Ángel Caballero/Mira a cámara
Norma Ruiz,  ha sabido aprovechar las tablas que te dan el teatro y la popularidad que ofrece una serie diaria como Yo soy Bea. Después de un gran éxito con la función Por los pelos, vuelve al cine con una comedia (Tensión sexual no resuelta) y un Thriller (La Herencia de Valdemar) en los que ha interpretado a dos personajes muy distintos.

Mira a cámara: Te diste a conocer interpretando a Bárbara en Yo soy Bea, ¿Cómo fue la composición de un personaje tan marcado?
Norma Ruiz: Me preparo todos los personajes en casa porque si esperas a llegar al set -y sobretodo en una serie diaria- es muy difícil encontrar algo concreto a lo que agarrarte para empezar a construir. Lo que se puede hacer en el set, es dejarte influenciar por los demás personajes, por los distintos ambientes y situaciones… pero siempre después de haber realizado un trabajo previo en casa. Disfruté mucho con el personaje de Bárbara porque era muy distinto a mí y tuve que componerlo de arriba a abajo. Ella siempre llevaba una máscara pero a mí era muy importante reflejar ese lado humano que tienen todos los personajes, para evitar caer en una caricatura.
M.a.c: ¿Cómo te enfrentas a un casting?
N.R: Siempre voy con una propuesta que me resulte clara y concreta porque pienso, que aunque la propuesta no sea la correcta al menos les das la posibilidad de ver a una actriz trabajando. No creo que haya muchos actores a los que les guste hacer una prueba, por eso lo mejor es intentar disfrutar al máximo jugando con la caracterización y la propuesta del personaje.
M.a.c: Hay mucha gente que piensa que si no has salido en una serie de televisión no eres actor. ¿De dónde crees que nace esta idea?
N.R: De la inmediatez que proporciona este medio. La televisión te brinda la posibilidad de darte a conocer en muy poco tiempo porque todo el mundo puede verte con solo pulsar un botón. Hay muchos actores de cine y televisión que no paran de trabajar y la gente no los conocen… o incluso, cuando trabajas en una serie y es otra la que se pone de moda, la gente se olvida de ti. Es muy triste que ocurra esto pero hay que entender que esta profesión es así y tenemos que aprender a vivir con ello sin que nos afecte.
M.a.c: ¿Notaste un trato distinto cuando volviste al teatro después de haber salido en una serie?
N.R: Por los pelos, fue mi primera obra de teatro comercial porque todo lo que había hecho antes era teatro alternativo en salas muy pequeñas. La diferencia se nota en cuanto a: presupuesto, público, escenografía, sueldo, el trato que recibes… pero todo esto no significa que disfrutes más o menos. Fue una suerte trabajar con Pedro Larrañaga en esta obra, porque viniendo de una familia de actores y al estar casado con una actriz, nos conocía mejor que nadie y nos cuidaba muchísimo.
M.a.c: En breve, te podremos ver en la gran pantalla con dos proyectos muy distintos. ¿Qué nos puedes adelantar de La Herencia de Valdemar?
N.R: Lo que más me llamó la atención de este proyecto es que es la primera película de José Luis Alemán, que además ha producido él. Es la primera vez que esto ocurre en nuestro país y creo, que hay que apoyarlo. Es una película de género con un reparto muy coral, que se estrena el 22 de enero. El rodaje fue muy divertido porque era la primera vez que trabajaba en un thriller con todo lo que eso conlleva: cromas, engendros, bichos gigantes… Soy muy fan de Star Wars por lo que trabajar con todos estos elementos y efectos especiales ha supuesto una experiencia única.
M.a.c: ¿Y sobre… Tensión sexual no resuelta?
N.R: Esta fue una peli que surgió hace dos años pero que por temas de producción se ha ido aplazando. Quedé con Miguel Ángel Lamata para tomar un café y tuvimos tanto feeling que acepté hacer la película sin haber leído el guión. Luego, cuando me lo leí me encantó. Además, trabajar con Miguel ha sido muy fácil porque es un grandísimo director de actores, en este tiempo nos hemos hecho muy amigos y me ha permitido aportar muchas cosas a mi personaje. No exagero si digo que ha sido uno de los rodajes más divertidos que he tenido.
M.a.c: ¿Hay algún género en especial con el que disfrutes trabajando?
N.R: Me considero una yonqui de esta profesión, por lo que disfruto con casi todo. Me gustan mucho las historias que me permiten componer y desarrollar un personaje para poder mostrar su evolución. Estoy teniendo mucha suerte con los personajes que estoy haciendo porque son muy distintos entre sí por lo que puedo experimentar y jugar más con ellos.
M.a.c: ¿Podrías dedicarte a otra cosa?
N.R: No, es lo que siempre he querido hacer y sería como ir en contra de mi misma. Como todos, tengo momentos de bajón en los que pienso en dejarlo todo pero me tranquilizo, me reinvento y me levanto con fuerza.
M.a.c: ¿Qué tipo de actriz te gustaría llegar a ser?
N.R: Me encantan los clásicos y las actrices como Vivian Leigh o Katherine Hepburn. Historias de Filadelfia y La fiera de mi niña son algunas de mis películas favoritas.
M.a.c: ¿Ayuda venir del mundo de la danza?
N.R: Cuando comencé llevaba como un lastre haber estado doce años bailando porque nadie me tomaba en serio como actriz. Afortunadamente, ahora con el furor de los musicales se han dado cuenta de que es algo que suma y no resta.
M.a.c: ¿Tienes algún ritual a la hora de estudiar un guión?
N.R: Reconozco que antes era muy maniática, pero cuando entras en una serie diaria y lo compaginas con teatro, aprendes a estudiar donde sea porque no tienes tiempo. La única manía que conservo es llevar el guión siempre conmigo.

Ángel Caballero/Mira a cámara
Su amor por el cine le viene de familia. Salvador Calvo (Masala, Motivos Personales, Policías, en el corazón de la calle), todavía se emociona cuando recuerda como su padre, siendo él un niño, sobornaba a los porteros de las salas para que lo dejaran entrar a ver las películas de Woody Allen. Por ello, no se extrañaron en casa cuando decidió formarse para ser director. Recientemente, ha estrenado el telefilm Paquirri y está preparando otro sobre los primeros años de la vida de la Duquesa de Alba.

Mira a cámara: Acabas de estrenar Paquirri, ¿Hay mucha diferencia entre dirigir una serie y una TV Movie?
Salvador Calvo: La mayor diferencia es que tienes más tiempo, lo que te permite tener un proceso más amplio de ensayos para obtener un producto de mayor calidad. Me gusta más trabajar en un formato de una historia cerrada para poder profundizar mejor en el arco del personaje, desde su inicio hasta el desenlace. En una serie esto es imposible porque la trama siempre continúa avanzando.
M.a.c: ¿Qué te animó a formar parte de este proyecto?
S.C: Cuando me llamó Tedy Villalba para ofrecerme este proyecto para Telecinco, tuve algunas reticencias porque no me apetecía ahondar en una historia de prensa rosa pero cuando conocí el proyecto en su totalidad y vi que lo que querían hacer era una historia totalmente diferente, decidí aceptar la oferta.
M.a.c: ¿Te pondrías antes, delante del toro o de la cámara?
S.C: De ninguna de las dos. He realizado cursos de interpretación para saber cómo funciona el ritmo interno de un actor y poder dirigirlo. Pero pienso que es un trabajo muy duro –que yo no sería capaz de hacer- y le tengo mucho respeto.
M.a.c: ¿Cual es la parte de tu trabajo con la que más disfrutas?
S.C: Me gusta mucho la parte técnica pero disfruto más trabajando con los actores, con el ayudante de dirección, con el director de fotografía… También, tengo que reconocer que una de las cosas que más me gusta es el trabajo de mesa y los ensayos con los actores.
M.a.c: ¿Podríamos decir que estás realizando tu sueño?
S.C: Sí. Siempre digo que el veneno del amor por el cine, me lo transmitió mi padre. Él es director y guionista, y eso es algo que mis hermanos y yo hemos mamado desde pequeños. Recuerdo, que cuando éramos niños mi padre sobornaba al portero del cine para que nos dejara entrar a ver las películas de Woody Allen. Creo que la pasión que siento por el mundo del cine no se agotará nunca.
M.a.c: ¿Con qué actores te gustaría tener la oportunidad de trabajar?
S.C: Javier Bardem, Concha Velasco o Ricardo Darín, son algunos mis preferidos. ¿Y a quién no le gustaría trabajar con Robert De Niro, Al Pacino, Meryl Streep, Kate Winslet o Edward Norton?
M.a.c: ¿Es más sencillo dirigir a los actores jóvenes o a los consagrados?
S.C: Eso siempre depende del actor. Hay gente con una carrera muy consolidada como Concha Velasco, con la que es una maravilla trabajar porque es como si fuera plastilina en tus manos. Es una actriz que te facilita el trabajo, todo lo que puede y más. Sin embargo, también me he encontrado con algunos actores que están empezando y creen que lo saben todo.
M.a.c: ¿Sobre qué personaje te gustaría dirigir un biopic?
S.C: Sobre Vicente Ferrer, el ex jesuita que se marchó a la India. Me encantaría dirigir un biopic sobre este hombre porque he leído bastante sobre su vida y creo que es una historia apasionante.
M.a.c: ¿Alguna vez, has pensado en dirigir teatro?
S.C: Es una idea que me tienta, y me excita probar suerte en ese medio pero, por ahora, lo tengo como asignatura pendiente. Acudo periódicamente al teatro como espectador porque disfruto mucho y creo que es uno de los mejores sitios para descubrir actores.
M.a.c: ¿Cada cuanto tiempo vas al cine?
S.C: Soy un gran cinéfilo desde que era un niño, por lo que estoy acostumbrado a ir unas dos veces por semana. Una de las últimas películas que he visto –y me dejó fascinado- es El secreto de sus ojos de Campanella. Salí del cine recordando por qué me dedico a esto.
M.a.c: Si tuvieras que organizar una sesión de cine para un viernes por la noche, ¿Qué películas elegirías?
S.C: Memorias de Queens, La Misión, El Cazador y La Última Noche de Spike Lee, que es una de mis favoritas.
M.a.c: ¿Qué proyectos hay sobre tu mesa?
S.C: Estoy preparando una mini serie de dos capítulos sobre los primeros años de vida de la Duquesa de Alba. La cinta abarcará desde su nacimiento hasta los años setenta, para evitar entrar en toda la parte rosa de la historia. Nos vamos a centrar en la historia de la niña que recibe una educación británica, la joven inconformista que lucha por tener una serie de libertades y la mujer libre y adelantada a su tiempo.
También estoy luchando por sacar adelante mi película sobre África titulada El otro viaje.

Su personalidad destila entusiasmo, energía y un optimismo arrollador pero han sido el esfuerzo y la constancia que pone a cada proyecto los que la han llevado a saborear las mieles del teatro, el cine y la televisión. Cristina Serrato (Soria) ha participado en series tan conocidas como: Hospital Central, El síndrome de Ulíses, El Comisario o Yo soy Bea y hace seis meses, se marchó a EE.UU donde trabajó en tres películas (The walk with the darkness, A girl named Clyde y El sueño americano) Acaba de volver a España y en breve comenzará el rodaje de la ópera prima de Andrés Díaz Salazar.

Mira a cámara: ¿Cuál es tu primer recuerdo como actriz?
Cristina Serrato: No sabría decirte cual es el primero porque estoy enamorada de este mundo desde que era una niña. Recuerdo la ilusión que tenía cuando, en el colegio, interpreté La ratita presumida, y es la misma con la que me enfrento hoy, a cada proyecto.
M.a.c: ¿Cómo te recibió Madrid cuando te marchaste de Soria?
C.S: Fue un encuentro muy dulce. Me vine para estudiar periodismo y canto, y aprendí y disfruté mucho de aquella etapa, supongo que por el entusiasmo y las ganas que pones cuando te gusta algo.
M.a.c: ¿Cuándo fue la primera vez que te pusiste delante de una cámara?
C.S: Mis primeros trabajos en televisión fueron como periodista trabajando de reportera y presentadora. Me di cuenta de que era un medio que me apetecía seguir explorando como actriz e hice un curso en la Central de cine con Victor G. León. Trabajar con Víctor fue como una varita mágica porque después de hacer ese curso no paré de trabajar.
M.a.c: Acabas de protagonizar una película en EE.UU, ¿Cómo ha sido la experiencia?
C.S: Irrepetible por muchas cosas: mi primer papel protagonista, mi primera película, rodar en el extranjero, un guión maravilloso… ya te puedes imaginar. La película se titula Sueño Americano y yo interpreto a una latina que pone su vida en juego para ayudar a los espaldas mojadas a pasar la frontera.
M.a.c: ¿Tienes algún nuevo proyecto sobre la mesa?
C.S: Estaré en el primer largo de Andrés Díaz Salazar con el que ya trabajé en un corto. Es un thriller que va a dar mucho que hablar por el guión y la forma en que va a estar rodada la película. Eso es todo lo que puedo contar, por ahora.
M.a.c: ¿Ayuda tener un perfil tan característico como el tuyo?
C.S: En España, a diferencia de EEUU, donde hay más variedad de personajes, se trabaja mucho con estereotipos y es complicado que una actriz gordita inteprete un papel con una trama que no tenga algo que ver con los kilos. Una de las cosas que más ilusión me hace de trabajar en esta película es que me han llamado para dar vida a un personaje que no depende de mi físico.
M.a.c: ¿Cómo te ves a ti misma?
C.S: Como una persona luchadora, trabajadora y vehemente que intenta poner un poco de color y positivismo a cada proyecto que le llega. Tenemos que trabajar con todas nuestras ganas y energía porque estamos en un barco en el que, a veces, la mar está calmada y otras repletas de oleaje.
M.a.c: En esta profesión, ¿Se puede separar la vida personal de la profesional?
C.S: Se puede y se debe porque sería una autentica locura llevarte todos los personajes a casa.
M.a.c: ¿Eres de las que solo se rodea de gente de la profesión?
C.S: No, porque he hecho tantas cosas en mi vida… que he tenido la suerte de conocer a mucha gente y hacer buenos amigos en ámbitos muy diferentes. Además, creo que es bueno para un actor rodearse de personas distintas porque cada una de ellas te aporta algo nuevo.
M.a.c: ¿Algún sueño por cumplir?
C.S: Me gustaría que hubiera trabajo para todos y que no tuviéramos que estar, constantemente, esperando que suene el teléfono.
M.a.c: ¿Cuándo podremos volver a disfrutar de tu faceta de monologuista?
C.S: En breve. Estoy escribiendo un monologo nuevo que pondré en las tablas dentro de poco. Siempre he pensado que si no tienes trabajo te lo tienes que buscar y un actor posee suficientes herramientas como para montarse su propio espectáculo.

Ángel Caballero/Mira a cámara
Después de más de diez años actuando en teatro, cine y televisión, Antonio Barroso (No digas nada, Novios, Besos de gato, Al salir de clase) asegura seguir trabajando con la misma ilusión que tenía el primer día pero con la confianza y seguridad que dan el tiempo y las tablas. Este actor madrileño de treinta y un años es el protagonista Lo siento, te quiero, el primer corto de Leticia Dolera como directora y producido por Paco Plaza, que se estrena en la Semana Internacional de Cine de Valladolid.

Mira a cámara: ¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste hablar de Lo siento, Te quiero?
Antonio Barroso: Hace tiempo. Leticia Dolera me habló de una idea bastante general sobre un proyecto que tenía en mente. Poco a poco, siguió contándome cosas acerca del corto, me preguntó si quería formar parte y acepté sin pensármelo dos veces.
M.a.c: ¿Qué fue lo primero que se te pasó por la cabeza cuando leíste el guión?
A.B: Me quedé asombrado de la capacidad que tiene Leticia para poner en pie un proyecto de este tipo. Es una idea muy original, que me enganchó desde el primer momento, y en esta profesión es muy difícil encontrar un guión que te apasione al cien por cien. Reconozco, que estoy enamorado de este corto porque es uno de los trabajos más bonitos que he hecho.
M.a.c: ¿Qué podemos esperar de este cortometraje?
A.B: Es una fábula en forma de cuento que habla de las consecuencias que tienen los actos que no hacemos desde el corazón: como afectan a las personas que nos rodean y a nosotros mismos.
M.a.c: ¿Para que actor escribirías una historia?
A.B: No sé si tengo el talento y el valor necesario para escribir un guión pero tuviera que hacerlo, lo escribiría para Leticia (Dolera) porque tiene una sensibilidad increíble, se implica al máximo en cada uno de sus trabajos, se lo facilita a los demás y, además sabe trasladar eso al terreno de la dirección.
M.a.c: ¿Un personaje que siempre has querido interpretar?
A.B: Cualquiera sacado de alguna de las películas de Clint Eastwood. Ya he perdido la cuenta de todas las veces que he visto Mystic River o El Gran Torino.
M.a.c: ¿Tu mayor fan?
A.B: Mi familia. Siempre me han apoyado en todo y están muy orgullosos aunque también son muy críticos y si ven algún trabajo mío que no les gusta me lo dicen.
M.a.c: ¿Cómo recuerdas tu primer beso delante de la cámara?
A.B: Fue con Alba Alonso en la película No digas nada. El director, Fernando Jiménez Luna, hizo que todo fluyera en un tono muy liviano y bastante divertido. En general, no me cuesta rodar escenas de sexo, de desnudos o en las que hay que besarse.
M.a.c: ¿De qué hablan los actores cuando se van a tomar unas cañas?
A.B: De muchos temas pero sobretodo de la profesión, los castings y los compañeros. Una de las primeras preguntas que nos hacemos siempre, suele ser: ¿Qué estás haciendo ahora?
M.a.c: ¿Crees en la crisis artística?
A.B: No. Pienso que en España tenemos profesionales muy preparados que están continuamente creando pero no todos pueden mostrar sus trabajos o sacarlos adelante por el momento de crisis económica que estamos atravesando.
M.a.c: ¿Cuál ha sido el momento más difícil que has vivido como actor?
A.B: La serie Al salir de clase. Fue muy complicado y por ello admiro a mis compañeros que pasaron por la serie y a los que hacen una serie diaria porque es muy difícil sacarla adelante. Son muchas horas de trabajo y esfuerzo en las que no tienes tiempo para preparar bien un personaje. Ha sido el trabajo que más me ha costado y del que estoy menos orgulloso.
M.a.c: ¿Vas más al cine o al teatro?
A.B: Al cine.
M.a.c: ¿Y cuál es la película que has visto más veces?
A.B: En su época llegué a saberme de memoria los diálogos de Belle Epoque de Fernando Trueba. Recuerdo que me gustaba mucho el tono alegre y desenfadado que tenía la película a pesar del marco histórico en el que se encontraba situada.
M.a.c: Tengo entendido que estás grabando una serie para internet…
A.B: Estamos terminado de grabar la segunda temporada. La serie se titula Con pelos en la lengua y se emitirá en breve en Telecinco.es

Ángel Caballero/Mira a cámara
De su imaginación han nacido tramas y situaciones inolvidables en series tan conocidas como: Tio Willy, Pepa y Pepe, Al salir de clase, Paco y Veva o Ellas son así. Jaime Palacios, nos descubre como funciona la mente de un guionista, los riesgos en la profesión y sus coqueteos con el mundo del teatro.

Mira a cámara: ¿Qué sientes cuando un actor cambia una de tus frases?
Jaime Palacios: Cuando el grueso de tu carrera como guionista se desarrolla en televisión, recibes un rápido y contundente baño de humildad, y aprendes a desvincularte emocionalmente y no sufrir como algo personal los cambios impuestos por la productora, por la cadena, por el productor ejecutivo, el coordinador, por el director de turno (que se siente autor esa mañana o, por el contrario, asume con desgana su funcionariado), por las prisas, las limitaciones presupuestarias… Llegados a ese punto, que los actores no quieran o, pobres, no puedan aprenderse el guión a tiempo y ofrezcan su personal y alternativa versión, es un entrañable mal menor. 
M.a.c: ¿Fue arriesgado incluir una trama abiertamente gay en una serie juvenil?
J.P: Cuando me hice cargo del argumento de Al salir de Clase, me pareció prioritario introducir un personaje gay. Quería hacerlo con naturalidad, dar a los potenciales espectadores adolescentes gays un referente positivo. Para mi sorpresa, la cadena no puso objeción alguna… siempre y cuando Santi careciese de vida afectiva o sexual. Se le permitía ser gay, siempre que no “ejerciera”. Por supuesto, cambiar eso se convirtió, ahora sí, en una cuestión personal. Fue lento, y desalentador a veces. Cada tres meses presentábamos a la cadena una biblia de tramas y, en cada una de ellas, había una historia de amor para Santi (que luego tenía que reciclar apresuradamente y “trasladársela” a otro personaje, incluso cambiarle el sexo a alguno que otro). 
Entonces, de nuevo para mi sorpresa… un buen día me aprobaron una de esas tramas. Santi ya no era homosexual sólo de nombre. Por fin era, verdaderamente, uno más de la pandilla, con el mismo derecho a enamorarse que cualquiera. Y nunca me canso de repetir la inmensa emoción que supuso constatar (a través de cartas, en los foros de internet…) que realmente sirvió para algo. Que toda una generación de chavales, desde cualquier oscuro pueblo de España, sintió por primera vez el alivio, la alegría de sentirse “normales”, de tener con quién identificarse, a quién admirar, con quién soñar.
M.a.c: ¿Cuantos guiones tienes guardados en el cajón?
J.P: Más de los que me gustaría. Proyectos que, por circunstancias diversas, no salieron adelante. De algunos te olvidas. Y con otros, te reencuentras antes  o después.
M.a.c: ¿Por qué es tan difícil mantener una serie en la parrilla?
J.P: No me lo preguntes a mí. La dictadura de las audiencias se ha descontrolado. Vivimos una especie de desenfreno histérico e implacable en el que las cadenas necesitan un resultado instantáneo. Cuesta creer que no sea rentable apostar por una serie, darle el tiempo necesario para asentarse, para encontrar su público, para fidelizarlo. La realidad demuestra que las series que se consolidaron como éxitos a largo plazo, las más longevas, esas sin las que cuesta concebir la parrilla de hoy o la historia reciente de nuestra televisión, tardaron meses, años en alcanzar ese estatus. Ninguna de ellas habría sobrevivido de haberse estrenado hoy, las retirarían a las dos, tres, cuatro semanas, previo destierro al late nigth, la madrugada del domingo o la cadena de TDT de turno.
M.a.c: ¿La mente de un guionista puede parar de crear?
J.P: A todos nos asalta el pánico a la página en blanco, una sensación de saturación, de “ya no se me ocurre nada más”. A mi padre le hace mucha gracia mi habitual ataque de pánico al hacerme cargo de un nuevo proyecto, mi recurrente “no puedo hacerlo”. Después, el momento pasa, el trabajo sale adelante, el resultado es (casi siempre) satisfactorio… Lo que nunca pasa ni se calma es la ansiedad, la sensación de que el bloqueo volverá. 
M.a.c: ¿Tienes pensado volver a dirigir teatro?
J.P: Fue una experiencia gratificante, sobre todo porque me embarqué en la aventura de la producción teatral con buenos amigos tan vírgenes como yo en ese campo. Lo poco que aprendimos fue a base de cabezazos, patadas y zancadillas. Valió la pena, cada vez que se levantaba el telón. Pero es improbable que se repita, a corto plazo.
M.a.c: ¿Un sueño por cumplir.
J.P: Me van a odiar por decir esto, pero mi vida se parece tanto a lo que había soñado de pequeño que asusta. El truco está en no acomodarse, en desear siempre un poco más, elevar el listón, apostar por un nuevo sueño. Aún me queda todo por hacer. Estoy en ello…

Ángel Caballero/Mira a cámara
Nunca estudió interpretación pero su trabajo con la compañía teatral La Cubana, le aportó lo necesario para subirse a las tablas. Con trabajos como: Cómeme el coco negro, Asesinas o 5 mujeres.com, se metió al público en el bolsillo, antes de trabajar con Almodóvar y darse a conocer en la pequeña pantalla como Rita, personaje que lleva interpretando desde hace seis años en Los hombres de Paco. Neus Sanz, afronta con el optimismo y energía que la caracteriza, un nuevo reto profesional en la obra Sexos, junto a Anabel Alonso, Adriana Ozores, Pepón Nieto y Federico Celada.

Mira a cámara: ¿Es necesario el optimismo en la carrera de una actriz?
Neus Sanz: El optimismo y la felicidad, son necesarios pero no solo para los actores, si no, para todo el mundo. Me veo como una actriz momentánea, que hace un ejercicio de optimismo diario que todos deberíamos hacer y que creo que tendrían que enseñar en las escuelas.
M.a.c: ¿A qué te refieres cuando dices que eres actriz momentánea?
N.S: Cuando era pequeña, quería ser enfermera pero de las que no pinchan. Más adelante quise ser monja y ahora me veo trabajando como actriz. No he ido nunca a una escuela de interpretación pero llevo desde los diecisiete años trabajando en esto porque un amigo pensó que tenía que entrar en la compañía de teatro La Cubana. Cuando digo que soy actriz momentánea es porque en estos momentos me gano la vida así, pero no sería menos feliz si tuviera que dedicarme a otra cosa.
M.a.c: ¿Qué te ha enseñado esta profesión?
N.S: El valor del compañerismo. He tenido la suerte de trabajar con actores como Laura Sánchez o Pepón Nieto, que son personas que te lo dan todo, sin pedirte nada a cambio. A lo largo de estos años he conocido a gente muy buena y he hecho grandes amigos como mis compañeras de La Cubana, con las que me escapo cada año para pasar mis vacaciones de verano.
M.a.c: Después de seis años en Los hombres de Paco, ¿Cómo haces para que tu personaje siga resultando novedoso e interesante para el público?
N.S: No es un mérito mío. Es el resultado del fantástico trabajo que realiza el equipo de guionistas que tenemos en la serie y el público, que sin ser conscientes, son los que deciden que sigamos estando ahí una semana más.
M.a.c: ¿Cómo son los personajes que te hacen soñar?
N.S: Disfruto mucho, con los malos que le dan a la peli un giro inesperado, sorprendiendo y provocando interés en el espectador. También me gusta mucho Rita, mi personaje en Los hombres de Paco, aunque ella es un trozo de pan y se la ve venir a una legua.
M.a.c: Acabas de volver al teatro, después de muchos años. ¿Qué te ha animado a aceptar este proyecto?
N.S: El culpable de todo esto es Pepón Nieto. Me insistió mucho en que yo tenía que estar en esta obra y, como nos queremos tanto y se puso muy pesado, acepté sin leer el guión.
M.a.c: Y una vez con el guión leído… ¿Cómo elaboraste el personaje?        
N.S: Con la ayuda de Pep Antón y de mis compañeros de reparto. Además tengo un personaje muy agradecido con el que me lo paso genial, y eso te ayuda mucho para jugarlo.
M.a.c: ¿Eres perezosa para estudiar un guión?
N.S: Mucho. Este año solo he tenido nueve días de vacaciones en los que me he ido de viaje y me llevé el guión de la obra para estudiármela, cada vez que lo abría para empezar… a los diez minutos acababa cerrándolo. Me cuesta mucho ponerme a estudiar algo con semanas de antelación porque me parece una pérdida de tiempo, así que, no empiezo hasta un día u horas antes de empezar a rodar, cuando ya no tengo más remedio.
M.a.c: ¿Añoras los personajes extremos como los que interpretabas en La Cubana?
N.S: Me he criado en La Cubana, es una época de mi vida que ya pasó pero guardo unos recuerdos maravillosos y cada vez que hago algún personaje, intento acordarme y rescatar las cosas que aprendí con ellos.
M.a.c: ¿Cómo fue tu primer encuentro con la cámara?
N.S: Fue en Barcelona y era muy jovencita, tenía diecisiete años. Recuerdo que me parecía todo muy extraño, curioso y nuevo. Lo primero que hice fue en un programa, Els Grau, y luego llegó Teresines S.A, una serie de trece capítulos. Parece ser, que resultó bien porque me acabó gustando más, trabajar en la tele que en el teatro.
M.a.c: ¿Has aprendido más de la tele o del teatro?
N.S: Con La Cubana se aprende mucho y en televisión, si tienes buenos directores, técnicos que te dicen trucos, y compañeros de reparto, también. Lo más importante son las ganas que uno tenga de aprender, porque si quieres aprender… aprendes.
M.a.c: ¿Cuál es el personaje con el que más te has encariñado?
N.S: Son dos: Celsa, fue mi primer personaje en una obra titulada Parejas de baile y Rita, de Los hombres de Paco.
M.a.c: ¿Te gustaría dirigir?
N.S: Pienso que hay que ser muy valiente y no me considero tan sabia como para dirigir. Sé cuándo me ha gustado una interpretación y cuando no, pero no me veo diciéndole a ningún compañero lo que tiene que hacer.
M.a.c: ¿Qué tienen que hacer las personas que quieran verte?
N.S: Venir a ver Sexos al teatro La Latina y después nos iremos de gira por España. Y el día trece de octubre empezamos a grabar la nueva temporada de Los hombres de Paco, que viene cargada de sorpresas.

Ángel Caballer/Mira a cámara
Muchos lo reconocerán por sus trabajos en series de televisión como Plaza Alta, Yo soy Bea o Física o Química. Pero pocos conocen su faceta como director, productor y actor de doblaje que ha prestado su voz a personajes tan importantes como Ryan O´neal. José Manuel Seda (Sevilla, 10/08/68) ha participado en más de quince montajes teatrales y en estos momentos se encuentra de gira por España con la obra La fierecilla domada que protagoniza junto a Alexandra Jiménez.

Mira a cámara: Después de años sin parar de trabajar, ¿Qué te queda por hacer?
José Manuel Seda: Todo. Estoy muy satisfecho de mi último trabajo en teatro, La fierecilla domada, pero mi gran personaje aun está por llegar. Y seguramente, cuando lo haga pensaré que es el próximo y no es por insatisfacción, si no, porque esta, es una profesión que te provoca hambre de seguir trabajando y probando cosas distintas.
M.a.c: ¿Se aprende más delante o detrás de la cámara?
J.M.S: En los dos sitios. Pienso, que los actores que nos ponemos detrás de la cámara tenemos que ser mucho más respetuoso con el que está delante para evitar dirigirlo como lo harías tú como actor.
M.a.c: ¿Tu faceta en la dirección te ha facilitado el trabajo como actor?
J.M.S: Mucho. Sobretodo en el trabajo con la cámara porque sé lo que se está haciendo en cada momento. He aprendido a controlar el eje, como tengo que colocarme, me hago una idea de cómo van a ir montados los planos… es interesante conocer estas cosas para facilitarte tu trabajo como actor y facilitarle el trabajo a los técnicos.
M.a.c: Has trabajado haciendo doblaje… ¿Qué has aprendido de ese mundo?
J.M.S: Soy andaluz y una de las cosas en las que me ayudó el doblaje fue a familiarizarme con la dicción castellana. También me enseñó a trabajar un texto con más rapidez, y siendo consciente donde están los puntos, las comas, cuando tienes que hacer las respiraciones… Es fundamental el trabajo de voz para un actor, sobretodo en teatro. Veo a muchos actores jóvenes que les dan más importancia al naturalismo que a la dicción y luego no se les entiende porque no vocalizan.
M.a.c: Últimamente, se valora mucho la naturalidad en un actor, ¿Cómo se consigue esa famosa “naturalidad”
J.M.S: Para mí, ser natural es estar conectado con uno mismo y cuando esto ocurre no es necesario impostar nada. Luego hay que tener claro lo que el personaje quiere contar, el conflicto que hay en la secuencia que vas a rodar y, sobretodo, escuchar a tu compañero.
M.a.c: Te confieso que para documentarme sobre tu trabajo, he sacado mucha información de tu página web. ¿Cómo surgió la idea de crear este espacio en internet?
J.M.S: Fue gracias a Ana y Laura, dos amigas maravillosas que me plantearon la posibilidad de crear una web. A mí nunca se me había ocurrido y me pareció una idea interesante. Además, en estos tiempos, todo lo que hagas para promocionar tu trabajo es poco.
M.a.c: ¿Cuánto tiempo empleas en preparar un personaje?
J.M.S: Depende del proyecto, cuando me llega un guión lo primero que hago es leérmelo y empiezo a imaginar cómo se mueve el personaje, su forma de hablar, cuáles son sus prioridades… Luego, escribo unas líneas sobre el personaje con las conclusiones que he sacado y por último, si puedo, hablo con el director y pactamos antecedentes y objetivos.
M.a.c: ¿Qué hace que una interpretación sea brillante?
J.M.S: Cada vez, hay menos artistas y más actores preocupados en dar un resultado, en lugar de investigar en el proceso que hay que llevar a cabo para obtenerlo. Los momentos brillantes de una interpretación nacen cuando no controlas al personaje porque los llenan de vida y verdad.
M.a.c: ¿Cuál es el personaje con el que más has llorado?
J.M.S: El primero que hice profesionalmente, Doña Rosita la soltera de Lorca. Los primeros personajes que trabajé en teatro han sido los más difíciles porque estaba empezando y en el teatro siempre estás desnudo y te sientes más vulnerable.
M.a.c: ¿Es más duro grabar una serie diaria o subirse a un escenario todas las noches?
J.M.S: Hacer una serie diaria es muy duro y te acaba dejando sin tiempo para ti. En el teatro, tienes más tiempo, pero te pasas todo el día con la energía puesta en la función de la noche. Y si haces las dos cosas a la vez… acabas sin aliento.
M.a.c: ¿Qué es lo que más te asusta de esta profesión?
J.M.S: No sabría decirte porque han sido muchos años juzgándome, pensando que no estaba a la altura, que no servía para dedicarme a esto… Ahora, intento disfrutar cada momento al máximo y no tengo miedo, cuando vengan los problemas iré resolviéndolos como pueda.
M.a.c: ¿Hay que saber confiar en uno mismo?
J.M.S: Es esencial porque esta es una profesión en la que estás siendo juzgado en todo momento, desde que empiezas en la escuela, pasando por los compañeros de profesión y acabando por el público. No puedes estar todo el tiempo pendiente de lo que piensan de ti porque acabas amargándote, por eso, tenemos que ser honestos y confiar en nosotros mismos.

Ángel Caballero/Mira a cámara
Hace algunos años que Verónica Larios (Granada) decidió dar un giro a su vida al marcharse de España para hacer realidad su sueño de ser actriz. Consciente de la importancia de la formación en la carrera de un actor, estudió con profesores de la talla de John Strasberg, José Carlos Plaza o Victor G. León. En estos momentos se encuentra de gira por España con la obra Chat.

Mira a cámara: Realizaste la mayoría de tu formación fuera de España… ¿Qué te llevó a tomar esta decisión?
Verónica Larios: Trabajaba en Barcelona, en algo que no tenía nada que ver con la interpretación cuando decidí ir dos meses a Méjico para visitar a una amiga. Los dos meses se convirtieron en dos años en los que comencé a formarme en la escuela de Luis Felipe Tobar. Luego me fui a Nueva York donde estudié con John Strasberg.
M.a.c: ¿Es muy diferente la formación que se recibe fuera de España?
V.L: Es distinta. No tanto por las escuelas, como por los alumnos que dedican las veinticuatro horas del día a formarse y eso, luego se nota.
M.a.c: ¿Qué te enseñaron esos compañeros?
V.L: A tener disciplina. Ellos aunque no tengan trabajo siempre están formándose en distintos campos artísticos, no solo en la interpretación. Creo que en ese aspecto, nosotros somos más relajados.
M.a.c: ¿Llevas a cabo una formación continua?
V.L: Es imprescindible porque se te presenta una prueba y tienes que estar preparado como si fuera el primer día de rodaje. He aprendido mucho de los cursos monográficos que he hecho con Ramón Salazar o con Víctor G. León en La Central de cine.
M.a.c: ¿Ayuda estar en buena forma física?
V.L: Mucho. Yo llevaba años haciendo ballet clásico y contemporáneo, y ahora me he aficionado al flamenco que me gusta mucho porque te da una presencia, fuerza y peso que luego puedes aprovechar en el teatro.
M.a.c: ¿De quién has aprendido más?
V.L: De profesores como José Carlos Plaza, compañeros como Celia Rivas y sobre todo, de la experiencia propia y del día a día.
M.a.c: Tu nivel de implicación en un proyecto, ¿es siempre el mismo?
V.L: Sí, ya sea para una prueba, un episódico o una obra de teatro. Hay que enamorarse de cada personaje para poder defenderlo al máximo.
M.a.c: ¿Cómo te enamoras un personaje?
V.L: Lo primero que hago es leerme varias veces el texto para fijar antecedentes y objetivos. Luego, juego a improvisar con el personaje para que tenga vida propia y finalmente, le pido a algún amigo de confianza que lo supervise.
M.a.c: ¿Qué crees que puedes aportar al cine español?
V.L: Todos los que nos dedicamos a este mundo tenemos algo que aportar.  Lo más importante es ser auténticos, implicarse al máximo y saber que quieres contar.
M.a.c: En esta profesión… ¿Hay más aliados o enemigos?
V.L: Por ahora, he tenido suerte de encontrar muchos más aliados. Soy consciente de que aun me queda mucho camino por recorrer, que somos muchos en esta profesión, todos queremos trabajar y no siempre es fácil ayudarse los unos a los otros pero, por ahora, toco madera.
M.a.c: Si no fueras actriz… ¿A qué te dedicarías?
V.L: Me he planteado esta pregunta muchas veces y tengo que reconocerte que aun no tengo respuesta. No quiero tener que dedicarme a otra cosa y no sé qué sería de mí, si no me levantara cada día para luchar por esto.
M.a.c: ¿Dónde podemos encontrarte?
V.L: Ahora estoy de gira con una obra de teatro titulada Chat. El argumento gira en torno a un grupo de personas enganchadas al chat, a las que les cambia la vida cuando se conocen entre sí. También hay un proyecto, escrito por Javier Laguna del que aún no puedo hablar mucho.

Ángel Caballero/Mira a cámara
Con motivo del aniversario de la muerte de Paquirri, Telecinco emitirá una Tv movie sobre su vida, dirigida por Salvador Calvo. El biopic, está compuesto por dos capítulos y protagonizado por Antonio Velázquez (Granada, 06/12/81) que vuelve a mirar a cámara para hablar de este nuevo proyecto que supondrá un antes y un después en su carrera.

 
Mira a cámara: ¿Cómo preparaste el personaje de Paquirri?
Antonio Velázquez: Lo primero que hice fue documentarme. Salvador Calvo, el director, me ayudó mucho porque me proporcionó videos, artículos de prensa y un dossier sobre la personalidad y creación del personaje de Paco. Y luego, tuvimos la suerte de tener tres semanas de ensayos, a jornada completa con apenas tiempo para parar a comer.
M.a.c: ¿Te ayudó el proceso de caracterización?
A.V: Sí, de hecho fui al casting con lentillas verdes porque si me miraba al espejo y no me veía los ojos de ese color, no me sentía como Paquirri.
M.a.c: ¿Aprendiste a torear?
A.V: Tuve la suerte de tener a mi lado, en todo momento, a José Antonio Canales con el que hice un entrenamiento durísimo. La productora nos trasladó a Barbate durante una semana en la que Canales me enseñó a torear y a conocer el mundo del toreo.
M.a.c: ¿Qué tiene de especial para ti este personaje?
A.V: Era una persona constante, vital y con un afán por ser el número uno, que le hacía único. Paquirri siempre luchó por ser el mejor y eso es admirable. Además fue un personaje dentro y fuera de las plazas. Fuera, por los dos matrimonios que tuvo y dentro era conocido como El Tremendista, porque tenía una forma de torear que era única en aquel momento. Tengo que reconocer que es uno de los personajes más bonitos que he interpretado.
M.a.c: ¿Es un riesgo interpretar a un personaje que está tan cercano, en la memoria de la gente?
A.V: Es difícil, porque es una figura del toreo que aún está muy presente. Pero hay que conseguir dejar a un lado el fantasma de Paquirri y luchar por defender al personaje sin caer en lo obvio o en el cliqué, para obtener un trabajo que sea tuyo.
M.a.c: ¿Qué sentiste al ponerte delante del toro?
A.V: La verdad, es que en algunos momentos llegué a pasar miedo. Acompañé a Canales a muchos tentaderos y corridas e incluso llegué a verlas desde el callejón. Dicen que desde el callejón la vida se ve de otra manera… y es totalmente cierto.
M.a.c: ¿Qué se siente al llevar el traje de luces?
A.V: Es un traje muy incomodo y, al principio, me costaba mucho moverme con él. Pero luego, te das cuenta de que todo lo que lleva el traje tiene un significado y una importancia.
M.a.c: ¿Qué te ha enseñado Paquirri?
A.V: Que si eres perseverante, constante y luchas por lo que quieres… al final, puedes conseguirlo. Paquirri, se dejó la piel en ser en mejor torero, y yo, he intentado dejarme la piel interpretando a Paquirri.
M.a.c: ¿Cómo te preparaste para el casting?
A.V: Fue un casting duro porque fueron cuatro pruebas. Me informé, todo lo que pude sobre Paquirri, y no sé por qué pero desde primera hora, tenía la confianza de que podía interpretar a este personaje.
M.a.c: ¿Qué fue lo primero que hiciste cuando te dijeron que el papel era tuyo?
A.V: La primera llamada que recibí fue de mi representante. Luego, me llamó Antonio Hernández, el guionista y después Salvador Calvo, con quién me fui a celebrarlo.

Ángel Caballero/Mira a cámara
Después de trabajar durante años en los escenarios, Rosa Buendía, ha sabido trasladar la disciplina, el riesgo y la profesionalidad que aportan las tablas, a su nueva etapa en series de televisión como: Quédate conmigo, Yo soy Bea y más recientemente en Estados Alterados Maitena, donde daba vida a la alocada prima del personaje que interpreta Pepa Rus. Ahora, espera dar el salto a la gran pantalla y sueña con poder trabajar, algún día, con Pedro Almodóvar.

Mira a cámara: ¿Cuándo acaba la formación de un actor?
Rosa Buendía: Nunca. Todos aprendemos algo nuevo, cada día, en nuestro trabajo y si tienes un parón siempre es interesante hacerse cursos en diferentes escuelas para seguir formándote y conocer nuevos métodos con los que trabajar.
M.a.c: Y fuera de la escuela… ¿Cómo se puede complementar la formación?
R.B: Estamos en un momento en el que los musicales están a la orden del día, asistir a clases de canto o danza, puede ser un buen complemento.
M.a.c: ¿Es necesario conocerse a fondo para ser un buen actor?
R.B: Es vital, para saber hasta donde puedes llegar y, así, poder destacar tus cualidades como actor.
M.a.c: ¿Quién te dio tu primera oportunidad?
R.B: Gina Piccirilly, con la que hice varios espectáculos y que me enseñó todo lo que sé sobre el mundo del teatro.
M.a.c: Recientemente, te hemos visto en Estados Alterados, Maitena… ¿Qué has aprendido de tu paso por la serie?
R.B: Muchas cosas pero, sobre todo, a tener seguridad y confianza en mí misma.
M.a.c: ¿Cómo elaboraste el personaje?
R.B: Ya conocía la serie y sabía el estilo tan personal que tenía, así que me limité a respetarlo. Luego con ayuda de peluquería y vestuario, me tiré a la piscina y comencé a jugarlo, y sobre todo, a disfrutarlo. Fue fácil interpretar a Janet, porque era un personaje que estaba muy bien escrito y era muy cómico, que es un registro que manejo bastante bien.
M.a.c: ¿Qué tal con los compañeros?
R.B: Muy bien, había muy buen rollo, me ayudaron mucho y me hicieron sentirme muy cómoda. A Eva Lesmes, Elena Octavia y a Pepa Rus, que interpretaba a mi prima, ya las conocía porque habíamos coincidido en un curso de la Central de Cine, por lo que me sentí como en casa.
M.a.c: ¿Algún reto profesional?
R.B: Me gustaría que me dieran la oportunidad de interpretar un papel dramático. Creo que ya he demostrado, varias veces, que se me da bien la comedia pero no es lo único que sé hacer.
M.a.c: ¿Con quién te gustaría llegar a trabajar?
R.B: Con Almodóvar. Ojalá lea esta entrevista y me llame porque ya me han comentado, algunas personas, que sería una buena chica Almodóvar.
M.a.c: ¿Por qué crees que dicen eso?
R.B: Supongo que será porque el estilo y el ritmo que tengo, a la hora de trabajar, es parecido al suyo.
M.a.c: ¿Quién ha sido la persona que más ha confiado en ti?
R.B: Por ahora, Eva Lesmes. Me ha dado mi primera gran oportunidad en televisión y me descubrió todo lo que me podía aportar el mundo del cine.
M.a.c: ¿Recuerdas cual ha sido tu peor casting?
R.B: No lo olvidaré jamás. Fue la primera prueba que hice y estaba muy nerviosa. Era para un programa que buscaban reporteras. Espero que no lo cuelguen en Youtube o en algún sitio de internet.

Ángel Caballero/Mira a cámara
Aunque ha escrito y dirigido varias obras teatrales, Juan Carlos Rubio (Montilla, Córdoba) se enfrenta a una nueva experiencia profesional dirigiendo, por primera vez, un texto de otro autor. El pez gordo, ya ha llegado al teatro Arenal de Madrid con un reparto formado por Toni Cantó, Helio Pedregal y Bernabé Rico, con el que Rubio, ya trabajó en Humo. El director teatral y guionista de películas como Retorno a Hansala o El Calentito, comenzará en breve la producción de su próxima obra con Kiti Mánver, Nuria González, Aurora Sánchez y Octavi Pujades como protagonistas.

 
Mira a cámara: Tengo entendido que es la primera vez que diriges una obra con un texto de otro autor, ¿Cómo ha resultado la experiencia?
Juan Carlos Rubio: Ha sido diferente porque yo llegué a la dirección a través de mis obras. Dirigir un texto ajeno es un reto pero también te permite estar más relajado, solo tienes que asumir y entender el punto de vista del autor. De hecho, he tenido varias conversaciones con el autor en las que hemos hablado de la obra y de lo que quería contar con ella.
M.a.c: ¿Crees que eres más objetivo cuando no diriges una obra tuya?
J.C.R: Siempre he pensado que los que nos dedicamos a esta profesión nunca podemos ser objetivos con nuestro trabajo. Lo que me resulta más interesante de El pez gordo, es poder aparcar al autor y disfrutar como director de lo que proponen los actores.
M.a.c: ¿Qué proyectos tienes ahora sobre la mesa?
J.C.R: Estoy con un montaje que ya estrené en Costa Rica, Puerto Rico, Miami y Chile. Se titula Tres, es una comedia sin mensaje en la que reivindico el género.  El reparto está formado por Aurora Sánchez, Octavi Pujades, Kiti Mánver y Nuria González… son unos actores increíbles.
M.a.c: ¿Tienes actores fetiche?
J.C.R: No, lo que pasa es que he tenido la suerte de tropezar con actores muy buenos. Cuando trabajas varias veces con un  buen actor y ya lo conoces, puedes pedirle muchas más cosas porque se crea un lenguaje compartido que aporta bastante confianza. He trabajado con grandes actores pero también me gusta conocer a otros nuevos, como ha sido el caso de: Toni Cantó, Nuria González o Helio Pedregal.
M.a.c: ¿Cómo es el proceso de selección de los actores con los que trabajas?
J.C.R: En el caso de Humo, por ejemplo, fue Juan Luis Galiardo el que me seleccionó a mí para dirigir la obra.  Evidentemente, a una pedazo de actriz como Kiti Mánver no le vas a hacer un casting porque todos conocemos de sobra su trabajo. Faltaba por escoger a la pareja joven, y yo propuse a Bernabé Rico para el casting porque ya había trabajado con él. De todos los actores que vi él fue el que más me gustó y finalmente lo hizo.
M.a.c: ¿Te animarías a embarcarte en una novela?
J.C.R: No, porque a mí me gusta escribir textos para que sean representados por un actor ya sea en cine, teatro o televisión. Una novela es un soporte diferente que, a día de hoy, no me llama la atención porque me gusta trabajar con actores.
M.a.c: ¿Sobre qué personaje te gustaría escribir una obra de teatro?
J.C.R: Pues precisamente, tengo un proyecto de teatro sobre Pau Casals.
M.a.c: ¿Te pondrías detrás de la cámara para dirigir una película?
J.C.R: No lo descarto, pero por ahora no. Me gusta mucho escribir y creo que aun tengo muchas cosas que contar. Dirigir cine requiere mucho esfuerzo y una gran cantidad de tiempo del que no dispongo.
M.a.c: ¿Dónde nacen los personajes?
J.C.R: En los ensayos porque es donde se plantan las bases de lo que el espectador va a ver después. Disfruto mucho con el proceso de ensayos porque son como una montaña rusa emocional donde cada día experimentas y pruebas cosas distintas.
M.a.c: ¿Qué es lo peor que le has dicho a un actor?
J.C.R: Nunca le he dicho nada malo a un actor. Me gusta obtener lo que quiero de los actores desde el apoyo y el cariño. El primer día de trabajo, siempre les digo: Yo me tengo que enamorar de vosotros y vosotros de mí, para que de ese polvo nazca este niño.
M.a.c: Tus obras se caracterizan por hacer comedia de los momentos dramáticos…
J.C.R: Veo mi vida como una comedia con gotas de drama. Soy consciente de que no todo el mundo comparte mi género pero es como yo veo mi vida y, así, lo intento reflejar en mis obras.

Eduardo Blanco, Silvia Marsó, Alberto Jiménez y Claudia Fontán encabezan el reparto de Pájaros muertos, una película lo más “rara y distinta posible”,  según sus directores Jorge y Guillermo Sempere.
La acción se desarrolla en una urbanización, Los Pájaros, donde la muerte de varias aves rompe la tranquilidad del vecindario formado por familias adineradas.
El guión, firmado por Gorka Esteban y Gisela Benenzon, es, a juicio de los directores, una pieza ”fuera de lo habitual” en el cine español. 

En Mira a cámara nos hemos hecho eco de algunas noticias relacionadas con personajes que han colaborado con nosotros como es el caso de: Sergio Mur, que se ha puesto a las órdenes de Colomo para rodar la TV movie “El pacto” inspirada en un caso real. Telecinco prepara esta insólita y controvertida historia que narra la iniciativa de siete adolescentes que deciden quedarse embarazadas a la vez. Antes del estreno de ésta podremos ver, en la misma cadena el biopic sobre la vida del torero Paquirri que estará protagonizada por Antonio Velázquez y María Ruiz. Por su parte Antena 3, ha finalizado el rodaje de la mini-serie basada en la novela homónima de la periodista y escritora Reyes Monforte, “Un burka por amor”. Olivia Molina, protagonizará dicho filme que contará con el guión adaptado de David Planell. La televisiva Pepa Rus, da el salto a la gran pantalla con el filme “La Mula” , Pablo Puyol rueda “Bad People” y Macarena Gómez finaliza en Buenos Aires, el rodaje de “Carne de neón”, la segunda incursión en el cine, como director, de Paco Cabezas. Estos días se estrena Gordos, la nueva película de Daniel Sánchez Arévalo en la que intervienen los camaleónicos Raúl Arévalo y Roberto Enríquez. Otro que está de estreno es Bernabé Rico que acaba de aterrizar en el teatro Arenal de Madrid con la obra El Pez Gordo, dirigida por Juan Carlos Rubio.

Desde Mira a cámara, os deseamos mucha suerte con estos nuevos proyectos y esperamos volver a coincidir pronto.

Ángel Caballero/ Mira a cámara
Una de las cosas que más le gusta a Álex González (13/08/80, Madrid) de la profesión del actor es el aprendizaje continuo que le aporta el investigar sobre sus personajes. Es difícil no aprender algo cuando trabajas con profesionales de la talla de Alfredo Landa, Daniel Cebrián, Belén Macías o Javier Cámara. Actualmente atraviesa una buena etapa profesional: compagina su trabajo en la serie La Señora con el rodaje de La Lujuria, la nueva miniserie de Daniel Calparsoro.

Mira a cámara: ¿Cómo te preparas para abordar un personaje?
Álex González: Hace poco, pensaba en la primera vez que me hicieron esta pregunta, fue mientras rodaba Segundo asalto, y recuerdo que no supe contestar, cuando es uno de los personajes que más he trabajado. Preparo cada uno de mis personajes de una manera distinta, los suelo trabajar con Fernando Piernas y normalmente empezamos trabajando el comportamiento físico para llegar al estado mental y emocional del personaje.
M.a.c: ¿Sueles investigar sobre tus personajes?
A.G: Si tengo tiempo, sí. Aparte del guión y la biblia de tu personaje es interesante hacer un trabajo de investigación porque es un campo que te puede aportar una infinidad de información. También influye mucho el tiempo que tengas porque en televisión, por ejemplo, todo va muy rápido y muchas veces nos conformamos con hacer lo que ya sabemos que funciona.
M.a.c: ¿Cuál es el personaje que más te ha costado interpretar?
A.G: Solía pensar que era Ángel, el que interpreté en Segundo asalto, porque me tuve que preparar física y mentalmente. Tocaba muchas cosas de mi vida en las que me costaba profundizar. Ahora creo que el más difícil ha sido el de la serie Lex, porque no tenía nada que ver conmigo y me hizo descubrir una parte de mí que desconocía.
M.a.c: Has trabajado en otras profesiones que no tienen nada que ver con el mundo de la interpretación, ¿Qué tiene la profesión del actor que no te aportan las demás?
A.G: Pienso que todas las profesiones son maravillosas, siempre y cuando la elijas tú. Como actor, aprendo cosas continuamente. Yo siempre pensé que era un mal estudiante y ahora he descubierto que no es así. Me encanta estudiar pero cuando son temas relacionados con los personajes que hago o con mi profesión.
M.a.c: De los compañeros con los que has trabajado, ¿Cuáles han sido los que más te han aportado?
A.G: Todos te aportan algo en algún sentido, lo malo es cuando crees que lo sabes todo. Aprendí mucho de Daniel Cebrian, Jorge Perugorría, Alberto Ferreiro… son muchos para enumerarlos. Es muy emocionante cuando trabajas con actores de toda la vida como Alfredo Landa, que ha viajado tanto, conocido a mucha gente…es como abrir una enciclopedia de la que nunca terminas de aprender. Javier Cámara es otra de las personas más interesantes que he conocido. Es un actor muy inteligente, intuitivo y con un nivel cultural altísimo por lo que es horrible jugar con él al trivial…Tiene tanto talento que podría dedicarse a lo que quisiera.
M.a.c: Los estrenos y las fiestas… ¿Son parte del trabajo del actor?
A.G: Pienso que no. Evidentemente, si vas a estrenos, festivales y este tipo de cosas, conoces a mucha gente y te puede salir algún trabajo. Aunque, creo que eso no debería ser así, porque para algo están los castings.
M.a.c: ¿Cuál es tu idea de un día perfecto?
A.G: Despertarme en Formentera, ir a la taberna del pueblo, comprar un pan recién hecho y restregarle un par de tomates. Luego, me iría a alguna cala y disfrutaría de la playa y de la compañía de mis amigos.
M.a.c: ¿Cómo llenas los tiempos muertos que hay en las horas de rodaje?
A.G: Estoy intentando reeducarme, para aprender a concentrarme porque soy un poco hiperactivo y me paso el tiempo hablando con el equipo, bebiendo coca cola y comiendo bocadillos del catering. Por eso, estoy aprendiendo a hacer ejercicios de respiración y concentración para no estar disperso a la hora de rodar la secuencia.
M.a.c: ¿Quién es la persona que más ha confiado en ti?
A.G: Han sido dos: Luis San Narciso y Daniel Cebrián.
M.a.c: ¿Cómo defiendes un texto que no termina de convencerte?
A.G: Siempre intento hablar con el director y cuando, por algún motivo no puedo, me hago un monólogo interno antes de llegar a la frase que me cuesta decir y así, darle un sentido.
M.a.c: Acabas de aterrizar en La Señora…
A.G: Sí y te puedo decir que estoy encantado. Es un autentico lujo trabajar con esos guiones, esa iluminación y profesionales como Belén Macías, Jorge Torregosa o Salvador García Ruíz.

Estamos ante una obra ácida, irónica, mordaz pero profundamente reflexiva sobre los tiempos que vivimos. Para pescar a “El pez gordo” nos sumergiremos en un mar de entretenimiento donde nos reiremos, y también nos dará que pensar, sobre el trabajo, la amistad, la religión, la familia… en definitiva, sobre la vida misma. Una auténtica sesión de psicoanálisis teatral no apta para espectadores con problemas cardíacos.

Bajo la eficaz dirección de Juan Carlos Rubio, Toni Cantó, Helio Pedregal y Bernabé Rico protagonizan la deliciosa comedia de Roger Rueff. El éxito de El pez gordo radica en la universalidad de los temas que trata: la conciliación del triunfo laboral con la honestidad, del deber profesional con la sinceridad personal…

VENTA DE ENTRADAS

Ángel Caballero/Mira a cámara
Se fue muy joven de su casa para instalarse en Madrid y formarse como actor. Aunque añora la libertad y falta de presión de la que se beneficiaba ganándose la vida como monologuista, Álex García (14/11/81 La Laguna, Tenerife) disfruta con todas las oportunidades que se le están abriendo a su paso. En estos momentos, compagina la grabación de dos series de televisión, tiene pendiente el estreno de su primera película y un proyecto de teatro.

 
Mira a cámara: ¿A qué edad te fuiste de casa para ser actor?
Álex García: A los 17 años. Desde muy joven, ya tenía claro que quería ser actor y cuando llegué a Madrid me reafirmé en mi decisión.
M.a.c: ¿Cómo son los personajes con los que más disfrutas?
A.G: Me suelen gustar los que están más alejados a mí porque te enseñan a ver la vida desde otro punto de vista y descubres muchas cosas que están en ti y que no sabías que tenías.
M.a.c: ¿Te consideras un actor competitivo?
A.G: Para nada. Me siento muy alejado de esa competitividad que hay en los castings e incluso en el trabajo. Pienso, que es un ansia de protagonismo que no va con mi carácter. Prefiero disfrutar trabajando con mis compañeros.
M.a.c: ¿Se puede vivir de los monólogos?
A.G: Si te lo curras bien, puedes hacerte un buen circuito y salir adelante con eso. Lo que más añoro de esa etapa de mi vida, que espero retomar algún día, es la libertad y falta de presión con la que se trabaja.
M.a.c: ¿Te sueles buscar en internet?
A.G: No. Alguna vez he buscado algo por curiosidad, pero no me entero de casi nada de lo que hay por internet, y casi que lo prefiero…
M.a.c: ¿Vas mucho al cine?
A.G: Me gusta mucho, pero últimamente no puedo ir tanto como quisiera. Hace poco vi, Déjame entrar, en los Cines Verdi… me gustó y me sorprendió mucho.
M.a.c: ¿Y en DVD?
A.G: Sobretodo tengo clásicos de los 60 y 70, que había visto, siendo un niño, en la tele y ya no recordaba.
M.a.c: Y de esa colección… ¿hay alguna que te guste especialmente?
A.G: Hay varias de Marlon Brando, como El Novato. También me gusta mucho el trabajo de Brad Davis en El expreso de medianoche.
M.a.c: ¿Crees que el actor es un exhibicionista?
A.G: Esta claro, que tiene un punto de exhibicionismo que algunos, incluso, lo usan para mezclar la vida personal con la ficción. Hay otros actores que son muy tímidos y se comunican mejor mediante la interpretación.
M.a.c: ¿Eres tímido?
A.G: Al principio, sí. Luego, cuando cojo confianza, me vuelvo más atrevido.
M.a.c: ¿Te gustan las entrevistas?
A.G: Depende de las preguntas.
M.a.c: Acabas de rodar tu primera película… ¿Qué tal la experiencia?
A.G: Muy buena. Se titula Entre esquelas y la presentamos en el pasado Festival de Málaga. Ha sido una experiencia inolvidable porque es mi primera película, el primer protagonista y la primera peli del director. No es una película comercial y está enfocada a un público muy concreto. Imagino que la fecha del estreno dependerá de la trayectoria que tenga por los festivales.
M.a.c: Ahora, estas compaginando la grabación de dos series… ¿Muy duro?
A.G: Sí, estoy con la grabación de Amar en tiempos revueltos y la tercera temporada de Sin tetas no hay paraíso. Esta siendo complicado por fechas y horarios pero es toda una experiencia. Además, también estoy con una obra de teatro, Otello de La Chanza Teatro, con la que ya estuvimos actuando en Moncloa.

Ángel Caballero/Mira a cámara
Muchos reconocerán su rostro gracias a la serie El internado. Lo que algunos no saben es que detrás de Amelia, el personaje que interpreta en la serie, está Marta Hazas (Santander, 31/12/77 ), una actriz que disfruta en la piel de los personajes para soñar y vivir historias que nunca le sucederán a ella.

Mira a cámara: ¿Cómo se vive en un internado?
Marta Hazas: En éste, bastante bien. Suena a tópico pero, lo cierto, es que nos llevamos todos muy bien y pasamos muy buenos momentos.
M.a.c: Tu personaje ha adquirido importancia conforme ha avanzado la serie. ¿Cómo has vivido esa evolución?
M.H: He tenido mucha suerte y les estoy muy agradecida a los guionistas porque me han escrito un personaje más grande y lleno de matices. Estoy contenta porque parece que al público le gusta mi trabajo y eso es lo más importante.
M.a.c: Cuando estás rodando… ¿piensas en el resultado de tu trabajo?
M.H: No, me concentro en disfrutar y pasármelo bien en la secuencia para que nazcan momentos de autenticad y verdad. Dentro de que hay que respetar unas normas técnicas, a mi me gusta arriesgarme y ponerle corazón al personaje porque de lo contrario no llega a la gente.
M.a.c: ¿Es necesario para un actor saber promocionarse?
M.H: Es parte del trabajo. Hay que de enviar videobooks para que tu material llegue al mayor público posible y eso hay que publicitarlo y promocionarlo.
M.a.c: ¿Qué piensas cuando te ves en las revistas?
M.H: Depende de las revistas. Que te saquen por la calle paseando, no me parece que sea bueno para mi trabajo. Creo que es más interesante dejarte ver apoyando un festival de cine o en algún estreno de cine o teatro.
M.a.c: ¿Es importante para esta profesión tener una buena dosis de humildad?
M.H: Sí, porque al fin y al cabo los actores somos como cualquier persona, la única diferencia es que salimos por la tele.
M.a.c: ¿Te has vuelto más exigente a la hora de decidir participar en un proyecto?
M.H: Hay que saber encontrar el término medio. Antes me apuntaba a un bombardeo y hacía cualquier casting. En el momento en el que estamos, tampoco podemos ponernos estupendos y tenemos que hacer cosas que no tienen la calidad que nos gustaría porque hay que trabajar.
M.a.c: ¿Hablamos de la famosa leyenda de la rivalidad entre actrices?
M.H: No me imagino a nadie en la puerta del teatro, esperándome para quedarse con mi papel como en Eva al desnudo. (Risas) Sí, he conocido gente que está continuamente enfadada con los compañeros y los trabajos que les dan, pero afortunadamente, todavía, no me tocado trabajar con alguien así. No creo en las rivalidades, pienso que las cosas están para ti o no lo están.
M.a.c: Lo mejor de esta profesión es…
M.H: Meterte en la piel de los personajes, con otras vidas e historias que a ti nunca te sucederán. También, me gusta ver a dos actores distintos interpretando el mismo personaje. Es algo mágico ver como cada uno de ellos, desde su propia creatividad, le aporta al personaje algo completamente distinto.
M.a.c: ¿Qué podemos hacer para seguirte la pista?
M.H: Me han ofrecido escribir un blog, titulado Marta en Marte, para el Diario Montañés. En él hablo desde de mi visión personal, sobre el mundo de la tele y el cine. Y por supuesto, seguir atentos a la nueva temporada de El Internado que estará llena de sorpresas.

Ángel Caballero/Mira a cámara
Aunque es un apasionado del cine desde niño nunca se le pasó por la cabeza que llegaría a convertirse en director. Por eso, cada vez que llega a un rodaje lo disfruta como si fuera un sueño hecho realidad. Con solo tres cortos a sus espaldas Eduardo Chapero-Jackson está considerado como uno de los directores más prometedores de nuestro país. Antes de comenzar el rodaje de su primer largo, estrena una trilogía compuesta por sus tres cortos (Contracuerpo, Alumbramiento, The End) que se proyectará en los cines Cité de toda España.

Mira a cámara: The End, ¿un corto difícil de rodar?
Eduardo Chapero-Jackson: Si, fue un rodaje duro. Es un corto de  treinta minutos al que dedicamos ocho semanas solo para rodar una tercera parte. Además si tienes secuencias de acción, pistolas, niños y el calor del desierto en pleno mes de julio… el rodaje se convierte en una odisea.
M.a.c: El tercer acto está planteado en tiempo real…
E.C.J: Era necesario mostrar la naturaleza humana de los personajes. Pienso que a la hora de narrar en cine es esencial estar con los personajes, porque eso te va a dar unos silencios y pausas que añade tensión y capta la atención del espectador.
M.a.c: ¿Cómo te enfrentas al trabajo con los actores?
E.C.J: No me sentí preparado para dirigir hasta que no estudié interpretación. Un director tiene que saber muchas cosas pero es fundamental que domine la interpretación. Tengo la impresión de que hay mucha gente que sale de la escuela sabiendo mucho de cámara y de guión, pero no de trabajar con los actores que son uno de los vehículos más importantes para contar la historia.
M.a.c: ¿Ensayas con los actores antes de empezar el rodaje?
E.C.J: Me gusta el proceso de ensayos porque creo que te permite probar cosas distintas y ver que funciona y que no. Ayuda a no fijar ideas sobre del personaje y hacer que todo sea más orgánico. A mí, me interesa mucho el trabajo con los actores e incluso, a veces, siento envidia de no poder estar ahí.
M.a.c: ¿Cuáles son tus referentes?
E.C.J: No te puedo hacer una lista de directores porque sería interminable. De niño admiraba a Buster Keaton y a medida que fui creciendo descubrí a Berlanga, Buñuel, Kubrick, Eastwood, Wilder… son muchos y muy distintos.
M.a.c: ¿Y cuáles son las mejores interpretaciones que has visto?
E.C.J: Tengo muy presente la que hizo Naomi Watts en Mulholland Drive. Creo que se mueve por los mismos derroteros donde me muevo yo. Me gusta mucho ese tipo de trabajo.
M.a.c: ¿Qué es lo que más te atrae de hacer cine?
E.C.J: Entender la naturaleza humana. Durante el proceso de guión, pretendo investigar esa parte oscura que todos tenemos, de donde creo que aun podemos aprender cosas. Y la dirección es trasladar todo eso a la realidad.
M.a.c: En montaje, ¿Es difícil decidir que partes hay que eliminar?
E.C.J: Sí, porque te apegas mucho a tu propio material y es duro tener una buena autocritica.
M.a.c: De las últimas películas que has visto, ¿Cuál nos recomiendas?
E.C.J: Déjame entrar. La vi en Sitges y recuerdo que me impresionó porque es de las películas más bonitas que he visto en los últimos años.
M.a.c: Cuando ves una película…, ¿lo haces desde la mirada del director o del espectador?
E.C.J: Una mezcla de ambos, pero si la película es muy buena te concentras en disfrutar como espectador. Es una buena señal cuando ocurre esto.
M.a.c: ¿Recuerdas cuando nació tu pasión por el cine?
E.D.C: De niño. Soy hijo único, de padres divorciados y todos los fines de semana, que me tocaban con mi padre, me llevaba a los cines Alphaville de Madrid. Veíamos muchas películas de arte y ensayo que no entendía y que me impactaban mucho. Soy un chaval de barrio, muy alejado de cualquier círculo de cine y nunca se me pasó por la cabeza ser director. Empecé a hacer fotografía, leer mucho, escribir cuentos, y después de mi primer año en Bellas Artes, me dije: lo voy a intentar. He tardado mucho tiempo, con tranquilidad y preparándome lo mejor posible porque le tengo mucho respeto a esta profesión. Así que cada vez que voy a rodar algo, me lo tomo como un sueño cumplido que hay que disfrutar.
M.a.c: Ahora podremos volver a disfrutar de tus cortos en el cine…
E.D.J: Se estrenan los tres como una pequeña trilogía. Es una especie de pequeño hito al cortometraje que espero que sirva para que se muestren los trabajos de otros directores. Daniel Sánchez-Arévalo o David Planell, tienen muy buenos trabajos que se pueden programar juntos, duran lo mismo que una película, tienen una coherencia, y es muy buen cine porque en los cortos se trabaja con una creatividad y libertad que es muy difícil encontrar en un largo.

Ángel Caballero/Mira a cámara

Después de algunos años trabajando en papeles pequeños para televisión y cine, Alfonso Bassave, se puso a las órdenes de Joaquin Oristrell para crear una deliciosa Dieta Mediterránea. Aunque algunos entendidos lo han calificado como un nuevo descubrimiento para el cine español, Bassave, confiesa que se conforma con que su trabajo guste a la gente.

Mira a cámara: Se dice que eres el nuevo descubrimiento del cine español…
Alfonso Bassave: Llevo muños años formándome y haciendo pequeños trabajos en televisión. Dieta Mediterránea ha sido una gran oportunidad que me ha supuesto un antes y un después como actor y como persona. No sé si seré un descubrimiento… me basta con que a la gente le guste mi trabajo.
M.a.c: ¿Has aprendido más formándote o con esos pequeños trabajos?
A.B: Creo que es necesaria tener una formación pero reconozco que el talento y el gusto por tu trabajo son fundamentales y son cosas que no te da la escuela. En mi caso, la formación ha sido fundamental aunque el trabajo me ha dado seguridad y agilidad para resolver situaciones, sobretodo en televisión, donde todo va tan rápido.
M.a.c: ¿Ha sido duro llegar?
A.B: Sí, para que engañarnos… Hay algunos actores que tienen un golpe de suerte pero la gran mayoría tenemos que hacernos nuestra carrera poco a poco.
M.a.c: Dicen que Oristell es un director de actores, ¿Es cierto?
A.B: Oristrell, no es solo un director de actores también es un maestro. Es un hombre que ama la profesión, disfruta yendo al cine y al teatro, no crítica nunca a nadie y sobretodo es genial encontrarte con un director que disfruta tanto trabajando con los actores.
M.a.c: Después de Dieta Mediterránea, ¿Has aprendido a cocinar?
A.B: La que aprendió más fue Olivia que interpretaba a una chef. Disfruto con la cocina aunque no sé tanto como me gustaría por falta de tiempo. Hace poco, le regalé un curso de cocina a mi madre para hacerlo juntos.
M.a.c: Para preparar tus personajes, ¿lo haces solo o con ayuda de un coach?
A.B: Siempre que puedo me lo preparo con Raquel Pérez que fue mi profesora en Cristina Rota. Hago un trabajo previo leyéndome varias veces el guión para que no se me escape ningún detalle, veo qué tipo de personaje voy a trabajar, leo libros y veo películas con personajes parecidos para tomar referentes y finalmente lo ensayo con el coach. Es importante que alguien lo vea desde fuera porque es muy difícil tener una buena perspectiva sobre nosotros mismos.
M.a.c: ¿Vas mucho cine?
A.B: Si, tengo una gran colección de películas porque a mi padre le gustaba mucho el cine y desde niño ya me veía todos los clásicos. Fue precisamente gracias a una película, el club de los poetas muertos, por lo que decidí ser actor. Estaba estudiando derecho cuando vi la película, sentí que quería ser como el personaje del chico que quiere ser actor, y la compaginé con arte dramático.
M.a.c: ¿Qué película recomendarías a todo aquel que quisiera ser actor?
A.B: Como en cualquier disciplina artística hay que irse a los clásicos. Historias de Filadelfia, Houston o El Padrino, son mis favoritas.
M.a.c: ¿Eres muy crítico a la hora de visionar tus trabajos?
A.B: La primera vez mucho pero en los siguientes visionados me relajo e intento ser más objetivo para ver en que puedo mejorar.
M.a.c: ¿Haces algún tipo de calentamiento antes de empezar a rodar?
A.B: Relajar el cuerpo, respirar y calentar la voz. También uso un pequeño truco que me enseñó Olivia Molina para mover la energía y empezar mucho más activado.
M.a.c: ¿Cuáles son tus proyectos más cercanos?
A.B:  Estoy grabando una serie que se llama U.C.O para Tve y este verano rodaré una película en Buenos Aires sobre la vida de José María Escrivá de Balaguer, dirigida por Roland Joffé.

Ángel Caballero/Mira a cámara
Con una familia como la suya no era difícil adivinar que Manuel M. Velasco (04/09/76 Madrid) acabaría dedicando su vida al cine. Al igual que otros cinéfilos, desde niño siente fascinación por las películas de Steven Spielberg y reconoce que no ha superado su complejo de Peter Pan. Aunque ha trabajado como guionista no olvida que con lo que realmente disfruta es poniéndose detrás de la cámara.

 
Mira a cámara: ¿No crees que muchos directores hacen cortos solo para que las productoras vean sus trabajos?
Manuel M. Velasco: El noventa por ciento de los directores que hacen cortos lo hacen como vía para llegar a dirigir un largo, aunque digan lo contrario. Yo estoy a favor de esos directores. De hecho yo hago mini películas para las vean los productores, no trabajo el corto como género porque mis historias están más enfocadas a un largo que a un corto.
M.a.c: De los últimos cortos que has visto, ¿Cuál es el que más te ha sorprendido?
M.M.V: Dime que yo de Mateo Gil y The End de Eduardo Chapero Jackson, un mini largo que ha triunfado Sundance y en muchos otros festivales. También me han gustado El ataque de los robots de Nebulosa 5, Sombras en el viento, Machu Picchu o Microfísica, entre otros.
M.a.c:¿Qué opinión te merece el término “Friki”?
M.M.V: Pienso que se está utilizando mal y perdiendo el sentido. Ahora se llama friki a cualquiera que sale en ciertos programas de televisión o tiene una afición que otros no comparten, lo que me parece una falta de respeto porque entonces, a las persona que le guste el cine, los videojuegos, los comics o las novelas de caballería se las llama frikis. Si ser friki significa saber mucho en algún campo, me gustaría considerarme un friki.
M.a.c: ¿Qué opinas de los nuevos formatos digitales?
M.M.V: Los nuevos formatos, están muy bien a la hora del rodaje y la producción pero con las barreras en la exhibición y distribución, la llamada democratización del cine no es como nos la pintan. Podemos rodar una película con una calidad cada vez más alta e incluso, rodar con la misma cámara con la que ha rodado Soderbergh el biopic del Che Guevara para hacerte una película y luego montarla, el problema llega a la hora de exhibir. Si no hay facilidades para que el arte y la cultura lleguen a la gente, es como si no existiera.
M.a.c: ¿Director o guionista?
M.M.V: Llevo muchos años ganándome la vida como escritor pero yo me considero director. En España, hay muy pocos casos en los que los guionistas le vendan un guión a una productora para que ésta se lo entregue al director que crea más oportuno. El día que haga una película, probablemente el guión esté firmado por mí pero no será porque yo sea un gran guionista, si no porque no me ofrecen ningún guión y no me quedará más remedio que acabar escribiéndolo yo.
M.a.c: ¿Tu película favorita?
M.M.V: E.T, sin lugar a dudas.
M.a.c: Tu madre ha demostrados ser una gran cinéfila, ¿Es algo que le has inculcado tú?
M.M.V: No, todo lo contrario. Mi madre, es muy cinéfila y siempre que podemos vamos al cine juntos. Además, me ha descubierto a dos de mis grandes mitos: James Bond y Alfred Hitchcock. Cuando en casa vives ese ambiente de cine, es muy difícil querer dedicarte a otra cosa.
M.a.c: En Dawson´s Creek, el protagonista acabó superando su complejo de Peter Pan… ¿Has superado el tuyo?
M.M.V: Según los psicólogos el complejo de Peter Pan está asociado a una incapacidad para asumir los retos de la madurez, timidez extrema e introspección personal, mala educación, grosería… lo que sucede es que a los que nos gusta el cine tenemos nuestra propia versión y la mía es aspirar a trabajar con Spielberg, ¿Por qué no puedo seguir soñando? Hasta que Harrison Ford no muera yo puedo dirigir la quinta entrega de Indiana Jones…