tomar tus decisiones sin que te importe no encajar en lo que los demás esperan de ti.
M.a.c: Cómo actriz, ¿Dónde te veremos próximamente?
L.D: Voy al Festival de Cine de Málaga a presentar el corto, pero también una peli que hice hace ya un tiempo, “Circiut”. Está ambientada en el mundo de la moda y trata sobre la relación un tanto tormentosa de un fotógrafo (Vincent Martínez) y una modelo (Sophie Auster) y de cómo se encontrarán y separarán en la vida hasta que sea capaces de cerrar el círculo.
En el mes de junio empiezo a rodar una peli que se titula “De tu ventana a la mía” cuenta tres historias, de tres mujeres, en tres épocas distintas, que tienen que enfrentarse a la soledad, cada una a su manera y como puede.
M.a.c: ¿Dónde se ve el crecimiento de un actor?
L.D: Creo sinceramente que eso es algo muy difícil de medir. Los actores somos marionetas y estamos siempre en manos de otros,  empezando por el guionista, siguiendo por el director, el montador, el músico, el diseño de sonido… Todas las fases de creación de una película van a influir en el resultado final de nuestro trabajo.
Así que todos los actores tenemos interpretaciones buenas y malas, todo depende de la película en la que nos haya tocado trabajar. Sin pretender sonar muy intensa, creo que el crecimiento de un actor no se ve, lo lleva y lo siente uno mismo por dentro.
M.a.c: ¿Qué has aprendido de tus trabajos extranjeros?
Pues que en cualquier país del mundo en el que se ruede una película hay un determinado momento que no cambia y eso es cuando dicen “acción”, ahí da igual el idioma o la nacionalidad, ahí estáis tú y tus compañeros para decir unas frases que parezcan de verdad. Me gustó especialmente rodar en Francia, hay gente muy profesional que tienen mucho respeto por el trabajo del actor.
L.D: ¿Qué recuerdos tienes después de rodar con actores de la talla de Antonio Banderas o Emma Thompson?
Sobre todo su sencillez y su facilidad a la hora de trabajar. Recuerdo que durante el rodaje de “Imagining Argentina”, Emma se corto en la mano, en una escena en la que tenía que estar  en el suelo desentarrando algo.  En teoría aquel espacio tenía que estar preparado para que no hubiera cristales, ni nada cortante pero se les escapó un cristal con el que ella se cortó. Emma se comportó de un modo muy profesional, no puso malas caras y no le gritó a nadie. Hubo que cambiar la orden de rodaje del día siguiente y durante todo ese tiempo, ella estuvo buscando la manera se seguir trabajando sin que se notara el corte de su mano.
M.a.c: ¿Si volvieras a empezar dónde no te gustaría volver a caer?
L.D: No querría volver a perder la confianza en mí misma y en mi profesión.

Mira a cámara: ¿Te molesta que te etiqueten como “la nueva Lolita del cine español”?
María Valverde: La primera vez que lo escuché fue con quince años y no entendía muy bien por qué lo decían. Tenía en la cabeza la imagen de la Lolita de Kubrick y no lo asociaba ni conmigo, ni con el personaje que interpretaba en “La flaqueza del bolchevique” Recuerdo que hubo momentos que incluso llegó a molestarme, pero con los años lo he ido viendo como un adjetivo muy lindo. Hay muy pocas actrices a las que les hayan dicho esto y, a día de hoy, me lo tomo como el mejor de los piropos.
M.a.c: ¿Tienes miedo a crecer y dejar de ser esa Lolita?
M.V: Me asustan las obligaciones que conlleva crecer.  No me da miedo hacerme mayor porque pienso que envejecer es maravilloso. Lo que sí me asusta un poco es la incertidumbre de no saber cómo va a ser y si voy a llevar mi vida por el camino que me gustaría con todos los cambios, gozos y problemas que supone madurar.
M.a.c: ¿Te has sentido juzgada por aquellos que piensan que por empezar tan joven no te lo has currado lo suficiente?
M.V: Nunca me he sentido juzgada. Creo que los compañeros de la profesión me respetan bastante. En mi familia nadie tiene que ver con el mundo del cine o el teatro y el hecho de que esté aquí es pura casualidad. Yo amaba esta profesión pero era mi hobbie y gracias a un golpe de suerte pude hacer mi primera película. Imagino que habrá gente que no le guste mi trabajo o que piense que por empezar tan joven me merezco menos que otros actores. No se puede trabajar al gusto de todos. Creo que sigo aquí porque he arriesgado, he tomado algunas decisiones acertadas, he sido valiente siendo muy joven… y eso no me lo quita nadie.
M.a.c: ¿El Goya pesa?
M.V: Sobre todo, cuando es tu primera película, has trabajado con grandes profesionales, todos te regalan el oído y te premian. Eso desestabiliza muchísimo porque te lo acabas creyendo y piensas que siempre va a ser así. No todo es empezar, lo duro es mantenerse. Estoy muy agradecida por ese premio. Me ha dado trabajo, reconocimiento y cierta fama, pero mantengo los pies en la tierra.
M.a.c: ¿La televisión es una asignatura pendiente en tu carrera?
M.V: Es una asignatura pendiente, pero es que tampoco he tenido muchas ofertas en este medio. Me han hablado de muchos proyectos, pero solo me han llamado una vez para hacer un personaje y fue hace muy poco. No lo pude hacer porque estaba rodando una película pero me hubiese encantado. No sé si por haber hecho tanto cine se piensan que soy más inaccesible, pero nadie me ha preguntado si me interesa hacer televisión.
M.a.c: ¿Te gustaría obtener el reconocimiento mediático que te da la televisión?
M.V: No me interesa demasiado. Lo he visto en amigos y me parece muy duro de llevar. Adoro viajar en metro, pasear por la calle sin que nadie me moleste y hacer muchas otras cosas que no podría si todos me conocieran. No sé como lo llevaría si me ocurriera esto, pero imagino que no muy bien.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas la primera vez que te subiste a las tablas?
M.V: Fue un vértigo tremendo. Disfrutaba mucho con las clases de teatro, pero cuando lo hice a nivel profesional fue totalmente distinto. Tenía la presión de mi nombre detrás y eso no me dejaba disfrutar. Recuerdo que con la primera obra que hice tuve pesadillas durante dos meses pensando que tenía que volver a repetir todo desde el principio porque a la gente no le gustaba. Cuando después hice “Llueve en Barcelona” fue completamente distinto. Estaba más confiada, me relajé y disfruté muchísimo.
M.a.c: ¿Eres una actriz vulnerable?
M.V: Mucho, aunque también dicen que soy bastante moldeable. Siempre necesito tener cerca al director porque es mi gran apoyo, incluso, antes que mis compañeros. El director es el que mueve la batuta y crea la relación que tienen  los actores. Por eso, es importante confiar en él. Hay algunos directores que no les gusta trabajar con los actores y eso muy duro, porque te obliga a hacer un trabajo personal muy fuerte y a engancharte donde puedas. Tenemos que trabajar lo mejor que sepamos y no pararnos a pensar que lo estamos haciendo mal. Si es así, confía, porque ya te lo dirá el director.
M.a.c: ¿Cómo llevas las horas muertas de los rodajes?
M.V: Bastante bien, porque me distraigo muy fácilmente y me gusta perder el tiempo. Si son grandes espacios de tiempo me llevo un libro para leer un rato o me voy a hablar con los técnicos. Por suerte, tengo mucha facilidad para concentrarme y cuando escucho la palabra “acción” ya estoy lista para empezar. Me gusta llegar con los deberes hechos para que en el rodaje pueda estar relajada y no tener que pensar en nada.
M.a.c: ¿Alguna vez has sentido envidia de tus amigas porque llevan una vida más normal?
M.V: Sí, un poco. Sé que me he perdido muchas cosas propias de una chica de mi edad, he asumido muchas responsabilidades y algunos tempos han ido muy deprisa, pero también he sido yo la que he querido que eso fuera así. Siempre me ha gustado arriesgarme, jugármela y, si no queda otra, morir en el intento. Gracias a esta profesión he vivido cosas que sé que no hubiera vivido dedicándome a otra cosa y eso no lo cambio por nada.
M.a.c: Tengo entendido que “La Mula” la ha terminado otro director. ¿Es complicado ser dirigido por dos directores en un mismo proyecto?
M.V: Yo solo rodé con Michael Radford y, para mí, él ha sido mi director. Yo no viví esa pesadilla, pero imagino que ha tenido que ser muy duro. Es muy doloroso cuando estás en medio de una guerra, pero todos los actores hemos estado muy unidos y eso ha sido muy bonito.
M.a.c: ¿Qué ocurre cuando los sueños se hacen realidad?
M.V: Que quieres más.

Mira a cámara: Empezaste muy joven en esta profesión…
Ciro Miró: Tomé la decisión de ser actor cuando tenía nueve años. A los catorce comencé a estudiar arte dramático e hice mi primera película con dieciséis. La película se titulaba “Fotos” y pensaba que después de este trabajo y de compartir reparto con Gustavo Salmerón, María Asquerino, Amparo Muñoz, Micky Molina o Simón Andreu todo iba a ser más fácil. Así que me vine a Madrid a seguir formándome y a trabajar. Ahora tengo treinta y tres años y aquí sigo luchando. Paso a paso, haciendo trabajos más grandes y otros más pequeños.
M.a.c: ¿Crees que fue una decisión acertada?
C.M: Sí. Pienso que mientras más salgas, vivas en sitios distintos y conozcas más cosas, serás mucho más rico como persona y como actor. Lo de quedarme en un sitio estancado es algo que nunca ha ido conmigo.
M.a.c: ¿Qué es para ti el arte?
C.M: Una forma de expresarme. Mi abuelo solía decir “hace tiempo que el arte murió” y, en cierto modo, estoy de acuerdo con él. Ya todo está inventado y eso se puede comprobar en la música, en la pintura e incluso se puede ver en las interpretaciones de muchos actores.
M.a.c: ¿Crees que la prensa puede ser un buen aliado para el actor?
C.M: Es un arma de doble filo, porque puede ser un gran aliado que te ayude a subir o un enemigo que acabe con tu carrera. Siempre he pensado que el que la sigue la consigue y, al final, el tiempo nos pone a todos en nuestro sitio. Hay muchos actores que llevan años trabajando, recibiendo muchas críticas y un día hacen un trabajo donde demuestra su valía y calla todas las malas críticas.
M.a.c: ¿Alguna vez has pensado que puede que nunca te vuelvan a llamar?
C.M: Por suerte, aún no he pasado ese vértigo. En ese sentido tengo que ser muy optimista porque siempre que estoy realizando un trabajo pienso que después va a venir otro. Creo que el trabajo llama al trabajo y todos cuando hacemos algo tenemos la esperanza de que guste para vengan otras ofertas.
M.a.c: ¿Podrías vivir alejado de las cámaras y focos?
C.M: De las cámaras de la prensa, sí. De las cámaras de cine me sería imposible. Ojalá pudiera…
M.a.c: ¿Eres seguidor de entregas de premios como los Goya o los Oscars?
C.M: Suelo verlo por curiosidad, por ver que pasa en el mundo y estar un poco al día. Pero no soy de hacer porras con los amigos para ver quién gana y cosas así.
M.a.c: ¿Te gustaría llegar a recibir alguno de estos premios?
C.M: A todo el mundo le gusta ser premiado, pero no es algo que me quite el sueño. Cuando era pequeño solía pensar más en esas cosas, ahora sé que no se puede empezar la casa por el tejado y prefiero pensar en el proceso sin preocuparme por el resultado.
M.a.c: Te has formado en esgrima, hípica, canto… ¿Son necesarias estas cosas para ser actor es por capricho tuyo?
C.M: Creo que es importante tener una buena formación. Soy muy exigente conmigo mismo y con mi trabajo. Nunca me han llovido las ofertas, me he tenido que currar los trabajos y eso solo se puede hacer estando bien preparado. Cuando empecé con “La conjura del Escorial” empecé a dar clases de esgrima porque el personaje lo requería. Me enganché a ese deporte y acabé sacándome el título de profesor de esgrima. Hablar idiomas es algo que también me ha abierto muchas puertas.
M.a.c: En “La conjura del Escorial” trabajaste con el amplio elenco de actores extranjeros. ¿Qué aprendiste de su forma de trabajar?
C.M: Tanto Julia Ormond, como Jurgen Prochnow o Jason Isaacs eran actores que venían a trabajar y no a hacer amigos. Estaban en todo momento colocados en sus marcas, no querían dobles de luces, eran muy disciplinados y serios en el trabajo. No coincidí en muchas secuencias con Julia pero me dejó asombrado lo señora que fue en todo momento, lo entusiasmada que estaba con su personaje y su manera de implicarse en el proyecto.
M.a.c: ¿Guardas alguna anécdota de ella?
C.M: Por contarte alguna, te podría decir que el último día de rodaje organizó una cena en el hotel donde se alojaba para despedirse de algunos compañeros. Fue muy atenta y muy cercana con todos nosotros. Como una más.
M.a.c: ¿Has rezado para conseguir un papel?
C.M: He rezado, me he llevado todos los amuletos que he encontrado a las pruebas, he intentado meditar para relajarme, he puesto vinagre debajo de la cama… lo he hecho todo y nunca ha funcionado (risas)
M.a.c: ¿Qué es lo que nunca debe hacer un actor?
C.M: Llegar sin saberse el texto. Si te sabes el texto de una forma tan mecánica que no tienes ni que pensar, gran parte de tu trabajo ya está solucionado con eso, porque luego lo puedes jugar mucho más  y estar más pendiente de tu compañero. Cuando vas sin saberte el texto estás más pendiente de lo que tienes que decir que de las pautas que te da el director o del trabajo que estás haciendo con los compañeros.
M.a.c: ¿Qué le dirías a un director de casting si lo tuvieras delante?
C.M: Que miren, que juzguen y que mucha suerte con lo que encuentren.

Mira a cámara: Para documentarme sobre ti, he sacado mucha información de internet ¿Tú sueles buscarte en este medio?
Tony Bernetti: Supongo que como casi todos, para saciar mi ego, me gusta leer lo que dice el público sobre mí. Donde no suelo entrar es en los foros o a leer críticas.
M.a.c: ¿Qué opinión te provoca cuando te ves?
T.B: Me encanta verme y leer las entrevistas que me hacen, porque si se trata de hablar de mí, nadie me conoce mejor que yo. Creo que soy un buen crítico conmigo mismo.
M.a.c: Eres actor, cantante y bailarín…
T.B: Mi formación como bailarín es más escasa pero tengo facilidad para aprender y no tengo problema para coger pasos o adaptarme a varios estilos. Estoy formado en las tres disciplinas de las artes escénicas porque creo que es importante que un actor pueda defender cualquier papel.
M.a.c: ¿Te gustaría llegar a grabar un disco?
T.B: Sí, por qué no. Lo que ocurre es que en España no existe un tipo de música como la que me suele gustar. Me siento más atraído por la música de algunos artistas extranjeros como Michael Buble.
M.a.c: ¿Es difícil componer un personaje desde la técnica teatral en un musical?
T.B: Es muy complicado porque el musical tiene un lenguaje distinto en el que todo parte de la sobreactuación y la caricatura. No te permite profundizar en exceso en un personaje porque te despistas con la música y otros elementos de este género.
M.a.c: ¿Crees que en España se valora lo suficiente a los actores que trabajan en musicales?
T.B: En ese sentido, creo que estamos condenados a permanecer en un plano más secundario, aunque el esfuerzo y la energía que requiere estar en un musical sea mayor. Hay muchísimos artistas como Víctor Ullate Roche, Natalia Millán o Ignacio Vidal que llevan años trabajando en musicales y la gente solo los conoce cuando hacen cine o televisión. Esa gente hace un trabajo impresionante y desgraciadamente no están valorados como se merecen.
M.a.c: ¿A ti te ocurrió esto cuando protagonizaste “Un golpe de suerte”?
T.B: Yo lo notaba en la gente que me esperaba a la salida del teatro, que me reconocían de la tele. Lo único que cambió en mi trabajo fue que me subieron el sueldo y me ofrecieron un personaje titular, pero siempre intenté hacerlo lo mejor que pude como si fuera el protagonista.
M.a.c: ¿Fue un autentico “Golpe de suerte”?
T.B: La televisión me abrió muchas puertas porque conocí a mucha gente y adquirí cierta fama como actor. La serie no estaba mal, pero le faltaba un toque de misterio, para mi gusto, porque desde el comienzo era fácil intuir lo que iba a ocurrir con la trama principal. Los guiones estaban bien, las localizaciones eran maravillosas, teníamos bastante presupuesto pero… no funcionó. A veces es inevitable comparar las series españolas con otras que vienen de fuera como “Lost” o “Héroes” y lo cierto es que no hay color, porque en cada uno de los capítulos de estas producciones pasan mil cosas.
M.a.c: ¿Se te quedó alguna asignatura pendiente?
T.B: Me habría gustado tener más tiempo para poder profundizar mejor en el personaje. Todo iba muy deprisa y solo tuve tiempo para ver algunas películas de mis actores favoritos- James Dean y Marlon Brando- para trabajar la rebeldía que tenía mi personaje.
M.a.c: ¿Qué aprendiste de trabajar en una serie diaria?
T.B: Muchísimas cosas. Estaba acostumbrado a hacer teatro y tuve que hacer un gran esfuerzo para controlarme delante de la cámara. Aprendí de compañeros a los que admiro mucho como Toni Cantó o Aníbal Soto, con el que no tenía una relación especialmente buena pero que respetaba mucho por el trabajo tan bueno que realizaba.
M.a.c: Eres canario. Creo recordar que te quitaste el acento para la serie…
T.B: Había estudiado doblaje y eso me ayudó bastante. Me lo curré mucho leyendo los guiones una y otra vez, en voz alta para trabajar el acento. La voz es un instrumento más con el que el actor trabaja y una característica del personaje que hay que tener en cuenta para preparar el personaje. Si te encuentras con un personaje catalán, gallego o andaluz, ayuda si lo compones desde el acento.
M.a.c: A raíz de “Un golpe de suerte” se te ha catalogado como un sex symbol. ¿Te identificas con esta etiqueta?
T.B: Las etiquetas son algo que siempre han existido, pero también es cierto que pesan lo que tú quieres que pesen. Prefiero darle la menor importancia a este tipo de cosas porque corres el riesgo de endiosarte y eso dura lo que dure la emisión de una serie. Prefiero que se me valore como actor y no como sex symbol porque es muy efímero, y como opinar es gratis, el día que mi cuerpo cambie o empiece a envejecer, estaré expuesto a todas las críticas e imagino que no tiene que ser muy agradable.

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(FOTO: Erika Gasparini)

Mira a cámara: Se podría decir que éste, está siendo un año de cine para ti. ¿Cómo lo estás viviendo?
Marta Solaz: Con mucha ilusión, porque había hecho teatro y televisión, y el cine era como asignatura pendiente. Han sido papeles secundarios, pero estoy contenta, porque parece que a la gente le han gustado.
M.a.c: Han sido tres películas en un año (Trash, After y Propios y extraños) ¿Fue duro compaginar?
M.S: No llegaron a coincidir, pero fue curioso, porque en “Trash” interpretaba a una mujer embarazada, feliz con su matrimonio, que no ve que su marido no tiene las mismas necesidades que ella, y en “After” era como el mismo personaje pero tres años después. Ha sido una experiencia muy buena, sobre todo, porque he podido trabajar con varios directores y he conocido algo más del circuito de festivales de cine.
M.a.c: Una de las que más repercusión ha tenido ha sido “Afer”. ¿Cómo preparaste ese personaje?
M.S: No buscando un resultado y disfrutando de lo que ocurría en el momento. Confié y trabajé la escucha hacia mi compañero, Tristán Ulloa. Tuvimos muchos ensayos en los que pude trabajar con el equipo y el director, y eso me ayudó bastante.
M.a.c: ¿Has cambiado tu manera de trabajar desde que comenzaste hasta ahora?
M.S: Siempre he tirado de la intuición para preparar un personaje. Sigo apoyándome en ella pero, desde hace algunos años, incorporo mucho de lo que he aprendido de mis clases con Juan Carlos Corazza.
M.a.c: ¿Qué opinas de las críticas?
M.S: No me suelo quedar ni con lo bueno, ni con lo malo. Lo que más valoro es que me sirva de algo y me ayude a reflexionar para crecer como actriz.
M.a.c: ¿Crees que ésta es una profesión sin memoria?
M.S: Sí, pero no nos queda otra que mantenernos ahí y recordar que existimos. Aunque también pienso que tenemos que ser una generación con iniciativa y no estar siempre esperando a que te llamen. Si no llegan los proyectos, hay que crearlos y hacer cosas creativas que nos motiven a seguir adelante.
M.a.c: Tengo entendido que también tienes un grupo de música. ¿Cómo surgió esta iniciativa?
M.S: Cuando conocí a Raúl Monzón, un compositor de música fantástico. Comenzamos a ensayar sin ninguna pretensión más que la de pasárnoslo bien y disfrutar mucho con la música. Vamos haciendo nuestros conciertos y grabando maquetas. Hacemos un buen equipo…
M.a.c: ¿Pones más corazón en la música o en la interpretación?
M.S: Es una pregunta difícil. Intento poner el corazón en todo lo hago, pero es cierto que tengo más ambición con la interpretación.
M.a.c: ¿Qué haces antes de salir al escenario o escuchar acción?
M.S: Respiro y confío en mi.
M.a.c: Hay muchos actores inquietos, ¿A ti también te pasa esto?
M.S: Por desgracia, sí. Me suele pasar cuando estoy en la cama, queriendo dormir, y empiezan a venirme ideas a la cabeza. Me mueve mucho la pasión, la ilusión y el entusiasmo. No creo que pudiese estar trabajando en algo que no me ilusione… no podría.
M.a.c: ¿Eres amiga de tus amigos?
M.S: Siempre he pensado que soy una gran privilegiada por tener los amigos que tengo y por eso intento no fallarles. Creo que no hay nada mejor que estar rodeada de la gente que te quiere y poder compartir tu vida con tus amigos.
M.a.c: ¿Es importante para ti adquirir cierto reconocimiento?
M.S: Es algo de lo que intento huir, porque hace años me movía bastante y me causó mucha ansiedad e inseguridad. Lo único que consigues con eso es valorarte en función de lo que te valoren los demás y no creo que eso se real, ni sano. Imagino que aún queda algo de eso, soy consciente y cuando tengo ese sentimiento procuro suavizarlo.
M.a.c: Dicen que eres pura elegancia ¿Crees que es un buen término para definirte?
M.S: No sé cómo me verán los demás. Es bonito escuchar algo así, pero lo cierto es que soy muy patosa (risas)
M.a.c: Cuando te pierdes… ¿Dónde te encuentras?
M.S: Pienso que no es tan importante encontrarse como avanzar por un buen camino. Dicen que se hace camino al andar, y yo estoy completamente de acuerdo. Para mí son más interesantes las cosas que encuentro en el camino o lo que me ha motivado para ponerme en marcha, que llegar a algún sitio.

Mira a cámara: Dicen que el trabajo de un actor es personal pero el resultado es público…
Nacho López: Ésa podría ser una buena definición. Nuestro trabajo tiene que ser personal y compartido con el director y con los compañeros, porque no hay que olvidar que tanto en teatro, en cine o en televisión, nunca estamos solos. Dependemos de un equipo artístico y técnico y sin ellos, el público no podría vernos.
M.a.c: ¿Son más difíciles los personajes episódicos o los fijos?
N.L: Los episódicos son un poco más dolorosos porque tienes que estar más pendiente de coger el tono de la serie y encajar en el ritmo que lleva, que de tu interpretación. Es duro porque tus compañeros ya llevan un tiempo trabajando juntos y desarrollando sus personajes, se conocen y tienen una relación que es muy difícil de crear si solo vas a grabar dos días. Solo había hecho un episódico antes de entrar en Al salir de clase y cuando, dos años después, ésta acabó, me costó enfrentarme a ellos.
M.a.c: ¿Alguna vez has grabado un episódico con la idea de llegar a convertirte en un fijo?
N.L: No. Yo sé para lo que me han contratado y desempeño ese trabajo lo mejor que sé. Si luego tienes suerte, porque tu personaje gusta, y sigues en la serie pues mejor, pero no es algo que me plantee a priori.
M.a.c: Se dice que ésta es una carrera de fondo. ¿Tú qué opinas?
N.L: En mi caso, espero que sea una carrera de fondo y no quedarme sin aliento porque quiero dedicarme a esto toda vida. Es una carrera donde hay muchas alegrías y muchas decepciones pero, a día de hoy, a mi me compensan más las alegrías. Llevo ya algunos años en esta profesión… He hecho algunos trabajos pequeños y otros más grandes. Lo más importante es seguir ahí y hacerte tu camino, poco a poco.
M.a.c: ¿Y cuando no tienes proyectos a la vista?
N.L: Hay que buscarlos o tenemos que crearlos nosotros mismos. He tenido temporadas mejores y otras peores, pero afortunadamente desde que me vine a Madrid y comencé en esta profesión he podido vivir de esto.
M.a.c: ¿Eres inquieto?
N.L: Mucho.
M.a.c: ¿Es más importante confiar en uno mismo o que los demás confíen en ti?
N.L: Las dos son muy importantes. En ambos casos, la confianza se va ganando conforme vas trabajando y te vas demostrando a ti, y a otros, lo que eres capaz de hacer.
M.a.c: ¿Qué esperabas conseguir cuando te viniste a Madrid?
N.L: Dedicarme a ésta profesión. Cuando llegué no tenía nada, vivía en una pensión y no conocía a nadie. Por suerte, poco a poco, fueron saliendo las cosas. Si hace diez años me hubieran dicho que ahora estaría aquí… firmaría sin pensármelo dos veces.
M.a.c: ¿Y dónde te ves en los próximos diez años?
N.L: Ojalá que en los próximos años me vaya, por lo menos, como hasta ahora. No tengo grandes pretensiones ni pienso en llegar a Hollywood. Me conformo conque sigan llegando nuevos personajes e historias que me aporten cosas, como persona y como actor. No puedo ser más afortunado, me dedico a lo que más me gusta.
M.a.c: Tu gran oportunidad llegó con Al salir de clase. ¿Cómo viviste ese momento?
N.L: Tuve bastante suerte porque me cogieron para Al salir… a los cinco meses de llegar a Madrid. Entré con una promoción de cinco o seis actores que aterrizábamos nuevos en la serie que ya era un éxito y tenía muchos seguidores. Recuerdo el primer día que llegue al set, me encontré con Mariano Alameda y me dijo “Ya verás lo que es esto, te va a cambiar la vida” En aquel momento pensé que no tenía razón y que era algo que solo le podía pasar al él porque era el protagonista. El tiempo ha demostrado que él tenía razón porque, efectivamente, me cambió la vida.
M.a.c: ¿Te ha pesado la etiqueta de Al salir de clase?
N.L: Es que en aquel momento no estaba muy bien vista en la profesión. Lo veían sólo como una serie para adolescentes, pero los que estábamos ahí, éramos actores que habíamos estudiado nuestra carrera y soñábamos con dedicarnos a esto. A pesar de ser una serie diría que nos obligaba a ir muy rápido y de nuestra juventud, creo que era un producto muy digno. Con el paso del tiempo todo el mundo ha reconocido el esfuerzo y la dedicación que poníamos todos los que trabajábamos ahí. Siempre me he sentido muy orgulloso de mi etapa en Al salir de clase y creo que es una parte muy importante de la televisión española.
M.a.c: Tengo entendido que has escrito algún guión… ¿Te atreverías a interpretar algo escrito por ti?
N.L: Nunca me lo había planteado, pero puede ser. Lo bueno de ser el autor es que tienes muy claro como son los personajes. Imagino que si fuera a interpretarlo, ya partiría de una base, no tendría que investigar tanto y conocería a fondo todas las motivaciones del personaje porque las he creado yo. Pero tengo más curiosidad por ver a otros actores interpretando personajes escritos por mí, para ver que lectura sacan y como los defienden.
M.a.c: ¿Qué te ha mantenido en esta profesión?
N.L: Mi empeño en seguir formándome como actor, todo lo que he aprendido de mis compañeros y no dejar de confiar en mí. Hay que seguir aprendiendo, reciclarse, hacer cursos y prepararse para seguir creciendo como actor y poder afrontar personajes más complejos.

Mira a cámara: ¿Por qué crees que dicen que ésta es una profesión de locos?
Álex Brahona: Porque es un oficio en el que estás continuamente jugando con tus sentimientos y eso ya provoca un punto de locura. Cuando estás sobre un escenario o en un plató vives unas experiencias que te trasportan a otro mundo y no las olvidas nunca aunque se baje el telón.
M.a.c: ¿Te asustan más las tablas o la cámara?
A.B: A mí me asusta todo. Siempre que empiezo un proyecto pienso que no voy a poder hacerlo. Más adelante, con los ensayos, empiezo a coger confianza y veo la cosas de un modo más optimista. La cámara te permite tener un margen de maniobra más amplio y según que estés haciendo, no requiere una excesiva concentración. Sin embargo en el teatro tienes que estar continuamente alerta y todo lo que sucede a tu alrededor influye en tu trabajo.
M.a.c: ¿Fuiste al teatro para demostrar que te merecías un sitio en la profesión o era una necesidad que tenías como actor?
A.B: En ningún momento quise reivindicar nada, fue un reto personal. Supongo que necesitaba saber y sentir lo que era estar encima de un escenario para averiguar en donde me estaba metiendo. Me apetecía trabajar un personaje con mucho tiempo, hacer un trabajo muy minucioso y ponerlo en pie para ver qué pasaba. La primera obra que hice fue Yepeto y lo pasé muy mal al principio, porque creo que estaba un poco por encima de las posibilidades que en aquel momento tenía como actor.
M.a.c: En aquella obra hacías un desnudo integral ¿Existe algo más duro para un actor?
A.B: Sí, desnudar el alma y exponer tus sentimientos. No soy nada pudoroso, pero recuerdo que cuando encaré Yepeto, al principio, no me apetecía hacerlo. En el momento en que empecé a construir el personaje, vi la necesidad de hacer esa escena. Me costó más llegar a ese punto que el hecho de desnudarme.
M.a.c: De todas las críticas que te hicieron… ¿Cuál es la que más te dolió?
A.B: Al principio me afectaba mucho este tipo de cosas, pero hace muchos años que dejé de preocuparme, porque pienso que es imposible que le gustes a todo el mundo. Cuando te embarcas en un proyecto tienes que confiar en un equipo, en unos compañeros y en un director. Da igual lo que te digan, nadie mejor que uno mismo sabe lo que ha hecho y cuál ha sido el resultado.
M.a.c: ¿Qué tal llevas el éxito y la fama?
A.B: Por ahora no he tenido la oportunidad de hacer un protagonista para que todas las miradas caigan sobre mí. Pienso que no hay que ser conformistas, hacer lo que a uno le gusta, lo mejor que sepa, y si la fama te llega, saber llevarla.
M.a.c: ¿Te ha sido más fácil entrar en la profesión por tener una belleza física?
A.B: Es cierto que en los primeros trabajos sabes el tipo de personaje que vas a hacer y a lo que entras. Conforme van pasando los años, te vas involucrando en la profesión, maduras como actor y eres consciente de que la belleza física es algo muy efímero que tiene los días contados. Por eso, hay que prepararse, seguir adelante con tu trabajo e ir cada vez más allá. Tener un cierto atractivo te beneficia para algunos papeles, pero cuando tienes más ambición y quieres optar a otro tipo de personajes te puede llegar a perjudicar, porque hay mucha gente que no mira más allá de un físico.
M.a.c: ¿Eres un actor vocacional?
A.B: Nunca he sido vocacional en nada de lo que he hecho. Estudié química porque mi mejor amigo presentó la solicitud y como no me atraía ninguna otra carrera me metí con él. Entré en una agencia de publicidad para ganar algo de dinero, sin saber a dónde me iba a llevar ni lo que supondría para mí. Poco a poco y gracias a los trabajos que he hecho, he entrado en un mundo que me gusta, donde soy feliz y donde, por primera vez, siento que debo de estar. Nunca busqué nada y me llegó por casualidad. Sólo espero que las ganas e ilusión que estoy poniendo en esta profesión perduren en el tiempo.
M.a.c: ¿Qué tipo de carrera te gustaría llegar a tener?
A.B: Cuando pienso en referentes nunca sé si fijarme en aquellos que han tenido una carrera muy sonada o en la de otros que han hecho menos ruido pero que siempre han estado ahí con personajes pequeños y muy bien desarrollados. Me gustan los actores que van evolucionando y que afrontan nuevos retos en cada trabajo. Para mí, la ambición no es tener más éxito, sino crecer y mejorar cada día.
M.a.c: ¿Te gusta conceder entrevistas?
A.B: No me suele importar. Ésta está siendo bastante diferente, pero por norma general suelen ser bastante parecidas y, al final, todo acaba siendo siempre lo mismo. También pienso que la prensa es una manera de estar en contacto con el público y ya sabemos que el actor se debe al público.
M.a.c: ¿Cómo valoras el paso del tiempo?
A.B: Lo noto cuando veo a mis compañeros de la serie que son mucho más jóvenes y no se lo plantean tanto, pero conforme te vas haciendo mayor y tienes más campo de visión para ver la parrilla… te das cuenta de que cada vez hay menos papeles. La vida del actor es tan larga como uno quiera, o le permitan, porque siempre podrás interpretar aunque no seas el protagonista de una película de éxito.

Mira a cámara: Si yo te digo que ésta es una profesión injusta, tú me respondes…
Alejandro Cano: Que estoy totalmente de acuerdo contigo. Aunque soy de los que piensan que el que la sigue, la consigue. Hay que tener claro que actor eres, en que punto de tu carrera te encuentras, no compararte con otros y aceptar que no todo el mundo puede estar arriba.
M.a.c: Acabamos de verte en Vaya Tropa. ¿Ha sido muy duro enfrentarte a un programa diario?
A.C: Sí, porque el ritmo de trabajo es agotador. Cuando todo va tan rápido tienes que aprender a aceptar que habrá veces que los guiones no estén cuando tienen que estar, que las órdenes de trabajo cambian a cada instante, aprender a trabajar con varias unidades… Ha sido un trabajo muy duro pero muy gratificante, porque todo esto te da mucha disciplina y consigues resolver situaciones complicadas con más facilidad.
M.a.c: ¿Tienes algún tipo de ritual antes de empezar a grabar?
A.C: No me gusta que me hablen, trato de estar concentrado y de relajarme, siempre que el entorno me lo permita. Los tiempos de relajación que enseñan en las escuelas para practicar antes de grabar, son imposibles de llevar a cabo en un rodaje. En el trabajo hay que estar listo a la voz de “acción” y ahí, cada uno, tiene que prepararse como pueda.
M.a.c: ¿Te costó encontrar tu propio método de trabajo?
A.C: No. Puede que sea porque, siempre, me he visto como un actor muy intuitivo. Me da mucha envidia cuando veo los guiones de algunos compañeros, que están llenos de anotaciones. Los míos están como si me los acabaran de dar y no me los hubiera estudiado. Aunque no me guste escribir apuntes, hago un trabajo previo de precisión que se queda en mi cabeza y que, más adelante, incorporo al personaje. Tampoco suelo estructurar mucho las cosas, porque pienso que, si haces eso, luego no dejas espacio para que nazcan cosas en el momento.
M.a.c: ¿Un reto como actor?
A.C: Vivir de esta profesión toda la vida y ganarme el respeto de mis compañeros.
M.a.c: Cuándo ves el trabajo de algún compañero… ¿Eres sincero con tu crítica?
A.C: Si me la piden, sí. Suelo ser bastante sincero, valorando el momento y el modo de decir las cosas. Creo que estamos demasiado acostumbrados a que nos adoren y, en ocasiones, una crítica desde la sinceridad y la honestidad, no viene nada mal.
M.a.c: ¿En alguna ocasión, has pensado que tu carrera daría un giro importante y luego no fue así?
A.C: Claro que sí. Cuando con veintitrés años vienes de hacer una serie y te dan un protagonista en cine, crees que tu carrera va a ser siempre así. El tiempo te enseña que, en esta profesión, las cosas funcionan de un modo distinto y que ésta, es una carrera de fondo.
M.a.c: ¿Eres muy cinéfilo?
A.C: Mucho, sobre todo me gusta el momento en el que se establece un diálogo entre el espectador y la película. Estamos muy acostumbrados a la industria americana y desgraciadamente, este diálogo, en este tipo de cine, no se da. Por eso, hay que abrir los ojos a nuevas películas que llegan de otros países. No logro entender como hay actores que nunca, o casi nunca, van al cine. Es difícil olvidar la primera vez que vi películas como Casablanca o Une couple parfait de Nobuhiro Suwa.
M.a.c: ¿Trabajas para vivir o vives para trabajar?
A.C: Desde que tengo uso de razón he estado encima de un escenario. Cuando, siendo un adolescente, me formé y comencé a dedicarme profesionalmente a esto, lo hice por amor. Es cierto que con los años vas madurando y tienes unas necesidades, facturas que pagar… Hay que estar  muy enamorado o no te dedicas a ello, porque los que lo miran desde fuera no se pueden hacer una idea de lo dura que es esta profesión.
M.a.c: ¿Podrías decirme cuales han sido los tres momentos más emocionantes de tu carrera?
A.C: El primero: cuando me dieron mi primer episódico en Médico de familia. El segundo: vivía en Barcelona, pensando que no volvería a trabajar, y me llamó Pep Armengol para hacer el casting de La línea recta. Durante la prueba me comunicó que el papel era mío y me puse a llorar ahí mismo. Y el tercero: cuando me seleccionaron para entrar en el Talent Campus de la Berlinale.
M.a.c: ¿Te has planteado tirar la toalla?
A.C: Muchas veces. Yo tengo una carrera muy irregular. He hecho desde protagonistas en cine o Televisión, a un personaje de reparto con dos frases. Ha habido momentos de parón durísimos en los que me he planteado dejarlo todo, pero sólo me lo he planteado. De algún modo, es sano pararse y plantearse las cosas porque te reafirma en lo quieres y en lo que no.
M.a.c: ¿Quiénes son los que más valoran tu trabajo?
A.C: Mi madre y mi amigo Jaime Palacios, porque los demás ven un resultado, pero ellos son los únicos que saben todo el trabajo y el esfuerzo que pongo para conseguir levantarlo. Ellos son los que más han aguantado mis lágrimas, la incertidumbre y lo que me ha costado seguir luchando por dedicarme a esta profesión.
M.a.c: ¿Fue más duro llegar o mantenerse?
A.C: Es que no considero que haya llegado a ningún sitio, por eso, tampoco me he tenido que mantener en nada. He trabajado en muchos proyectos, pero cada vez que empiezo algo nuevo, siento que empiezo de cero. Lo único que siempre he tratado, es de mantener viva mi presencia dentro de la profesión.

Mira a cámara: Viniendo de una familia tan ligada al mundo el espectáculo, es difícil querer dedicarse a otra cosa, ¿no?
Darío Paso: De niño tenía muy claro que quería ser dibujante o director de cine, porque es algo que veía en casa como muy normal. A los once años, mi profesor de arte dramático del colegio me propuso para un corto y durante el rodaje de éste, me empecé a enamorar de esta profesión.
M.a.c: Con los años has retomado ese sueño de dirigir…
D.P: Mi gran pasión siempre ha sido el cine y ponerme detrás de la cámara. En la adolescencia empecé a dirigir cortos amateurs y, poco a poco, he ido aprendiendo y haciendo otros más profesionales. Esto no quiere decir que vaya a dejar de lado mi carrera como actor. Me gustaría compaginar estas dos facetas, al igual que han hecho Peter Mulan o Icíar Bollaín. Reconozco que disfruto mucho actuando pero me llena más la dirección. Soy bastante creativo y muy inquieto, por eso hay veces que no me basta con interpretar.
M.a.c: ¿Protagonizarías algunos de tus trabajos como director?
D.P: Creo que es una idea que nos tienta a muchos actores cuando nos ponemos a dirigir. No he salido en mis cortos porque pienso que es algo que solo pueden hacer Kenneth Branagh, Orson Welles y pocos más. Es muy difícil auto dirigirse, porque estás dividido y no te puedes centrar en algo concreto para trabajar.
M.a.c: ¿Eres muy crítico con tu trabajo?
D.P: Intento ser lo más objetivo posible, pero soy una persona que no deja la cabeza quieta ni un segundo y esto se extrapola a la profesión. Me juzgo bastante y soy muy inseguro, en la vida y en el trabajo.
M.a.c: En 55, tu último corto, has dirigido a tu madre. ¿Cómo ha sido trabajar con la familia?
D.P: Ya había trabajado con mi padre, César Sánchez, en unos capítulos de una serie. No deja de ser una experiencia muy bonita pero muy rara, porque son tus padres y es difícil desconectar en ese sentido. Mi madre, Rocío Paso, es una excelente actriz que llevaba muchos años retirada. Hacía tiempo que quería reavivarle la ilusión por su carrera, encontré una temática cercana a nuestra historia familiar y le propuse interpretarla porque no había nadie mejor que ella para hacerlo.
M.a.c: ¿Te costó convencerla?
D.P: Sí, porque al llevar tantos años fuera de la profesión, tenía mucho miedo a hacer una interpretación que resultara pasada y antigua. Como le pasó a muchas actrices, mi madre empezó a tener hijos, se dedicó por completo a su familia y se retiró. Pero cuando eres un buen actor, da igual el tiempo que lleves alejado de las tablas, o de que época vengas… solo tienes que desoxidarte con unos ensayos y tirar para adelante.
M.a.c: ¿Sueles consultar a compañeros cuando tienes que preparar un personaje?
D.P: No consulto con nadie que no sea el director o el guionista del trabajo que estoy haciendo. Creo que pedir demasiados consejos a compañeros puede hacer daño a tu creación porque, al fin y al cabo, el que tiene la batuta y en quien tienes que confiar, es en el director. Con los años he aprendido que tú no eres quien prepara los personajes, sino que son ellos los que te preparan a ti. Al contrario de lo que dicen muchas técnicas actorales, yo compongo mis personajes de fuera a dentro. Empiezo a crear su forma física y, poco a poco, voy interiorizándolo. También, es muy importante hacer un buen análisis de guión para comprender cuatro cosas básicas, que definen y crean al personaje.
M.a.c: ¿Alguna vez te has parado a pensar que, por el paso del tiempo, hay personajes que ya no vas a poder interpretar?
D.P: Claro que se me ha pasado por la cabeza, pero, justamente, la gran mayoría de los personajes que siempre me han atraído, han sido más mayores. En ese sentido, estoy tranquilo, porque aún estoy a tiempo de interpretar a los personajes que más me gustan.
M.a.c: ¿Crees que tener un físico determinado te delimita para cierto tipo de personajes?
D.P: Tengo muy claro que hay personajes que nunca voy a poder interpretar por mi físico. Siempre se me ha considerado un actor “tipo”,  y por eso es muy difícil que yo haga de galán. La mayoría de mis personajes han sido cómicos o malvados, pero eso son estereotipos que están ahí y hay que aceptarlo. Creo que, por desgracia, se tiene muy en cuenta el físico –sobre todo en el campo audiovisual- y es una venda que tendremos que quitarnos, porque en otros países ya se ha hecho con muy buenos resultados.
M.a.c: ¿Se aprende más trabajando o viendo el trabajo de otros?
D.P: De las dos formas. En esta profesión tienes que ser una esponja y empaparte de todo lo que te rodea. Yo he aprendido mucho de ver otros trabajos y de todos los compañeros con los que me he encontrado a lo largo de mi carrera. Considero que uno de los mejores actores que tenemos en este país y de los que más he aprendido es, Víctor Clavijo. Es un gran guía y un gran referente como actor y como persona.
M.a.c: Se dice que ésta, es una profesión de locos. ¿Después de veinte años, estás más loco o más cuerdo?
D.P: Estoy mucho más loco (Risas) Para ser artistas, tenemos que tener un punto de locura o una sensibilidad especial. Empezamos más sanos y nos vamos volviendo más locos con el paso de los años, porque es una profesión que se alimenta del estrés, de las fobias, de los miedos… Este es el único trabajo artístico donde tus herramientas son tu cuerpo y tus emociones. Eso acaba pasando factura, en lo bueno y en lo malo.

Mira a cámara: ¿Cómo preparas tus personajes?
Silvia Abascal: Depende de cómo sea, algunos implican mucho trabajo de observación, documentación, y estudio. Otros parten de algo más intuitivo, más cercano o impulsivo. Mi escuela, el estudio de Corazza, me parece el espacio perfecto para investigar y probar, para perderme y encontrarme.
M.a.c: ¿Cuál ha sido el personaje que más te ha costado defender?
S.A: Soy incapaz de quedarme con uno. En este oficio, lo bello y arriesgado es que cada nuevo trabajo significa una aventura distinta. Tengo muy presente, ahora, el de Sandra (Días de Vino y Rosas) porque acabo de terminar la gira. Su compleja personalidad, su dependencia absoluta del alcohol, su pérdida de dignidad, su bajada a los infiernos… fue todo un viaje.
M.a.c: ¿Qué ha supuesto para ti esta obra?
S.A: Ha sido uno de los trabajos más importantes en mi camino teatral. Carmelo y yo hemos trabajado siendo uno. Nos hemos sumergido al límite en el amor y en el dolor de una pareja alcohólica. Una gira intensísima, salvaje y el teatro lleno todos los días. Uno de los mejores regalos de esta gira, ha sido la compañía técnica. Nunca he tenido una igual.
M.a.c: ¿Qué tienes que encontrar en un guión para enamorarte?
S.A: Me gustan las diferencias, los contrastes, y los retos. Mi ilusión no sólo se basa o se centra en mi personaje. Puede que me ilusione el equipo con el que voy a trabajar (técnico o artístico), puede que sea el género, el medio, o su temática.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas la primera vez que te viste en televisión?
S.A: Eso si que supuso un mal trago (risas) Mi primer trabajo fue en la tv, en el 1,2,3. Si ya es difícil o extraño escuchar tu voz en una cinta de audio, imagínate cuando ves también tu imagen. Necesito que pase el tiempo para observar y disfrutar los trabajos con un poco de objetividad.
M.a.c: ¿Y tu primer trabajo en cine?
S.A: Fue El tiempo de la felicidad. Recuerdo el cartel en la fachada del cine y ver el trabajo de todos mis compañeros en pantalla grande. En esa película escuché por primera vez el “cinco y acción” y el sonido de una claqueta, antes de abrir y cerrar el plano. Guardo recuerdos fantásticos de ese proyecto y de aquel equipo.
M.a.c: Dicen que esta profesión tiene poco memoria y que olvida a los actores con mucha rapidez. ¿Tú qué crees?
S.A: A los actores puede, pero cuando te emociona algo, te revuelve, cuando por lo que sea te toca dentro una palabra, una mirada, una secuencia, un silencio en una función… El recuerdo de esa sensación no se olvida, permanece.
M.a.c: ¿Suena mejor el aplauso del púbico o el de la crítica?
S.A: El de la crítica se agradece mucho. Pero el calor y energía que tiene un aplauso sincero e intenso que escuchas en el teatro, cuando estas encima del escenario… No hay nada comparable.
M.a.c: Has trabajado con grandes profesionales ¿De quién has aprendido más?
S.A: De cada uno de ellos he aprendido cosas diferentes. He tenido la suerte de trabajar con actores y compañeros muy grandes como: Blanca Portillo, Roberto Enríquez, Eduard Fernández, Rosa María Sardá, o Vicky Peña.
M.a.c: ¿Crees que ayuda tener un padrino en esta profesión?
S.A: Nunca he tenido un padrino. Pero sí hubo una persona que me dio mi primera oportunidad cuando no tenía ningún tipo de experiencia, Narciso Ibáñez Serrador. Me hizo el casting más largo e intenso que he hecho y confió en mí desde entonces.
M.a.c: ¿En algún momento has pensado en tirar la toalla?
S.A: He tenido momentos bajos o en los que he estado más vulnerable, pero nunca he pensado en una retirada. Respeto y quiero mucho este oficio, con toda su dificultad y su belleza.
M.a.c: ¿Merece la pena seguir luchando por estar al pie del cañón?
S.A: Sí, porque es una profesión en la que si eres curioso puedes aprender muchas cosas y muy diferentes. Meterte en otras mentes y otros cuerpos, hace que no juzgues, te acerca a la tolerancia y te amplía horizontes. Pienso que el arte en cualquiera de sus ramas es una comunicación, una emoción, un tocar y revolver dentro de las cabezas, latidos y estómagos.

 
Mira a cámara: Hacía mucho que no te veíamos sobre las tablas. ¿Te asustaba volver al teatro?
Javier Cámara: No, ha sido por circunstancias de la profesión. Hay momentos en los que uno piensa que tiene cierta capacidad para elegir proyectos y con el paso del tiempo te das cuenta de que son otros los que, con sus ofertas de trabajo, van decidiendo lo que vas a hacer. Siempre me ha encantado el teatro pero, de repente, se cruzó en mi vida el cine y la televisión y decidí ver por dónde me llevaba ese camino.
M.a.c: ¿Y qué tal el reencuentro? ¿Resulta más fácil para el actor maduro y curtido que eres ahora?
J.C: Recuerdo que, hace muchos años, cuando hacía una de mis primeras figuraciones (en El caballero de Olmedo), le confesé a Encarna Paso, antes de salir a escena, que estaba asustado. Le pregunté: “¿Va a ser siempre así?” Y ella me respondió: “Prepárate, cariño, porque va a más”…
M.a.c: Falta menos de una hora para que empiece la representación. ¿Cómo te preparas para salir a escena?
J.C: Suelo hacer unos ejercicios de voz, estiro un poco el cuerpo y hago un pequeño calentamiento.
M.a.c: ¿Cómo preparas tus personajes?
J.C: Depende, hay personajes con los que he llegado hasta donde he querido y otros a los que, ni siquiera, he olido. Nunca pienso si el personaje que voy a interpretar es para cine, teatro o televisión, lo único que hago es volcarme en ellos para disfrutarlos. Hay algunos que nacen del vestuario, de su forma de andar o del guión:  para todos  los personajes tengo que investigar dentro de mí mismo; observo a la gente de la calle, escucho música o leo. Yo pienso que para componer bien un personaje hay que dedicarle un tiempo  mas que prudencial, leer muchas veces el guión y conectar  necesariamente con tus compañeros y con el director para ver cómo es el trabajo que  se está haciendo en común. Aunque, sin duda lo más importante es confiar en los demás y ser moldeable, porque si vas con una propuesta a un director y resulta que no le gusta, hay que saber escucharlo y ser capaces cambiarla. El director dirige. Así que hay que hacerle caso. Es necesario confiar
M.a.c: ¿Necesitas al público para vivir?
J.C: El público es el tercero en discordia y sin ellos no existiría nada de esto porque el acto teatral consta de un protagonista, un antagonista y alguien que los observa. Luego, hay otro tipo de público que está más relacionado con tener una cierta fama. Esto es algo de lo que muchos intentamos huir, evitando los lugares masivos y que la gente te mire; pero al final, aunque estés en un estado de semi inconsciencia, siempre hay alguien que se te acerca para recordarte que eres un personaje conocido.
M.a.c: Dejaste 7 Vidas cuando estaba en uno de los puntos más altos. ¿Hay que saber bajarse del tren?
J.C: Es que pasó otro tren llamado Hable con ella, que no era ni mejor ni peor que 7 Vidas, pero estaba pintado de otros colores que me atraían más. Me habría encantado estar hasta el final de la serie pero era casi imposible compaginar las dos cosas y tuve que decidirme por una. Por suerte, rehicieron el casting y funcionó muy bien e incluso con más audiencia. Estas cosas son importantes para darnos cuenta de que no somos imprescindibles.
M.a.c: ¿Qué crees que le falta a la actual parrilla televisiva?
J.C: Más ambición por parte de los productores y, sobre todo, menos tendencia a que la publicidad sea lo más importante. Yo creo que el espectador es mucho más inteligente si, en vez de subestimarle, le ofrecemos un contenido de calidad. Tenemos una televisión inundada de cosas vacías que hace que la gente la utilice para desconectar y no para conectar. Yo enciendo el televisor para aprender, ver cosas interesantes o disfrutar de alguna buena entrevista. El problema es que ya no se emiten entrevistas de más de cinco minutos y la mayoría de programas prefieren que hagas una gracia a que hables de algo con un mínimo de profundidad o seriedad. Tendría que haber más espacio para las nuevas tendencias y los nuevos creadores.
M.a.c: ¿Cómo ves a las nuevas generaciones de actores?
J.C: Muy bien, aunque creo que están demasiado preocupados por hacer televisión y cine, y quizás se olvidan un poco del teatro. En mi generación, nuestro sueño era poder hacer teatro, y no se nos pasaba por la cabeza salir en una serie de éxito.Bueno, al menos a mí me parecia mas que dificil. Lo mejor que le veo a esta nueva generación es que parece que dominan bastante bien los idiomas, cuidan su cuerpo y su mente, y hay muchos que le dan mucho valor a la formación, y nunca dejan de aprender y formarse. En realidad, nosotros tampoco éramos tan distintos.
M.a.c: ¿Esta profesión te ha dado todo lo que querías?
J.C: Es que yo no quería nada.  O al menos tanto como he recibido Nunca he sido una persona muy ambiciosa, ni mitómano con los personajes que quería interpretar. Toda esa introspección de pensar en qué personaje me gustaría hacer, yo la soluciono poniéndome a trabajar con mis compañeros y un director. Creo que nuestro trabajo es mas sencillo si intentas dejarte  moldear.
M.a.c: ¿Podríamos decir que te nutres de tus compañeros?
J.C: No soy nadie sin la mirada del otro, porque es lo que me hace olvidar para quién trabajo, cuánto voy a cobrar o quién lo está viendo. Cuando dicen “acción” o se levanta el telón empieza a suceder algo mágico para lo que ya hay que estar preparado. Uno tiene que llegar preparado, listo para el juego, con todo a punto. Entonces tienes delante una mirada que te hace una pregunta a la que tienes que responder con la mayor credibilidad,  sinceridad y conocimiento del texto. A veces es muy difícil y otras es muy sencillo. Debería ser sencillo.
M.a.c: ¿De dónde sacas el valor para atreverte a hacer eso?
J.C: No lo sé.  No creo que sea valor. Ni siquiera riesgo. Quizá el dejarte en manos de alguien  y que haga contigo lo que quiera, me refiero a los directores, puede que se considere un ejercicio arriesgado, sobretodo cuando la confianza en ellos no es la adecuada.
M.a.c: ¿Te relacionas mejor con los compañeros o prefieres a gente que esté fuera de la profesión?
J.C: La mayoría de mis amigos son actores. Llevo muchos años trabajando y es inevitable que en rodajes en los que pasas muchos meses, o incluso años, juntos, nazcan nuevas amistades. Soy muy curioso con el mundo de los demás y me cuesta muy poco plantear nuevas amistades.  Pero también los hay de la infancia y de otros ámbitos, claro…
M.a.c: ¿Eres un buen espectador?
J.C: Soy muy buen espectador. Veo mucho cine, teatro y televisión. Me gustan mucho las historias que hablan del teatro, como Eva al desnudo, Vania en la calle 42, Rosencrantz y Guildenstern, El crepúsculo de los dioses… Son películas fantásticas. Y ver a amigos haciendo grandes trabajos me emociona y lo celebro.
M.a.c: Nunca has comerciado con tu intimidad…
J.C: Es que considero que es horrible y hace de tu trabajo algo banal. Yo trafico con mi creatividad y el conocimiento que tengo de la profesión, pero nunca con mi vida privada. Tengo que ser un secreto para los demás porque quiero que la gente se crea mi trabajo, y,  para eso,  hay que estar detrás de los personajes.
M.a.c: ¿Cuáles han sido los momentos más emocionantes de tu carrera?
J.C: La mayoría de las veces tienen que ver con las situaciones en las que lo paso mal, estoy nervioso, y al final, pienso: que alivio, ya lo hemos hecho. Imagino que los momentos emocionantes son cuando uno recibe premios, te halagan, conoces a gente interesante. En ese sentido, he hecho películas que han recorrido el mundo y ha sido muy gratificante, pero también fueron muy emocionantes las clases de historia del arte con una profesora que se llama Lourdes Ortiz, o una tarde ensayando la función El pícaro, aventuras y desventuras de Lucas maraña,  vino Fernando Fernán Gómez para hablarnos del teatro del siglo XVII., montones de momentos que nada tienen que ver con el éxito profesional, sino con sensaciones mas intimas y personales, no sé…
M.a.c: ¿Es una losa envejecer?
J.C: En absoluto. Quiero ver como cambio física y mentalmente, y descubrir hacia donde voy. Yo tuve un abuelo muy mayor que murió con ochenta y nueve años. Mi familia siempre me dice que nos parecemos mucho y ojalá algún día llegue a ser como él.
M.a.c: ¿Te da miedo caer en el olvido?
J.C: Creo que este es un país que olvida muy pronto. Olvidamos a nuestros maestros y a nuestros padres. Hay gente como Fernando Fernán Gómez o José Luis López Vázquez, que se nos están yendo con mucha rapidez y son los que han labrado nuestra profesión, nuestras películas, nuestro arte… Estamos muy atentos a lo más novedoso e innovador y olvidamos que hay gente que ha hecho cosas maravillosas, que ha cambiado este país y que son claros ejemplos de continuidad. Seamos unos humildes herederos de su arte y de su escuela, o al menos intentémoslo dignamente

Mira a cámara: Eres licenciado en medicina. No hay muchos actores que puedan presumir de tener dos carreras…
Octavi Pujades: Yo no lo veo como algo que me sirva para presumir. Me siento muy afortunado porque en un momento de mi vida me llegó la oportunidad de elegir otro camino que me seducía mucho y decidí dejar a un lado, una vida más convencional para dedicarme a esto.
M.a.c: Sin embargo, la medicina te garantizaba una vida más estable…
O.P: Pero esta profesión me ha aportado unas vivencias personales que me han enriquecido mucho. La medicina, al igual que esta profesión, es algo muy vocacional y tengo que reconocer que la idea romántica que yo tenía de esa carrera se fue deteriorando con el paso de los años, porque no me estaba aportando todo lo que yo esperaba.
M.a.c: Has hablado de vivencias… ¿Podrías contarnos alguna?
O.P: Son muchas como para ponernos a enumerar. Lo que sí te puedo decir es que he conocido a gente maravillosa y he ido a sitios donde nunca imaginé que llegaría. Trabajar con compañeros que llevan toda la vida en esta profesión y que siguen dedicándose a esto, con la misma ilusión y curiosidad que el primer día, me ha aportado un crecimiento personal enorme. Son un gran ejemplo a seguir.
M.a.c: ¿Cómo te sientes al pertenecer a esa cantera de actores que dio Al salir de clase?
O.P: Las etiquetas siempre te limitan un poco pero yo me siento muy afortunado de pertenecer a esa generación de actores y, sobre todo, por poder seguir viviendo de una profesión que me encanta. Esa, es la mejor recompensa.
M.a.c: ¿Has comenzado algún proyecto que pensaste que daría un giro a tu carrera y luego no fue así?
O.P: Sí, alguna vez me ha pasado pero yo siempre he pensado que una carrera se construye con el tiempo y poquito a poco. Entrar en un proyecto que tenga una gran repercusión mediática puede parecer muy apetecible al principio, pero con el tiempo puede llegar a ser un lastre. También, hay otros, como me pasó en la serie Mesa para cinco, un remake de la americana Party of five, que se cayó y me dio lástima porque me quedé con ganas de ver hasta donde podríamos haber llegado con esos personajes.
M.a.c: Ahora estás de gira por España con Tres. ¿Qué tal está resultando la experiencia?
O.P: Muy gratificante. En Tres, contamos una historia muy bien construida por el autor, Juan Carlos Rubio, y cumple a la perfección la función que tiene encomendada, que no es otra que hacer reír para que el público pase un buen rato. Como en todas las buenas comedias, nosotros interpretamos a tres personajes normales que tienen que hacer frente a una situación que les desborda y es lo que desencadenará la comicidad, sin caer en el chiste fácil.
M.a.c: ¿Qué piensas antes de salir a escena?
O.P: Lo primero que pienso es que no se me olvide el texto. Luego, me relajo, me concentro y suelo bostezar mucho para desperezarme.
M.a.c: ¿Hacía tiempo que no te veíamos en el teatro?
O.P: Han pasado siete años desde aquella obra y tengo que reconocer que ahí yo estaba muy verde, porque lo único que había hecho eran dos series de televisión. Además, Fashion, Feeling, Music era una obra muy compleja a nivel técnico y eso me obligaba a estar más pendiente de esos aspectos que de mi interpretación. Ahora, puedo disfrutar del texto y del trabajo con mis compañeras, Kiti Mánver, Aurora Sánchez y Nuria González, tres actrices maravillosas.
M.a.c: ¿Uno se sube a las tablas cuando quiere demostrar algo o porque no tiene mejores ofertas de trabajo?
O.P: Pues un poco por las dos cosas. En el teatro estás totalmente expuesto y si algo sale mal no puedes esconderte detrás de una cámara y repetir la secuencia hasta que salga perfecta. Imagino que cuando tenemos otras ofertas que te aportan mejores horarios y sueldos, es más sencillo tirar por el camino fácil aunque tengas que postergar ese contacto con la esencia de la interpretación y con la realidad de lo que estás haciendo.
M.a.c: ¿Y si el día de mañana alguno de tus hijos te dijera que quiere ser actor?
O.P: Supongo que, como todos los padres, mi primer impulso sería protegerlos y tratar de convencerlos para que buscaran otra profesión menos arriesgada. Pero hay que saber luchar contra eso porque los jóvenes tienen que andar su propio camino y descubrir las cosas por sí mismos. Lo que realmente me gustaría dejarles claro es que nunca pierdan de vista el mundo real, porque esto es solo un trabajo y no puede condicionar tu vida a todos los niveles.
M.a.c: ¿Una tarde de futbol o de cine?
O.P: De cine, por supuesto.
M.a.c: ¿Sueles echar la vista atrás?
O.P: Soy una persona bastante reflexiva pero no suelo mirar atrás, ni adelante. Intento aprender de los errores del pasado pero prefiero centrarme más en el presente y disfrutar de lo que tengo aquí y ahora.
M.a.c: De todos los personajes que has interpretado, ¿Tienes tus favoritos?
O.P: Soy más de quedarme con algunos momentos de cada personaje. Disfruté mucho en Herederos, porque era el primer papel de malo que interpretaba y huía un poco del arquetipo en el que se me encasilla muchas veces. Demostrar que puedes hacer algo distinto, es siempre gratificante.
M.a.c: ¿Crees que por tu físico te han limitado a interpretar papeles de “galanes”?
O.P: Sí, pero es normal que te encasillen para interpretar a un cierto tipo de personajes. Hay muy pocos actores que tengan un físico que les permita hacer cualquier papel. También tenemos que tener en cuenta que el tiempo pasa. Van saliendo arrugas, llegan actores más jóvenes, y hay que ir cediendo el sitio a otros para afrontar nuevos retos y otro tipo de personajes que antes no podías hacer.

Mira a cámara: ¿Ha cambiado mucho tu vida en estos dos años?
Sergio Mur: He pasado por una época muy importante de transición, que espero sea la base de lo que venga en un futuro. Todo lo que he vivido en estos años, que no han sido fáciles, lo veo ahora como algo muy positivo. Un trabajo necesario que tenía que ocurrir para que las piezas encajaran. He tenido que hacer trabajos menos gratificantes y más funcionariales, hasta que me ha llegado una oportunidad como la que me ha dado Fernando Colomo con El Pacto. Me ha servido para darme a conocer y que la gente me viera, porque cuando hice Closer, apenas había rozado el campo audiovisual. Afronté un cambio importante y que hoy valoro como un gran acierto y fue ponerme en manos de otro representante. Creo que después de este tiempo tengo más enfocado y más claro lo que soy y hacia donde me gustaría ir… dentro de otros dos años te cuento.
M.a.c: ¿Qué es lo que más valoras del paso del tiempo?
S.M: Lo mucho que he cambiado a nivel profesional. Closer me cambió, aprendí mucho. Hoy me siento más sólido como intérprete, conozco mejor la profesión, en ese sentido creo que he evolucionado, he aprendido y estoy satisfecho al mirar atrás. He abierto una puerta al mundo de los cortometrajes, conocido a personas excepcionales como Jaime Vaca, Álvaro de la Hoz o Imanol Ruíz de Lara, con los que he trabajado, aprendido y, sobretodo, disfrutado.
M.a.c: ¿Y si te digo que tu entrevista ha sido la segunda más visitada en Mira a cámara?
S.M: Es algo que no esperaba y que pone muy contento. Está bien que la gente se interese por uno, por su trabajo y eso es una parte muy importante de esta profesión. Tengo muchos referentes de actores que trabajan en Hollywood y me doy cuenta del gran trabajo que hacen con su imagen.
M.a.c: Decías que no te habías hecho un hueco en la profesión, ¿Crees que ya lo has conseguido?
S.M: No, aún estoy en ello, pero lo conseguiré. En esta profesión cada carrera es única, y responde a muchos condicionantes externos que no podemos controlar. Espero que El Pacto me abra alguna puerta que me permita acceder a esas historias, a esos personajes, que uno siempre ansía interpretar.
M.a.c: ¿Closer te trajo todo lo que esperabas?
S.M: Depende. No me trajo la repercusión que me hubiera gustado o que uno imagina cuando consigue un personaje como el de Dan. En ese sentido te das cuenta que esto es un suma y sigue, y que las cosas no tienen por qué llegarte en el momento que esperas. Por otro lado, estoy muy orgulloso de como afronté todo aquello, de cómo me superé función a función, de lo que aprendí y del lugar donde dejamos la función y a mi personaje.
M.a.c: Cuando estás trabajando, ¿estás más pendiente de tus compañeros o de tu trabajo?
S.M: De ambos. También depende mucho de quién tenga delante, porque hay actores muy generosos que te dan mucho juego y hay otros que prefieren trabajar solos, obligándote a buscarte la vida por otros sitios. Sobre todo, me gusta dejarme llevar por lo que ocurre en el momento para que nazcan cosas.
M.a.c: Acabamos de verte en El Pacto ¿Qué has puesto en este último personaje que no tengas los anteriores?
S.M: Desde que hice la prueba tenía muy claro como era el personaje y eso me dio mucha seguridad. Sabía por qué camino quería llevarlo y Fernando Colomo, que es un gran director de actores, confió en mí y me dio esa libertad. Podría decirte que es uno de los trabajos más maduros que he hecho y de los que me siento más orgulloso.
M.a.c: ¿Qué personaje histórico te gustaría interpretar?
S.M: Sé que no es un personaje histórico pero me encantaría interpretar a Antonio Vega. Creo que es uno de los autores e intérpretes más importantes de la historia del pop español.
M.a.c: Has aprendido a decir que no, a un proyecto?
S.M: Dicen que una carrera se hace, no tanto por lo que aceptas como por lo que rechazas. He tenido que rechazar trabajos por cuestiones de fechas, porque el proyecto no me convencía o porque, sencillamente, no era el actor adecuado, y cuando no tienes diez guiones encima de la mesa esperándote, es muy difícil decir que no. Algunos de esos proyectos luego se han convertido en éxitos y me he arrepentido. Con otros no ha pasado eso, pero en general estoy muy contento del camino por el que van las cosas.
M.a.c: Hasta el momento, ¿Qué te ha aportado esta profesión?
S.M: Muchas alegrías. Algunas muy sufridas por lo que ha costado sacarlas adelante, pero casi todo ha sido muy bueno. No olvidaré nunca la última función que hicimos de Closer, el día que me cantaron cumpleaños feliz en medio del teatro, o cuando me llamaron para confirmarme que me habían cogido para hacer El Pacto. Son miles de momentos maravillosos que me ha traído esta profesión y que nunca olvidaré.
M.a.c: ¿Qué podemos hacer para seguirte la pista?
S.M: Acabo de hacer una pequeña colaboración en Los Protegidos y en breve se estrenará Lluvia (Sóner Records), un corto con proyecto de largo que dirige Jaime Vaca.

Mira a cámara: Desde tu corta experiencia en la profesión, ¿crees  que el actor nace o se hace?
Alicia Sanz: El actor nace pero también se hace. Hay algo que viene como de casa pero hay que desarrollarlo, no sólo sirve tener talento. Hay que formarse y reciclarse disfrutando de ese aprendizaje. Si no tienes constancia o no te esfuerzas el talento no te sirve de nada.
M.a.c: ¿Ese aprendizaje consta más de técnica o de corazón?
A.S: Yo elegiría mitad y mitad. Creo que es muy importante tener una base y unas herramientas pero hay que poner el corazón en todo lo que se hace. Los personajes que interpretamos son humanos y tienen que tener ese lado emotivo sean positivos o negativos; hay que saber entenderlos  y a veces hasta defenderlos.
M.a.c: Tú has trabajado ya en televisión. ¿Qué te parece el resurgimiento del fenómeno fan con respecto a las series españolas?
A.S: Yo creo que beneficia a esos actores que lo viven si saben aprovecharlo para poder interpretar algo más que eso. Esa fama es muy efímera. Para mí sería muy triste quedarme en un fenómeno fan; es un tipo de popularidad que me asusta.
M.a.c: ¿Ayuda la belleza física al impulso de esos fenómenos y a la carrera de los actores más jóvenes?
A.S: Sí, hay que reconocer que ayuda pero detrás tiene que haber algo más. Depende del personaje que busquen ayuda mucho. Lo que ocurre es que ahora quizá vende ese tipo de perfil comercial que es el que la gente quiere ver en televisión.  He ido a castings con amigos a los que les han hecho quitarse la camiseta, y en algunos a los que he ido yo buscaban un tipo de chica con minivestidos. Es algo que está ahí y es difícil de erradicar, aunque siempre tienes la opción de ir más allá.
M.a.c: ¿Tienes referentes en el mundo de la interpretación?
A.S: Charlize Theron. Me parece genial que haya podido hacer los papeles que ha querido. Que valoren a una actriz por su interpretación y no por su físico teniendo el que ella tiene, me parece admirable. Es como un modelo a seguir, aunque también me gustaría hacer musicales como los de Rob Marshall. Me he preparado en danza y en canto y el musical es algo que como espectadora me encanta.
M.a.c: ¿Crees que, como se ha dicho en ocasiones, la televisión es un medio de segunda con respecto al cine?
A.S: Yo creo que ahora trabajar en televisión es una gran oportunidad para hacer cine. De hecho se están haciendo muchas tv movies porque la gente no va a las salas a ver esas historias o a ver cine español. En ese sentido yo creo que la televisión es un gran trampolín y se está acercando cada vez más al cine.
M.a.c: Ahora que vas a ser una de las protagonistas de La venganza, la nueva versión de Pasión de gavilanes, ¿qué te parecen las telenovelas?
A.S: Personalmente no me gustan las telenovelas, aunque ni las juzgo ni las critico. Esto va a ser una adaptación y otro tipo de grabación. Será muy diferente al original aunque también tendrá amor, lujo y todos esos ingredientes que convirtieron en un éxito a los “gavilanes”. Se emitirá una vez a la semana en el “prime time” de Antena 3.
M.a.c: ¿Cuál será tu personaje?
A.S: Seré Jimena, que en esta versión se llamará Lucía y es la hermana pequeña de las tres protagonistas. Y lo cierto es que está siendo muy divertido descubrir en mí misma esa parte de locura y de romper las reglas que tiene el personaje.
M.a.c: ¿Qué cambios supone para ti estar en una serie de ese tipo?
A.S: Muchísimos. Ahora mismo vivo en una residencia de estudiantes y lo voy a dejar todo para rodar durante meses en Barcelona. Va a suponer un gran cambio en mi vida a todos los niveles pero creo que después de un mes haciendo pruebas para la serie es algo que merecerá la pena.
M.a.c: ¿Cómo fue la experiencia de La pecera de Eva?
A.S: Muy positiva porque la serie está hecha a base de improvisaciones. Estaba nerviosa pero me acogieron muy bien y me dieron mucha libertad a la hora de trabajar un personaje que incluso se llama como yo.
M.a.c: ¿Te gusta esa improvisación o prefieres la preparación previa?
A.S: Creo que la improvisación da como resultado una interpretación más viva y te permite ser más creativo. Estás más alerta porque nunca sabes qué es lo que va a decir o va a hacer el actor que está trabajando contigo.
M.a.c: Después de decenas de cástings, ¿sigues algún tipo de ritual para afrontarlos?
A.S: Duermo mucho porque me encanta dormir e intento ir relajada. El día anterior intento estar con mis amigas, hacer mi vida normal y olvidar que tengo una prueba. Siempre que tenga el papel preparado y una propuesta clara, iré con seguridad. Ese ha sido mi método siempre.
M.a.c: ¿Qué dijeron tus padres cuando les dijiste que querías ser actriz?
A.S: Al principio no lo llevaban demasiado bien y eso que tenemos una escenógrafa y una cantante en la familia. No entendían que una niña que sacaba buenas notas quisiera ser actriz. Mi destino era estudiar económicas pero en primero lo dejé para venirme a Madrid. Cuando vieron que era lo que tenía claro desde pequeña lo aceptaron.
M.a.c: ¿Hubo alguien importante en esos inicios?
A.S: Yo diría que Sandra Toral. Ella fue la primera profesora con la que tuve contacto en Madrid y la que me ayudó a buscar un representante que confiase en mí. Cuando llegas a una ciudad como Madrid no conoces a nadie y es normal que estés algo perdido. Es muy importante cruzarte con gente que vea que tienes posibilidades.
M.a.c: ¿Qué consejo les darías a los que empiezan en la profesión?
A.S: Que no se desanimen nunca y que sean conscientes de que estamos haciendo arte, que estudien a los grandes clásicos y tengan no sólo una formación sino una cultura cinematográfica. Estar bien informado, leer y descubrir cosas  y compartir experiencias con gente de la profesión es fundamental. De lo contrario te conviertes en un producto en manos de otras personas.

Mira a cámara: Tu primer papel fijo fue en Compañeros, ¿Qué piensas cuando ves a los actores de las series juveniles que hay ahora?
Montse Pla: Creo que las series de ahora tienen muchos más seguidores y más repercusión que las de antes y eso, a los actores les va a venir muy bien para darse a conocer. También, es muy peligroso cuando te llega el éxito siendo tan joven porque en esta profesión hoy estás arriba y mañana estás abajo y si no sabes controlarlo se puede llegar pasarlo muy mal.
M.a.c: ¿Tú supiste controlarlo?
M.P: Cuando empecé en Compañeros me soltaron muchos sermones para que mantuviera los pies en la tierra, pero yo ya estaba acostumbrada a salir en las revistas desde los nueve años así que no sufrí este problema. Lo que llevaba peor era el no poder salir a la calle como siempre porque había mucha gente que me reconocía y no podía estar relajada siendo yo misma. Al final, no te queda otra que armarte de paciencia y llevarlo lo mejor que puedas.
M.a.c: ¿Qué lugar ha ocupado la fama en tu vida?
M.P: Una parte muy pequeña. Hay veces que le gente me reconoce y otra que no, pero es algo que no me afecta en absoluto.
M.a.c: ¿Crees que se te ha limitado como actriz por tu color de piel?
M.P: Te agradezco que me hagas esta pregunta porque se me han cerrado muchas puertas ya que en España no hay papeles para gente de color. Todos los personajes que he interpretado han estado directamente ligados a mi color de piel y eso es muy triste. Hay muchos personajes para los que no es relevante su color de piel y lo puede hacer actores blancos y negros. Me niego que me encasillen por mi color de piel.
M.a.c: ¿Merece la pena luchar para seguir en esta profesión?
M.P: Si te gusta y te hace feliz, sí. Pero si se convierte en algo que te provoca estrés, dolor o sufrimiento es mejor dejarlo y dedicarse a otra cosa.
M.a.c: ¿Eres muy perfeccionista en el trabajo?
M.P: Mucho. Ésa, es una de las cosas que he aprendido de mi madre.
M.a.c: ¿Tu gran oportunidad está por llegar o crees que ya ha pasado de largo?
M.P: He intentado aprovechar todos los papeles que me han dado, en algunos me he podido lucir más y en otros no tanto, pero creo que mi gran oportunidad para demostrar todo lo que puedo ofrecer como actriz, aún no ha llegado.
M.a.c: ¿En qué momento decidiste dedicar tu vida a la interpretación?
M.P: Mi madre me adoptó cuando era una niña y pasé mucho tiempo entre cajas con ella. Hasta antes de conocerla no me había picado el gusanillo, pero gracias a ella y a estar a su lado antes de salir a escena, y ver como se transformaba en el personaje me di cuenta que es una de las profesiones más bonitas que existen.
M.a.c: ¿Qué recuerdos guardas de aquella época?
M.P: Fueron momentos inolvidables. Me encantaba pasar texto con mi madre y darle la réplica. Recuerdo, que cuando el público se iba me subía al escenario e imaginaba que era la protagonista de una obra y que la gente se levantaban para aplaudirme.
M.a.c: ¿Te han acusado de ser una “enchufada” por ser hija de Beatriz Carvajal?
M.P: Cada vez me pasa menos pero cuando estaba en Compañeros si hubo mucha gente que tachó de “enchufada”. Pasé una prueba, Luis San Narciso confió en mí para darme ese papel y no creo que fuera por ser hija de nadie.
No entiendo por qué en otras profesiones cuando un hijo quiere seguir los pasos de su padre, todos aplauden. Sin embargo, cuando sucede en la nuestra de lo primero que se habla es de favoritismos.
M.a.c: ¿Qué es lo que más valoras de esta profesión?
M.P: El poder cambiar y meterme en la piel de otros personajes, y hacerlo creíble para que el público disfrute de mi trabajo.
M.a.c: ¿Prefieres actuar para un público pequeño o mayoritario?
M.P: Creo que a todos los actores nos gusta tener el mayor número de público posible, pero no podemos bajar nuestro nivel de exigencia con nuestro trabajo porque un día hayan venido al teatro cuatro personas. Hay que ponerle las mismas ganas, trabajo, ilusión, esfuerzo y energía tanto si tienes a dos personas delante o a mil.

Mira a cámara: ¿Eres más valiente como actor o como persona?
Rubén Ochandiano: Soy más atrevido e inconsciente como actor. En el terreno personal intento dejar el miedo de lado porque es algo que ha vivido conmigo durante muchos años y empiezo a estar un poco cansado.
M.a.c: ¿Prefieres que te hagan reír o llorar?
R.O: Para mí, ir al cine o al teatro es un placer tan gozoso que disfruto con las dos. Es muy emocionante cuando estás sentado en la butaca y, de pronto, pasa algo que te hace estremecerte, llorar o soltar una carcajada.
M.a.c: ¿Valoras más la opinión de la crítica o la del público?
R.O: Me afectan las dos porque cuando uno se expone y muestra un trabajo quiere que funcione en todos niveles posibles. He hecho películas que han sido un fracaso en taquilla pero han cosechado muy buenas críticas y al revés. Lo mejor es encontrar un punto intermedio y quedarte con lo que más te aporte.
M.a.c: ¿Cuál es el personaje con el que has tenido una relación más estrecha?
R.O: He intentado tenerla con todos pero siempre tengo la tendencia a querer más al último que he interpretado. Y por ahora, ha sido Don Carlos en el CDN.
M.a.c: Era un personaje muy extremo, ¿Cómo lo preparaste?
R.O: Visitando muchos museos y exposiciones, sobre todo la de Francis Bacon en el Prado. Leí todas biografías que encontré de Felipe II y el Príncipe Carlos y trabajé con varios tipos de música que es algo que siempre hago cuando preparo un personaje.
M.a.c: ¿El éxito te ha traído más risas o llantos?
R.O: Por suerte, he reído mucho. En mi caso, esa risa es la consecuencia de ver recompensado un trabajo por el que lucho y doy las gracias cada día.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas el casting de Los Abrazos Rotos?
R.O: Larguísimo porque fueron muchas pruebas. Primero, una con Luís San Narciso. Luego, hice otra con Pedro (Almodóvar) Le gustó y me fue probando con Lluís Homar, Blanca Portillo y finalmente, Penélope Cruz. En aquel momento, yo estaba viviendo en Buenos Aires y tenía que estar yendo y viniendo pero un día, al volver a casa me encontré un mensaje de mi representante diciéndome que el papel era mío.
M.a.c: ¿Alguna vez soñaste con trabajar con Almodóvar?
R.O: Muchas veces. Hay que luchar por los sueños porque, al final, alguno se cumple y se hace realidad.
M.a.c: ¿Conservas objetos o películas de tus trabajos?
R.O: Las películas las tengo repartidas entre la casa de mi abuela y la de mis padres. En la mía, tengo las últimas pero no las vuelvo a ver. Si viene algún amigo y quiere que veamos alguna, prefiero prestársela. También, guardo todos los guiones, las fotos de los rodajes y una prenda de algún personaje. Conservo con un cariño especial unas fotos dedicadas que me hizo Pedro (Almodóvar) durante el rodaje de la película y me las regaló.
M.a.c: ¿Te sientes respetado por tus compañeros de profesión?
R.O: Me siento muy querido y respetado.
M.a.c: ¿Te gusta que te reconozcan por la calle?
R.O: Siempre he sido muy tímido para esas cosas pero ahora, lo intento vivir con más naturalidad. Estamos atravesando un momento en que es importante que te reconozcan porque es lo que más valoran muchas productoras a la hora de contratarte. Si quieres tener varios trabajos donde elegir y que te lluevan las ofertas no te queda otra que hacer un producto masivo para que te conozca todo el mundo y los que ponen la pasta se fijen en ti por que crean que eres rentable y vas a traer al público a las salas.
M.a.c: Hablas como si hubieras perdido la ilusión…
R.O: Para nada. En estos momentos me muero de ganas por enfrascarme en nuevos proyectos y volver a otros como la televisión, que hace mucho no hago. Me apetece mucho hacer una comedia tipo sit-com.
M.a.c: Tienes pendiente el estreno de la última película de González Iñarritu…
R.O: Se titula Biutiful y aún no tiene fecha de estreno. En mayo vamos a Cannes e imagino que a los cines llegará en septiembre.